Teatros y más mentiras...

Nuestro adiós a Juan Carlos Gené

2012-02-01T04:47:00.000-08:00

En la mañana de hoy, 31 de enero, a los 83 años, falleció Juan Carlos Gené. Fundador y animador del Grupo Actoral 80, residió en Venezuela entre 1977 y 1993. Director General Adjunto del CELCIT internacional y Presidente del CELCIT de Argentina, su trayectoria en el teatro, la TV y cine, como actor, director, dramaturgo y pedagogo, alcanzó dimensión continental por su vinculación creativa con diversos países latinoamericanos. Dictó cátedra en la Universidad de Buenos Aires, Universidad de La Plata, Universidad Central de Venezuela y organizado talleres internacionales. Fue Presidente y Secretario General de la Asociación Argentina de Actores, Director General de Canal 7, y Director General del Teatro San Martín. Son algunas de sus obras: "El herrero y el diablo" (1955), "Se acabó la diversión" (1967), "Cosa juzgada" (1971), "El inglés" (1974), "Golpes a mi puerta" (1985), "Ulf" (1989), "Memorial del cordero asesinado" (1990), "El sueño y la vigilia" (1992), “Todo verde y un árbol lila” (2007).

Vuelve 'Noches de Satén Rígido'.

2011-09-17T15:31:00.000-07:00

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2011-07-14T13:14:00.000-07:00

Las noches se visten de satén rígido en el Cine Víctor.

2011-07-14T13:01:00.000-07:00

"teníamos medio siglo ensangrentándonos únicamente por mandar y no por vivir felices".

‘País Portátil’, Adriano González León.

‘Noches de Satén rígido’, es uno de los más de 30 textos teatrales escritos por el dramaturgo venezolano José Gabriel Nuñez. En ‘Noches de Saten Rígido’, a modo de las reiterativas peleas de gallos dos viejas prostitutas arman y desarman la maleta de sus sueños y destinos, afinan en una particular piedra angular lo poco que queda de su andrajoso burdel, de su Ladrillo Rojo, ahora convertido en una aséptica casa de citas. Por una estratagema de Samarkanda, una antigua bailarina de tangos, engañada y prostituida antes de lograr sus sueños, el burdel es declarado Bien de Interés Cultural y les impide, para sorpresa y rotunda oposición de Obsidiana, continuar con su ya trasnochada y rutinaria actividad de dar placer al calor de los boleros, fritangas, copas mal lavadas, y licor barato.

Samarkanda es de origen argentino y su deseo aun sigue siendo, a pesar de un cáncer que la corroe y la falta de dinero, volver, con la frente marchita, a su amado Buenos Aires. Obsidiana es venezolana y por esas cosas del destino llegó hasta Tenerife donde algunas ayudas le permitieron establecer su primer burdel; el Ladrillo Rojo, la primera piedra de un imperio de sexo, sudor y lágrimas que ahora Samarkanda destina a la historia, como quien diseca las escenas de la vida para exhibirlas como trofeos de feria o estatuas.

A pesar de su origen latinoamericano este texto, que ya ha sido representado con éxito en Venezuela y México, habla de una realidad que no es extraña a ninguna geografía porque la puta, a pesar de su muy mala publicidad, tiene en cualquier punto las mismas historias de amor, dolor, soledad, y traición. También habla Nuñez en esta obra teatral del cáncer, el mal de este siglo, de una teta cercenada y posteriormente enterrada en cristiana sepultura. No deja de poseer este texto el realismo mágico con el que la naturaleza bendijo a Latinoamérica y que tanto renombre ha dado a la literatura del gabo Márquez.

En la puesta en escena controlada por esta trouppe, reunida para la ocasión por la actriz y productora Elisa Escámez, aparece Joseph un travestí inglés que, como Samarkanda, halló en el fieltro, las lentejuelas y los vestidos desgastados que Obsidiana pilló en los mercadillos de fin de semana, la oportunidad para hacer, aunque de forma miserable, vida como artista.

De tal manera que estamos, si lo deseamos, ante una imagen esperpéntica de un país burdel, sin oportunidad de renovación, sin esperanza. Amparado en sueños que cuelgan como húmedas prendas sobre los tendederos, a riesgo de que los rompa el viento. Un país donde por una monedas cualquiera es capaz de firmar, de prostituirse. La batalla por la resistencia, la supervivencia. Anclar un sueño al menos, antes de morir, como desea Samarkanda. Un país con diversas culturas soñando Europa. Un país portátil como lo dijera Adriano González León. Una metáfora de lo que somos vociferadas por dos meretrices establecidas con carné de residencia en la TF01, en un edificio que la cursilería putañera de falsa moral e hipócrita ha rebautizado con el nombre de ‘Tu cultura y yo’. El antro del encuentro, la poesía para dispersar y el discurso fácil.

Elisa Escámez, actriz venezolana con más de 40 años de trayectoria ha invitado para su vuelta al escenario a la actriz y bailarina argentina Viviana Segade, al actor y bailarín inglés Jason Segade y al diseñador y director teatral Héctor Armas. El resto del equipo de trabajo lo conforma Julia López de Méndez en la realización de vestuario, José Manuel Montesinos en la realización del decorado, Ángel Brito en la realización de iluminación y Diego Quintero en el diseño de arte y fotografía.

El espectáculo esta patrocinado por las empresas Dona Vaniri, El kilo de Guía de Isora, el trastero, La Mansión de la Arepa y la Asociación de Mujeres con Cáncer de Mama de Tenerife AMATE.

La cita es en el Cine Víctor de Santa Cruz de Tenerife este venidero 30 de julio a las 21 horas.

Una versión del cuento Cenicienta llegará al Auditorio de Guía de Isora

2011-06-23T09:06:00.000-07:00

The Imperial Ice Stars trae a la Sala Sinfónica del Auditorio de Tenerife 'El Lago de los Cisnes sobre hielo'

2011-05-24T12:42:00.000-07:00

SANTA CRUZ DE TENERIFE, 23 May. (EUROPA PRESS) -

La compañía The Imperial Ice Star llega a la Sala Sinfónica del Auditorio de Tenerife 'Adán Martín' para poner en escena el espectáculo 'El Lago de los Cisnes sobre hielo', basado en el célebre ballet de Chaikovsky, y cuyas funciones tendrán lugar los días 25 (19.00 horas), 26 (20.30 horas), 27 (18.00 y 21.30 horas), 28 (18.00 y 21.30 horas) y 29 de mayo (18.00 horas).

The Imperial Ice Stars representa la historia de 'El lago de los cisnes' y logra emocionar al público con su habilidad y destreza acrobática. La obra ofrece un nivel olímpico de patinaje en un teatro: triples volteretas, ejercicios gimnásticos en el aire, espirales mortales, dobles y triples axels y espectaculares elevaciones a alta velocidad, únicas y características de las actuaciones de esta compañía.

Las entradas ya se encuentran a la venta a través de los canales habituales: telefónicamente, en el 902 317 327 (de 10.00 a 19.00 horas, de lunes a sábado), en las taquillas del Auditorio (de 10.00 a 15.00 horas, de lunes a viernes, y de 10.00 a 14.00 horas los sábados), en los terminales multiservicios de CajaCanarias o a través de internet en www.auditoriodetenerife.com.

La reunión de los Zanni, de la compañía tinerfeña Reymala, en Guía de Isora

2011-05-24T12:37:00.000-07:00

La reunión de los Zanni, de la compañía tinerfeña Reymala, se presentará en el Cine Teatro Auditorio de Guía de Isora el Viernes 27 de mayo a las 21:00 horas.

La libre improvisación sobre el escenario, aunque envuelta en un trabajo bien hecho y con mucha preparación, es de lo que podrán disfrutar los amantes del teatro que acudan el próximo 27 de mayo, a las 21:00 horas, a la puesta en escena de ‘La reunión de los Zanni’ en el Cine Teatro Auditorio de Guía de Isora

La compañía tinerfeña Reymala, bajo las órdenes del prestigioso director escénico Adriano Iurissevich, representará esta divertida comedia que rescata conflictos clásicos de la dramaturgia universal para reconstruirlos y transformarlos en conflictos contemporáneos, acercando y actualizando la comedia del arte italiana, género popular de plazas con una gran participación del público.

Improvisación y máscaras

Franchesquina, Pedrolino, Arlequín y Briguela dan vida a ‘La reunión de los Zanni’, una obra en la que se narra las ocurrencias y aventuras de un grupo de comediantes que viaja representando un peculiar espectáculo, basado en el estilo del género teatral Comedia dell’Arte, donde la improvisación y las máscaras juegan un papel fundamental.

Esta libre espontaneidad implica que la obra no está construida sobre una estructura única, aunque persigue unas reglas precisas y necesita de buenos actores para la puesta en escena de la obra.

Reymala

La experiencia de Reymala, una compañía canaria dedicada a este tipo de comedias, se hará notar en el Teatro Leal el próximo 16 de enero 2010. La representación sobre el escenario de ‘La reunión de los Zanni’ no pasará desapercibida para el público que asista al espectáculo, en el que los cuatro protagonistas de la obra deleitará a todos con las más divertidas historias de amor y engaños.

Texto extraído de: TinerGuia

La Asoc. Arcoíris prepara un ensayo público de su nueva obra.

2011-05-21T14:57:00.000-07:00

La Asociación de Mujeres Isoranas Arcoíris, continuando con su actividad teatral prepara para el día 29 del mes de junio una muestra de las escenas más representativas de su último trabajo: 'El matrimonio no le sienta a Cenicienta', versión libre del cuento de los hermanos grimm realizada por Héctor Armas. La cita será en el Auditorio de Guía de Isora a las 20.00Hrs.

La Asociación vuelve con un texto reivindicativo con un mensaje políticamente correcto sobre el tema de género. En esta ocasión la pobre Cenicienta no es precisamente la niña tonta que tan solo sueña con una vida en matrimonio sino que, muy al contrario, tiene aspiraciones y proyectos de futuro. El tema sin embargo está tratado intencionalmente con el ritmo que el cuento sugiere aunque, la dirección ha jugado con dos licencias musicales. Por un lado, un hada, interpretada por Carmen Torres, canta temas reconocidos de Celia Cruz y por otro, los incidentales pertenecen a la obra original del violinista venezolano Daniel Carrillo.

El elenco está integrado por: Davinia Mesa en el papel de Cenicienta, Laly Álvarez, Mª Carmen Delgado y Bella Herrera como las hermanastras, Elena Martín como la melodramática madrastra, Lita como el Ama, Montse Rocha como un hada en pre jubilación. El actor argentino Oscar Julian Torcigliani interpreta al padre, el Chaman Basta y a un presumido príncipe.

El decorado está realizado por José Manuel Montesinos, el vestuario es colectivo y la dirección y coordinación general de Héctor Armas.

Concha Velasco en Tenerife y con la vida por delante.

2011-05-21T13:35:00.000-07:00

La actriz Concha Velasco ofreció en el Teatro Leal de La Laguna su segunda y última función de «La vida por delante», una propuesta escénica que, tras dos años de éxito en Barcelona y Madrid, han disfrutado más de 250.000 espectadores. La obra, dirigida por José María Pou, es una adaptación realizada por Xavier Jaillard de la novela «La Vie Devant Soi», de Román Gary, y se representará a partir de las 21.00 horas.

Este texto teatral cuenta la tierna historia de unos personajes marginados a través de los ojos de Momo, un niño árabe que vive en la pensión de la señora Rosa, una vieja ex prostituta judía, superviviente del campo de exterminio de Auschwitz, que acoge a hijos descarriados en un suburbio de París.

Concha Velasco, actriz, cantante y presentadora de televisión, encarna el personaje de Madame Rosa, en un rol versátil y conmovedor que se enfrenta con valentía al ocaso de sus días, con el que ha sido merecedora de los halagos de la crítica. Por su parte, el actor Víctor Sevilla encarna a Momo, un adolescente árabe que ejerce de narrador de la historia y vive aferrado al cariño de Madame Rosa, a la que cuida en sus momentos más críticos, sobre todo, cuando se obsesiona por conocer sus orígenes. Esta obra es una producción de Focus en la que también participan los actores Juan Antonio Quintana, como el doctor Katz, y José Luis Fernández, como Youssef Kadir. Nos describe un sórdido mosaico humano en el que Momo realiza su aprendizaje vital. Con su registro adolescente denuncia el racismo y el materialismo y hace una reflexión sobre la vejez, la soledad y la eutanasia.
Texto: ABC
Video: Terra

EXPOSICIÓN | En el Instituto Goethe: 'No te limites a mirar, ¡actúa!'

2011-04-30T14:17:00.000-07:00

Álvaro Cortina | Madrid
El Instituto Goethe de Madrid recuerda al alemán Wolf Vostell

Después de una hora de discursos de presentación de la iniciativa 'El Teatro está en la calle. Los happenings de Wolf Vostell', en el Instituto Goethe de Madrid, eso de las 20:00, se empezaron a repartir al tuntún unos sobres entre los asistentes. Curiosidad. Cuando los organizadores dieron la señal cada cual abrió el sobre que le había tocado. Eran notas que había escrito Wolf Vostell (1932-1998) para un viejo happening. En una ponía "Informe a quien se encuentre, incluso a desconocidos, de su peso. Puede mentir". O "Piense en sus vecinos". Así, se oía a un hombre gritar: "No quiero. No quiero". Otro, ordenado por la azarosa carta, había ido al baño a coger papel higiénico y lo esparcía por el lugar. Una señora pregunta a la gente: "¿Cuántas horas de televisión ves al día?" Otro aplaudía. Otro gritaba: "¡Qué bonito!".

Eso es un happening. Arte en directo y participación del público. El resultado es un panorama digno de 'Alguien voló sobre el nido del cuco' o el psiquiátrico de '12 monos'. Con Wolf Vostell se le puede quedar al aficionado convencional un poco de cara de pueblo. Es lo que tiene la vanguardia. Dentro del programa de Espacio de Encuentro hispano-alemán de 2011, el Instituto Goethe ofrece una selección de antiguos clásicos de Vostell recordados, con grabaciones del momento en vídeo y restos simbólicos. El embajador, Reinhard Silberberg, y los comisarios, por ejemplo, dieron su discurso junto a un coche que el artista de Leverkusen puso en una vía de ferrocarril e hizo atropellar por el tren en '130 km a la hora' frente a su público dispuesto a todo.

"El objetivo visible es hacer visible la red de colaboración entre españoles y alemanes. Y fortalecer esa colaboración", dijo Silberberg, junto al antiguo coche siniestrado. Vostell era el perfecto, que vivió en Extremadura, en Malpartida, donde tiene un museo. Vanguardia en el pueblo. Fritz Emslander, comisario (junto con José Antonio Agúndez) explicó: "No te limites a mirar,¡actúa! Los happenings de Vostell convirtieron a los espectadores en participantes. Nunca fue tardea fácil para los participantes porque de ellos dependía el éxito del happening. Vostell exigía con vehemencia de las instancias artísticas y morales una nueva mirada sobre una realidad a menudo desagradable".

En una sala de exposiciones (recuerdo y homenaje) hay grabaciones de 'Berlín Fieber'. En 1973 llevó Vostell a unos conductores reunidos para la ocasión a pisar con su coche platos con sal. A abrir y cerrar la puerta del capó. A encender y cerrar motores. Hay unas lechugas que evocan 'Salat', de 1971. Metió una caja con lechugas en un tren de recorrido Aquisgrán-Colonia-Aquisgrán durante un año. En esa caja fue pegando los papeles de chequeos médicos de los participantes (¿serían siempre los mismos?).

Ya señaló Agúndez, el comisario español, "lo efímero del arte de acción". De modo que en el Instituto hay recuerdos de objetos (trozos de platos con sal, por ejemplo), evocaciones o grabaciones. Hay grabaciones de sus concierto-flux (haciendo ruido ante un micrófono rasgando revistas), televisores sobre camillas y, en el centro, un pino con cabelleras humanas (y falsas) y cerebros orgánicos (¡no humanos!), fruto de una visión traumática en la II Guerra Mundial de Vostell. Un accidente de avión en un bosque. Y si tienen más ganas de estas cosas pueden ir al Museo Vostell-Malpartida, el pueblecillo vanguardias de Cáceres.
Fuente: ELMUNDO.es

ENTREVISTA: Claudio Tolcachir Autor, actor y director

2011-04-30T13:50:00.000-07:00

ROSANA TORRES - Madrid - 30/04/2011
"Cuando intelectualizas, la cagas"
Claudio Tolcachir, hombre de moda del teatro latinoamericano, trae a España su trilogía 'La omisión de la familia Coleman', 'Tercer cuerpo' y 'El viento en un violín'.
El autor, director y actor bonaerense Claudio Tolcachir, a sus 35 años se ha convertido, en poco tiempo, en el más claro representante de un nuevo teatro argentino que, por primera vez, tiene identidad propia y no recurre a modelos europeos. Nunca había presentado su trilogía escénica puesta en pie con su grupo Timbre 4 y sus excepcionales actores. Desde el pasado 6 de abril se puede ver en las Naves del Matadero del Teatro Español de Madrid, donde se presentan La omisión de la familia Coleman, Tercer Cuerpo (hasta el 15 de mayo) y El viento en un violín (del 18 de mayo al 5 de junio), espectáculo este último que, la primera semana, forma parte del Festival de Otoño en Primavera.

"Parecía que no saldríamos del pozo, pero nos pusimos a hacer teatro"

¿Cómo se combina lo de estar de moda en Europa, reclamado por grandes teatros y festivales de prestigio, con el hecho de ser autor y director de una humilde compañía, cuyos trabajos se presentan en un sencillo piso bonaerense? Ello también tiene que ver con el nombre del grupo: Timbre 4. Se llamó así para orientar a los espectadores que debían llamar a ese timbre, en un bloque de vecinos, para acceder a la sala.

Tolcachir ahora se siente rico. Desde hace unos meses tienen un nuevo teatro, en la misma manzana y conectado por un pasillo con la antigua sala para 50 personas. "El nuevo es para 180 espectadores", dice con su filosofía de dejarse sorprender por todo lo que sucede a su alrededor. "Soy muy inconsciente de todo cuanto no teníamos", señala al hablar de cómo nació su hoy afamado grupo. "Armamos Timbre 4 en 2001, época en la que todos andaban escapándose a donde pudieran, por hambre y por desesperanza; teníamos la sensación de estar en un pozo del que no saldríamos jamás, a pesar de lo cual nos pusimos a hacer teatro; cuando dirigía no era consciente de qué significaba eso". Y así estuvieron unos años.

Gracias a un vecino que les denunciaba una y otra vez alegando que lo que tenían era un lupanar que hacían funcionar como prostíbulo y en el que para más inri había venta de drogas, se vieron empujados a buscar otra cosa. Empezaron a dar vueltas por la zona de Timbre 4 y encontraron, a través de un pasillo, una nave: "El local estaba destrozado, pero hicimos un teatro, sin plata para comprarlo, ni arreglarlo; ha sido muy emocionante ver como creció y como lo pueblan chicos que surgieron de la escuela y defienden el espacio", sostiene.

Este pelirrojo de expresión infantil pone caras muy raras -de asombro, incredulidad, pudor- cuando se le dice que está empezando a ser considerado un gurú teatral: "Yo no creo serlo, de hecho me pongo muy nervioso cuando trabajo con actores como Gloria Muñoz o Carlos Hipólito [a los que ha dirigido en la producción española de Todos eran mis hijos, de Arthur Miller], por pura inconsciencia les doy órdenes. Cuando montas algo todo está lleno de fantasmas, al teatro no le importa si eres conocido o no, te pide las mismas cosas, no lee currículos, y el entorno no varía, ya que la gente con la que trabajas termina incorporándose a lo que es tu familia".

Tolcachir es de los que piensan que tuvo mucha suerte con que las cosas le costaran tanto: "Así entiendes que el trabajo es lo único que vale, lo demás es placer, o sufrimiento si la cosa no va bien, pero lo único real y que te sostiene es el trabajo de todos los días", señala este profesional que tiene paralizada su carrera de actor.

Al hablar de las obras que ahora se presentan en Madrid pone en duda si éstas conforman una trilogía: "Yo escribí tres obras, y no sé si escribiré la cuarta, para mí es un misterio. Cierto es que tienen cosas en común, el tipo de personajes, perdedores que viven en un lugar incómodo, tratando de integrarse, aunque son diferentes por la actitud que tienen frente a la vida". Son textos con estructuras diferentes, aunque los tres tienen una línea tragicómica: "Es mi manera de vivir la vida, de mirar al mundo".

Las tres obras están escritas en momentos muy diferentes de la vida de Tolcachir. "La última [solo vista en el Festival de Temporada Alta de Girona] es la mas violenta y esperanzada, me dije 'abramos una ventanita', aunque uno después intelectualiza el asunto y la caga". De La omisión de la familia Coleman dice: "Sus personajes son seres inconscientes dentro de una vorágine, van de un lado a otro, es una familia estancada en su realidad, y lo máximo que puede hacer, como logro, es no ver la realidad y seguir. Son supervivientes, pero a costa de no ver; eso era lo que sentía en mi vida y en mi país, donde todo era tan terrible y tan sin futuro, que lo único que hacíamos era vivir y pelearnos, ir de un lado a otro y seguir hasta que todo estallara por los aires".

Tercer cuerpo es una obra cuyos personajes desprenden aromas chejovianos: "Tiene más que ver con la soledad humana; son seres que tienen su vida por delante y no saben qué hacer para que aquello tenga sentido. Quieren cosas muy pequeñas, que son las que tiene todo el mundo, un hijo, una pareja, una casa, algo que te espere fuera del trabajo y no tienen ni idea de cómo hacerlo" En El viento en un violín, los personajes son más oscuros, cometen delitos por amor y son tremendamente violentos. "Para mí es una obra sobre la aceptación y el amor", puntualiza. Su título es una metáfora para hablar de un aire puro que está oculto: "Tiene relación con lo que ha pasado en mi país, donde hemos vivido desde hace décadas sin saber si éramos Europa, o una parte de Miami, si éramos indios, gauchos, descendientes de europeos, o latinoamericanos. Nuestra crisis también fue cultural y fue la más positiva. Ahora tenemos claro que somos latinoamericanos, empezamos a funcionar como argentinos y vamos aceptando nuestra identidad; ahora se está dando una construcción más real, un modelo nuestro, que mezcla todas las cosas que nos están pasando".

El viento en el violín iniciará una gira por España pasado el verano y en 2012 se podrá ver de nuevo la trilogía por distintas ciudades españolas.
Fuente: ELPAIS.com

Algún Dato:
Extraído de la página web de la agrupación argentina Timbre 4

Entrevista a Claudio Tolcachir, director de Tercer Cuerpo.
Interesantísma entrevsta a nuestro director!!

"Tercer Cuerpo, La Historia de un Intento Absurdo"
Esta obra nos causó muchas alegrías. Fue un trabajo realizado con mucho profesionalismo y esfuerzo. Gracias a la producción y los actores!.

Una gran Gala Lírica reunirá a 23 primeras voces en el teatro de la Zarzuela a beneficio de la Asociación San Juan de Adeje

2011-04-07T08:30:00.000-07:00

Isabel Rey, Celso Albelo, Aquiles Machado, y el pianista Alejandro Zabala, son algunos de los artistas de renombre internacional que actuarán altruistamente

La Asociación San Juan es un centro de pedagogía curativa y terapia social que atiende a personas dependientes. Los beneficios de esta gala irán destinados a la rehabilitación y puesta en marcha de la segunda casa hogar. El importe de las entradas oscilarán entre los 15 y 50 €, también se ha habilitado una fila cero en la cual se podrán realizar aportaciones.

La Asociación San Juan, ubicada en el municipio de Adeje, y dedicada a la pedagogía curativa y terapia social a personas con dependientes, ha presentado hoy la “gran fiesta de la lírica”, un evento que se desarrollará el próximo 29 de junio en el Teatro de la Zarzuela en Madrid con la participación altruista de 23 primeras voces de la lírica, entre las que destacan Isabel Rey, Celso Albelo, Aquiles Machado, y el pianista Alejandro Zabala. Los beneficios de esta gala, en la que participan un gran número de artistas canarios, irán destinados a la rehabilitación y puesta en marcha de la segunda casa hogar de la Asociación San Juan. El importe de las entradas oscilarán entre los 15 y 50 euros, y además se ha habilitado una fila cero en la cual las personas que no puedan asistir al concierto podrán realizar aportaciones, el número de cuenta es 14910001212006288324. La venta de entradas se realizará en Internet, a través de Servicaixa así como también a través de los mecanismos del Teatro de la Zarzuela.

A la rueda de prensa asistieron el alcalde de Adeje, José Miguel Rodríguez Fraga, el representante de cantantes líricos, Carlos Martínez Jaén, la presidenta y el Director Educativo de la Asociación San Juan, Ana Oneida Borges Medina y Fidel Ortega Dueña, respectivamente. El alcalde apuntó “el hecho de que una asociación solidaria que trabaja por la gente con dificultades y que lo hace de una forma altruista, generosa e inteligente, merece la pena, el hecho de que estén presentando un evento en Tenerife que se celebrara en Madrid tiene una serie de componentes que la hacen como poco, singular” y, explicó Rodríguez Fraga, “desde el Ayuntamiento, prestaremos todo el apoyo que sea necesario porque la asociación San Juan es una realidad municipal que da solución a una demanda y a una necesidad de esta sociedad”.

Seguidamente, el representante de cantantes líricos, Carlos Martínez Jaén, afirmó que “es un proyecto realmente interesante y una propuesta que ha logrado el apoyo de muchos cantantes y que además se está posicionando como una gran fiesta lírica, la cual aportará beneficios a la Asociación San Juan para que pueda seguir realizando la labor que iniciaron hace 18 años”. Martínez destacó que “el teatro de la Zarzuela es un edificio público que esta sujeto a unas tasas, pero que en este caso, por el hecho de tratarse un tema benéfico, ha realizado una rebaja considerable del coste del mismo, contribuyendo así a la realización del evento”.

Entre los artistas que estarán presentes el próximo 29 de junio en la fiesta lírica destacan Badel Albelo, Celso Albelo, Yolanda Auyanet, Carlos Bergasa, Mariola Cantanero, Francisco Corujo, Javier Franco, José Julián Frontal, Ana Ibarra, Ismael Jordi, Aquiles Machado, María José Montiel, María José Moreno, Simón Orfila, Stephano Palatchi, Isabel Rey, Lavinia Rodríguez, Ruth Rosique, Ana María Sánchez, Silvia Tro, José Manuel Zapta Miguel Ángel Zapater, Maestro pianista Alejandro Zabala.

La presidenta de dicha Asociación, explicó que “uno de los objetivos de San Juan ha sido, desde sus inicios, conseguir que las personas necesitadas de cuidados especiales, disfruten de una calidad de vida digna, ya hemos puesto en marcha un entre otros proyectos, un centro de día, la primera casa hogar donde residen cinco personas y ahora necesitamos habilitar otra casa para acoger a más personas que lo necesitan, para seguir ofertándoles calidad de vida” Y agradeció a todas las entidades y empresas que colaboran con la realización del evento, entre las que destacó a la Viceconsejería de Cultura del Gobierno de Canarias, el Ministerio de Cultura del Estado, Teatro de la Zarzuela, Ayuntamiento de Adeje, Granadilla, Santiago del Teide, Club la Costa (fundación sonrisa), Asas (Santiago Gil Rodríguez) y Anykasur S.L, entre otros, ya que “las conversaciones con las empresas siguen abiertas”, puntualizó.

Por su parte, el Director Educativo hizo especial hincapié en el hecho de la importancia de la autodeterminación de las personas, “de dónde y cómo quieren vivir” y señaló la relevancia de la casa hogar para que las personas con necesidades especiales “puedan volar con alas propias, encontrar su propio destino”.

Asociación San Juan
Es una entidad sin ánimo de lucro, constituida en junio de 1994, su finalidad es el fomento de la educación en general y la asistencia, recuperación, enseñanza e integración social de las personas necesitadas de cuidados especiales. Para su consecución, sigue la metodología propia de la Pedagogía Curativa, Terapia Social y Pedagogía Waldorf, la cual ofrece a los niños, jóvenes y adultos necesitados de cuidados especiales la posibilidad de florecer, desarrollar el potencial y sus capacidades de juicio, así como la integración en la comunidad social, ayudarles a vivir con dignidad y permitir que su contribución a la vida social sea manifiesta.

La Asociación canaliza su intervención a través del centro asistencial y educativo, la Casa hogar y el proyecto La Espiral, con actividades educativas de integración; en total se benefician de sus actividades más de 250 personas de toda la isla.

Más información: http://www.asociacionsanjuan.es
Foto: Blog oficial de Aquiles Machado

La compañía de títeres Teatro 4 Elementos, invitada a participar en varios festivales de Colombia

2011-04-07T08:23:00.001-07:00

La presencia del grupo canario cuenta con el apoyo del Gobierno de Canarias

La compañía canaria Teatro 4 Elementos llevará sus títeres de gira por Colombia donde participará en diversos festivales y realizará representaciones de sus espectáculos El Generalito, prohibido prohibir y Abuelo, cuéntame un cuento gracias al respaldo de Canarias Crea, programa del Gobierno Autónomo para la promoción exterior de la cultura isleña.

La gira comenzará con su participación en el IV Festival Internacional de Títeres de Palmira que se desarrollará entre el 9 y el 16 de abril. Posteriormente, Teatro 4 Elementos formará parte del cartel de III Festival Internacional de Teatro Ritual de Palmira entre los días 20 y 24. Por otro lado, llevará a cabo una función especial en el Teatro Alehp de San Juan de Paso el día 24.

Asimismo, la compañía canaria participará en el Festival Internacional de Títeres de Cali del 25 al 30 de abril. Por otro lado, representará las obras El Generalito y Abuelo, cuéntame un cuento en los teatros Santiago Londoño y Alcaraban Studio de Pereira entre los días 30 de abril y 6 de mayo. El broche final a esta gira se producirá con las actuaciones que tendrán lugar en el teatro Hilos Mágicos de Bogotá del 8 al 19 de mayo.

En El Generalito, prohibido prohibir se refleja el mandato de un general enano que obligaba a todos los habitantes del país que gobierna a estar de rodillas. Un día un niño se pone de pie y descubre los colores, lo que supone el punto de partida de una revolución que provocará la destrucción del régimen tirano del general.

El espectáculo unipersonal de narración oral escénica, títeres y música en vivo Abuelo, cuéntame un cuento representa al abuelo Benito, un viejo narrador de mitos, cuentos y leyendas que hará que el espectador viaje a mundos fantásticos y le ayudará a rememorar historias de otros tiempos. Con esta pieza Teatro 4 Elementos pretende destapar el amor por los cuentos y el respeto a las personas mayores

La casa de Bernarda Alba - TEATRO ESPAÑOL

2011-04-04T02:43:00.000-07:00

El Teatro Español presenta una producción del Teatro Español y Teatre Nacional de Catalunya; "La casa de Bernarda Alba" de Federico García Lorca dirigida por Lluís Pasqual.

Reparto:

Bernarda - Núria Espert
María Josefa (madre de Bernarda) - Teresa Lozano
Angustias (hija) - Rosa Vila
Magdalena (hija) - Marta Marco
Amelia (hija) - Nora Navas
Martirio (hija) - Rebeca Valls
Adela (hija) - Almudena Lomba
La Poncia - Rosa Maria Sardà
Criada - Tilda Espluga
Prudencia - Marta Martorell
Mendiga - Montse Morillo
Muchacha - Bàrbara Mestanza

Federico García Lorca es, junto a Valle-Inclán, el mayor dramaturgo que ha dado la literatura española en el siglo xx. Su teatro, cargado de poesía y de imágenes memorables, llega a las Naves del Español bajo la batuta de Lluís Pasqual con un reparto excepcional que encabezan Núria Espert y Rosa Maria Sardà, juntas por primera vez sobre el escenario.

La casa de Bernarda Alba, subtitulada Drama de mujeres en los pueblos de España, fue escrita en 1936 y va más allá del drama para consolidarse como una tragedia de una fuerza extraordinaria. Bernarda Alba decide llevar el duelo más riguroso después de haber enviudado por segunda vez. Sus cinco hijas, víctimas de la rigidez de la madre, se ven encadenadas a la casa familiar, cerrada a cal y canto por la sombra de la muerte, e invadida por el hombre que traerá la desgracia a la casa de la familia. Un drama rural sobre cómo los valores sociales y el fanatismo son capaces de sofocar las ansias de libertad y las raíces del deseo.

Hamlet - TEATRO ESPAÑOL

2011-04-04T02:27:00.000-07:00

En torno a Carlos Castillo

2009-11-27T06:53:00.000-08:00

En uno de los sectores preferenciales del condado de Manhattan, y en un ambiente que reunió la plana mayor del medio artístico hispano-neoyorquino, la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York celebró el pasado domingo la edición número 41 de sus Premios ACE, en lo que constituyó un lucido tributo a Gustavo Rojo y Miriam Colón, quienes recibieron la máxima distinción de los periodistas dedicados al sector de espectáculos.El lucido evento se llevó a efecto a casa llena en el acogedor Calle Ocho Café en las inmediaciones del Museo de Historial Natural, siendo el consenso general que la ceremonia de entrega, precedida de un espléndido coctel, tuvo un éxito en muchos sentidos superior al de años anteriores, ya que no sólo se agotaron las entradas en tiempo récord tres semanas antes del evento, sino que a claras luces reafirmó la importancia de la institución para la vigencia del teatro hispano en la ciudad de Nueva York...Entre los ganadores de Premios ACE 2009 figuraron, en los apartados de actuación en teatro, David Ponce, Susan Rybin, Fred Valle, Mario Francisco Robles, Marga Mitchell, Luis Carlos de la Lombana, Silvia Sierra, Carlos Castillo, Soledad López. William Saquicela, Rosie Berrido, Pedro Zorrilla, América Barrera, Iván Camilo y Ana Montero.Los directores de teatro galardonados fueron Gabriel Gorcés, Tony Mata, Ángel Gil Orrios y Manuel A. Moran. Y las mejores producciones del año fueron declaradas “Réquiem por Yarini”, del grupo Retablo; “Cena Para Dos”, del Teatro Rodante Puertorriqueño; “Él Tango y Ella Milonga”, de Thalía Spanish Theater; y “La Vida Es Sueño”, de Repertorio Español.Otros premios en las categorías de cine, radio y televisión fueron otorgados a Silvia Brito, Germán Batista, Ramón Zayas, Marijoel Durán, Rolman Vergara, Stella Figueredo y Nilda Rosario. En síntesis, fue una noche esplendorosa para el medio artístico hispano de la ciudad de Nueva York.

Historia del Teatro Malandro

2009-11-27T06:35:00.000-08:00

El Garaje ocupa de Ginebra

En 1990, tras haber pasado seis años haciendo teatro de calle en París, el colombiano Omar Porras se instala en el Garaje, un edificio ocupado de Ginebra, y allí funda el Teatro Malandro. El Garaje se convierte así en un lugar de investigación teatral donde se crean los primeros espectáculos de la compañía: Ubú rey de Alfred Jarry, 1991, marcaría las pautas de un trabajo caracterizado por el universo barroco, la mezcla de culturas, los actores enmascarados, la conciencia del cuerpo y la presencia de la música, todo ello concebido de manera estructurada. En poco tiempo, la compañía sobresale y participa en diferentes espectáculos, en concreto en el Festial de las Artes de Nyon y en el Festival de la Ciudad de Lausana, surgiendo de círculos artísticos y alternativos de la escena local.
Recinto ilícito, materiales recuperados de la calle... El Teatro Malandro transforma la precariedad en derroche de imaginación gracias al asombroso talento y a la poesía de la necesidad, conocida por Omar Porras en su barrio de Bogotá desde la infancia.
Un año después de Ubú rey, Omar Porras y sus colaboradores realizan el montaje de La trágica historia del Dr. Fausto de Christopher Marlowe (1992), dando comienzo a la etapa de exploración de los grandes mitos. Tras el reestreno de Ubú rey (1993), el director escénico se consagra ese mismo año a un autor suizo –Friedrich Dürrenmatt- y a una obra de dimensión universal: La visita de la vieja dama. Dicho espectáculo marca una etapa muy importante en la historia del Teatro Malandro, la cual cuenta con el reconocimiento del Premio suizo-francés de espectáculos independientes (1994). Dándole un tratamiento iconoclasta a la obra, el director colombiano afincado en Ginebra hace eco de la fuerza de su interpretación así como del radicalismo del autor suizo-alemán. Es en este momento que las grandes escenas internacionales se abren a la compañía, aún establecida en el edificio ocupado, y que comienza una gira que les llevará por Suiza, Francía, Alemania y Latinoamérica.

Fuente: www.malandro.ch

Vicky Peña gana el Premio Nacional de Teatro

2009-11-27T06:28:00.000-08:00

La familia Popey logra la disitinción equivalente en la categoría de Circo

AURORA INTXAUSTI - Madrid - 27/11/2009

La actriz Vicky Peña (Barcelona, 1954) ha ganado hoy el Premio Nacional de Teatro 2009, dotado con 30.000 euros, que concede el Ministerio de Cultura. Lleva 30 años dedicado al mundo de la interpretación y su vida siempre ha estado vinculada al teatro aunque, según ha reconocido la premiada, pasó mucho tiempo hasta que se dio cuenta de que lo que había vivido desde niña era su oficio, su vida y su verdadera pasión. En escena se ha metido bajo un burka, ha participado en musicales y ha dirigido obras de teatro.
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El premio se ha concedido de forma unánime "por su carácter polifacético como actriz en los diferentes géneros, su labor referente de magisterio, su compromiso vital y activo con la profesión, y su capacidad de construir personajes muy auténticos como ha puesto de manifiesto en toda su carrera y recientemente, entre otros, en Sweeney Todd".
El jurado estuvo presidido por Félix Palomero, director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y constituido por la Subdirectora General de Teatro, en calidad de vicepresidenta, Adelaida Ripoll, Joaquín Notario, Nathalie Seseña, Fernando Bernués, Helena Pimenta y un representante del Centro de Arte y Producciones Teatrales, S.L. (Atalaya TNT), que recibió el Premio en 2008.
Por otra parte, la familia Popey ha sido galardonada con el Premio Nacional de Circo 2009, dotado con 30.000 euros, que concede el Ministerio de Cultura.

Publicado en ELPAIS.com

...y vinieron las vacaciones...

2009-07-10T06:10:00.000-07:00

Y nos las hemos tomado. Así que, hasta el próximo septiembre, el Teatro del la Asoc. de Mujeres Arcoiris se da un respiro para volver con nuevos proyectos. Entre ellos está la reposición de: 'delirium's Bernarda', versión libre de la obra de Federico G. Lorca y un taller sobre el monólogo.

Durante la época estival, 'Máquina Real' agrupación con la que monté 'Zapaterito Punzón' bajo la dirección de Anna Dragow, actriz y titiritera polaca, pretende remontar este texto y quizás estructurar uno nuevo. Ya les hablaré del tema.

¡Feliz Verano!

Foto tomada del blog de teatro del Grupo Teatral Salesiano “La Aldaba” de Granada

Una villana visitará Santiago del Teide

2009-07-10T06:05:00.000-07:00

El Ayuntamiento de la Villa Histórica de Santiago del Teide, a través de su concejalía de Cultura y el Aula de Teatro de la Universidad Carlos III de Madrid traen al centro cultural Grama de Santiago del Teide “La Villana de Getafe”, de Lope de Vega, que retrata la historia de una compañía teatral que, a principios del siglo XX, sufre un terrible naufragio cuando iban a ofrecer su repertorio en Filipinas, en la reinauguración del Nuevo Teatro de Arroceros. Sólo han quedado unos cuantos personajes con muchos piojos, el libreto de “La Villana de Getafe”, de Lope de Vega y cuatro baúles de mimbre con restos de vestuario y utilería de dramas rurales y operetas. Los supervivientes, si quieren comer, tendrán que hacerse pasar por la Gran Compañía que trae por fin una obra del excelso Fénix de los Ingenios a las Islas Filipinas. Y allí intentarán representar los tejemanejes de Inés, una muchacha de Getafe, por lograr el amor de Don Félix, un cazafortunas que trata, con su posición social, obtener rentabilidad económica a través de su casamiento. “La Villana de Getafe” se representará el próximo 20 de julio, a partir de las 20:00 horas, en el centro cultural “Grama” de Santiago del Teide, con entrada libre y gratuita.

Foto: Universidad Carlos III de Madrid

Bernarda enloquece en Guía de Isora

2009-03-13T05:07:00.000-07:00

Después de casi cuatrocientos días, la Asociación de Mujeres Isoranas Arcoíris, estrenó 'Delirium's Bernarda', un ejercicio de teatro que dío culminación al tercer taller de interpretación que imparte Héctor Armas.
Se trata de una versión de 40 minutos sobre la obra inmortal de Federico García Lorca, 'La Casa de Bernarda Alba', y que la dirección junto con el colectivo quiso enmarcar en el patio desértico de un psiquiátrico. Durante este tiempo se han desarrollado diferentes talleres sobre voz, movimientos escénico, interpretación, memoria y creación de personajes para encarar a las hijas envejecidas de la insensible Bernarda.

Durante la función celebrada este pasado viernes 8 de marzo, día internacional de la mujer trabajadora, también se estrenó un documental que basó su contenido en las problemáticas que se han vivido para hacer posible un proyecto de teatro dentro de esta asociación.

La función que comenzó cinco minutos después de culminado el documental demostró el gran trabajo que realiza esta asociación de mujeres que sin haber vivido antes una experiencia teatral, pudo expresar con sentimiento sobre el bello decorado realizado por José Manuel Montesinos y la funcional iluminación de Ángel Brito, la puesta en escena planteada por la dirección.

La ovación del publico llenó la sala para recibir a los actores y actrices que con visible emoción saludaron y festejaron durante una noche en la que también se cerraba un ciclo. Ahora, que lluevan las funciones.

'Delirium's Bernarda', Bernarda: Elena Martín, Poncia: Cecilia Ares, Angustia: Maricarmen González, Martirio: Laly Álvarez, Amelia: Anna Dragow, Adela: Viviana Segade, Pepe El Romano: Jáson Segade, María Josefa: Montserrat Rocha, Criada 1: Davinia Mesa, Criada 2: Julia López, Cura: Luis Clemente, Los niños: Jeray y Iago. Dirección Técnica: José Manuel Montesinos, Iluminación: Ángel Brito, Video Digital: Daniel Luis Juan Santana, Cartel: Jesús Mora, Producción General: Asoc. de Mujeres Isoranas Arcoiris, Concepto plástico, diseño y dirección general: Héctor Armas

Bernarda se mostró en fotos

2008-11-18T14:01:00.000-08:00

La asociación de Mujeres Isoranas Arcoíris presentó la primera parte de un ambicioso proyecto que pretende combinar el teatro, el vídeo arte y la fotografía.

Con la presentación de casi doscientas fotos, la Asociación de Mujeres Isoranas Arcoíris mostró al público la primera parte de un proyecto escénico en el que vienen trabajando desde hace seis meses.

Se trata de un grupo de fotografías bien seleccionada donde el espectador puede ver los distintos momentos que han vivido y sufrido, estos actores y su director, para hallar, entre otras cosas, la estética o vía para enrumbar una de las obras más conocidas y representadas del poeta y dramaturgo granadino Federíco García Lorca ' La casa de Bernarda Alba'.

Son planos evidentemente dirigidos, maquillados y algunos muy posados. Planos que, con muy buen gusto, ubican rápidamente al incauto público en una atmósfera tensa, y claro, evidentemente hostil, caótica y por supuesto esperpéntica.

'Me había parecido que el esperpento era un camino idóneo para enfrentar este trabajo, las fotografía han confirmado que causan en el espectador una reacción de interesante rechazo; eso me imagino ocurrirá cuando entren a ver el espectáculo', confiesa Héctor Armas, director y coordinador general del proyecto.

La Asociación de Mujeres Arcoíris, que tiene su sede en Guía de Isora en Tenerife, Islas Canarias, a apostado desde hace tres años por mantener un taller constante de teatro que pueda ofrecer importantes herramientas a sus usuarias.

'Durante estos tres años hemos trabajado con ejercicios casi performánticos, incentivado fundamentalmente la libertad creativa y cautivando al elenco para enfrentar proyectos más ambiciosos. Me parece interesante el hecho de que este grupo de mujeres que hace apenas un par de años ni sabían lo que era el teatro, ahora se tomen cada trabajo con la seriedad con la que enfrentan este proyecto, que es arduo y hasta aburrido, puesto que pasamos mucho tiempo haciendo lo mismo'. Comenta el director argumentando que, ese respeto por el trabajo y la propuesta dice mucho de la calidad humana, la capacidad , y la disciplina de la pocas actrices que han ido quedando.

'El teatro no es un arte de mayorías, pues exige trabajo compromiso y tiempo, y, eso es lo que hace que algunas se hayan marchado al principio.

No hago teatro con gente que busca hacer terapia o peor aun pasar el tiempo. Para eso está la televisión rosa y la revista Hola', confiesa Armas.

El trabajo de la Asociación Arcoíris es arduo ya que disfrutan de varios cursos semanales impartidos por diferentes monitores y además, participan en las diferentes fiestas y actos públicos organizados por el Ayuntamiento de Guía de Isora.

La próxima meta será culminar el documental que, sobre el tema del teatro y la opresión y manipulación del tiempo, se estrenará junto con la obra el próximo mes de marzo.

DELIRIUM'S BERNARDA [Exposición de fotografía]

2008-11-12T07:55:00.001-08:00

Por fin, y dentro de este proyecto que ya roza un año, estamos culminando una primera etapa. La Asociación de Mujeres Isoranas Arcoíris estrena una muestra de las mejores fotografías que han sido tomadas durante la primera temporada de experimentación y trabajo de laboratorio. También durante estos casi diez meses hemos resuelto la estética que habrá de llevar el maquillaje, el vestuario y todo el resto de elementos que compondrán el espectáculo que verá la luz este próximo año, y, más exactamente hacia marzo.
Son casi 150 fotos que narran, entre el color y el blanco y negro, instantes y momentos, algunos espontáneos otros posados, que hemos vividos. También se deja huella de escenas a medio hacer y entrevistas en pleno desarrollo que han plasmado las lentes amateurs de José Manuel Montesinos, Laly Álvarez y Héctor Armas. Son fotografía esperpénticas, llenas de una iluminación mortecina. Los claroscuros de algunas fotos se combinan con detalles de un paisaje canario, lleno de almendros resecos y terraplenes de piedra volcánica triturada.
Para estás sesiones de fotografía también se construyó un espacio con telones negros, focos y tramoya donde se colgaron retazos de tela roída y se creo la geografía caótica por donde transitan estas sombras, espectros de infelices mujeres que parecen escapar de sus recuadros de cartón.
Los personajes creados por Federico García Lorca, ahora tan de moda por la exhumación de su cadáver por orden del juez Garzón y la ley de memoria histórica española, vuelven a revivir con nuevos ojos, nueva estética pero con igual texto, exacta pasión y remarcada historia.
Vale destacar que esta exposición cuenta con la colaboración fehaciente de amigos, vecinos y allegados que, sin formar parte directa del proyecto, quisieron poner su grano de arena en la intervención plástica del mismo.
La cita será este próximo viernes 14 de noviembre en la sala de usos múltiples del Auditorio de Guía de Isora a partir de la 6 de la tarde. Y las visitas serán, dentro de la festividades del volcán en el municipio isorano, el sábado 15 a las 6 y el domingo 16 a partir de las 11 de la mañana.

Delirium Bernarda

2008-07-14T15:53:00.000-07:00

Bernada, Martirio, Poncia, la criada y María Josefa, personajes de 'Deliriums Bernarda', un trabajo con documental que preparamos con la Asociación de Mujeres Arco iris', en Guía de Isora, Islas Canarias.

Septiembre 2008. Un adelanto para ir haciendo boca. Las fotos son del reconocido director de fotografía español Nacho García.

Puedes acceder a un video reportaje promocional a través del link: http://es.youtube.com/watch?v=1D52wxc0jXA

MARIPOSA DE INODORO

2008-07-14T08:07:00.000-07:00

de Héctor Armas.-

Retrato informal sobre el impostor.

A:
Angélica Castillo
Franco Olivari
Julio Ramírez
Roberto Valecillos

Personas:
Marilyn Monroe
Él, mayordomo

Prologo:
Hace ya mucho tiempo Roberto Valecillos, director y profesor de teatro, y yo, quisimos poner en práctica en Barquisimeto, Venezuela, un proyecto de teatro que no estuviera necesariamente marcado por la cotidianidad. Que no manejara posturas preciosistas como las utilizadas por otras agrupaciones. Aunque lo de estéticas bellas, es un decir, pues, por aquel entonces, el país agonizaba políticamente y la economía ya mermaba, y en mucho, las estructuras estéticas y escénicas.
Recuerdo que Baruj Morón, director de teatro, que celebraba su Vimazoluleka, hablaba de rescatar la poesía de los más que olvidados poetas de aquel estado de Lara, y, todos en verdad habíamos quedado de acuerdo con aquel proyecto que dirigiríamos a tres manos. Pero el tiempo fue opacando, no el proyecto, sino las ganas de continuarlo con el ahínco que lo había iniciado. Fue entonces cuando nació ACTOTEATRO, una agrupación que vio la luz con ideas de ‘movimiento’, porque hasta ahí habían llegado nuestras aspiraciones, también allí nació este texto.
Deseábamos crear, no un taller, ni un grupo, sino un movimiento de actores que manejara no solo una estética particular, sino también, que se condujera a través de una constante labor sociocultural avalada por una defensa de lo social; que hablara con voz propia y contara problemas recientes y muy cercanos a la realidad que vivíamos. Una especie de trouppe surrealista. Éramos más jóvenes y nuestros cuerpos solicitaban cambios venidos desde todos los puntos.
‘Mariposas de Inodoro’, no debe leerse como una obra de teatro pues no tiene esa pretensión, es, en todo caso, un manuscrito que habla de aquellos años; un ejercicio teatral performántico, un pretexto de texto, histérico sobre los condicionantes que marcaban nuestra labor de actores por aquellos incipientes noventa.
Esos años, nos sometieron a buscar, en la profundidad de nosotros mismos, en los resquicios, nuestra personalidad de artistas, pues, en la carencia de escuelas y/o laboratorios se hacía menester el inventar. Buscábamos la verdad con lágrimas, sudor, y mierda. Quizás, por ello, Franco, al final de la temporada que de este trabajo hicimos en la Torre David de Barquisimeto dijo: Esto es una cagada, no quiero saber nunca más de este personaje. Esta frase hablaba de lo mucho que tuvo que sufrir para lograrlo.
Dejo en sus manos este manuscrito, que he reescrito valiéndome de recuerdos. Dejo este ensayo teatral que también dio más de un dolor de cabeza a mi Angélica, y que hizo enloquecer, de verdad, a Julio Ramírez, quien nunca lavó su vestuario porque creía que al hacerlo perdería la verdad que había logrado.
Nos es muy sencillo vestir el alma pero nos cuesta una eternidad desvestirla. Así somos.
Héctor Armas.-

Mariposa de Inodoro
‘Sabía que pertenecía al público y al mundo, no porque tuviese talento o fuese hermosa, sino porque nunca antes había pertenecido a nadie ni a nada’.
Marilyn Monroe

El espacio en el que se desarrolla esta acción debe ser espeso, húmedo y muy sucio, algo así como un sótano al descuido. Una jaula de plástico blanco, una especie de gran cortina de baño, repleta de roturas e inscripciones y dibujos ocres, teñidos con excremento, pintura labial y meados.
Sería ideal que este ejercicio no se sometiese al criterio del gran público, del teatro a la italiana, sino muy al contrarío, que la puesta permita dosificar la cantidad de espectadores, invitándolos a entrar al recinto rectangular. Un actor más de este antihigiénico baño para 30 personas.
Al fondo, una bañera repleta de agua sucia. Encima de esta una tubería rota, que de ser posible debe supurar desperdicios líquidos cada cierto tiempo. La bañera está medio cubierta por una sábana blanca. A un lado de esta, un inmenso ventanal de cristales, rotos, una leve y desgastada cortina cubre la ventana. A los laterales del salón un lavamanos con su espejo, roto, empañado, y un water. Un bombillo desnudo, cuelga del techo.
Sentado al fondo, casi a oscuras está el mayordomo. Un joven alto, delgado, casi un cadáver, enjuto y enfermizo. Viste de gris y negro; un traje de chaqueta y chaleco en combinación. Una especie de gentleman venido a menos.
El mayordomo, no debe pronunciar palabra alguna, de hecho, para este personaje, están prohibidos los sonidos guturales y gestos propios del que no habla, también los maquillajes estereotipados del actor que interpreta a un enfermo. Debe conseguir a lo largo de todo el proceso de ensayos su aspecto.
Después de la entrada del público, la puerta, una grande, de dos hojas, debe quedar cerrada.
El mayordomo, va hasta una pequeña radio que saca del fondo oscuro y la hace funcionar. Suena un triste acorde de trompeta, un sonido monocorde de jazz. La radio se apagará al entrar ella.
Ella, abre la puerta y entra. Sostiene entre sus manos un candelabro con tres velas blancas, ya casi totalmente consumidas y una maletita marrón. Va vestida de menina, un traje rococó rojo, hecho a trozos, con arabescos y pinceladas doradas.
Marilyn: (El mayordomo recoge su candelabro, va hasta el fondo y prepara los enseres que ella guarda en la maleta. Coloca una silla y le invita a sentarse, intenta descalzarla pero esta le empuja con el zapato) Que ineptitud, ineptitud, que ineficacia. ¿No debían sonar antes las tres campanadas?, Eres un imbécil, y mira que te lo he dicho, tres, tres campanada antes de la entrada. He tenido que quedarme fuera, inventando, parafraseando alguna excusa para ofrecer a esta gente. (El mayordomo, le mira, en silencio. Lego comienza a levantarse lentamente) Es una cuestión sencilla, lo aprenderás, lo sé. Intuyo que el público te apabulla, te amedrenta, y, así es, tienes razón. La masa de personas que se agolpan a las puertas de los teatros es de terror, dan miedo. Todos vienen intentando gritar victoria a su batalla contra el aburrimiento. Mueven entre sus manos ese terrible papelito que les da crédito para mostrarte sus ojeras, sus visibles miserias, su impoluta carta moral. La entrada, sí, así le llaman al papelito, la entrada. La puerta a quien sabe qué parte. (Él la mira) Pero qué haces ahí, muerto, cadavérico, fosilizado, es que aquí nadie enciende una luz. Vamos, a mover el culo, quiero que todo tenga ritmo, magia. (Él, corre componiéndolo todo) Detesto la monotonía, lo estático, la puta compostura, el protocolo, quiero luz. (Se enciende la luz).
Así está mejor, aunque debo decirte la verdad, odio los ambientes sin sombra. La luz que baña los rincones de nuestra vida debe ser intensa pero no incandescente, eso se lo dejamos a los religiosos. La sombra que la luz emana es una puerta para nuestros miedos y secretos, un escondrijo para el alma. Cuando una vela es encendida, se crea una calida atmósfera naranja cargada de claroscuros. Y es hermoso ver como esa misma luz va cambiando, se transforma, dejando al desnudo lugar que antes no veíamos porque estaban cubiertos…por sombras. (Pausa. Él, mayordomo, se quita su chaqueta y la acomoda en una silla, busca luego entre los objetos de la maleta). Pero que estoy diciendo, de repente me he vuelto melancólica y sentimental y eso no me lo puedo permitir. La melancolía es la maldición de los enfermos y yo no lo estoy. Es verdad que no gozo precisamente de una salud de hierro pero no presento ese aspecto grisáceo y momificado de los enfermos terminales, como tú. Trae mis pastillas. Y un poco de agua fresca por favor. (Él busca el pastillero y un vaso que lava en el agua de la bañera, luego saca un pañuelo de su bolsillo y lo seca. Va hasta la maleta y de una botella de coñac vierte dos dedos, se lo da, ella observa). Este vaso tiene unas motas. (Lanza sobre el mayordomo el licor). No hay manera de conseguir al menos una escena ingeniosa contigo, un ejemplo de inteligencia. Me haces helar ahí fuera como una puta, esperando la entupida señal para comenzar este show, y luego, me ofreces este vaso con quien sabe qué brebaje. Un vaso mohoso como tus pulmones, un cristal indecente y patético. Para qué tanto ensayo, para qué puede valer el talento si no eres capaz de sentir que sobre tu cabeza se vierte mierda. Pero aprenderás, (Lo toma de un brazo y lo lleva junto a la bañera, hunde su cabeza e intenta ahogarlo), aprenderás. Mira, mira bien, al fondo, ¿ves la luna? ¿Ves la luna? No. Claro que no, no puedes verla porque el agua es turbia, está sucia, contaminada. Te lo tengo dicho, trátame como a una dama, yo no soy tan turbia y tan oscura como ese asentamiento de estiércol. Yo soy la luna, ¿Lo ves?
(Suena leve música nocturna, un piano. Ella, toma el pañuelo que el mayordomo ha dejado colgando en su chaleco, trata de acicalarlo) Te he bautizado otra vez… agrádeselo. (Él busca un peine y retira de su cabeza el poco pelo que tiene) ¿Quieres que comencemos? ¿Que volvamos al principio? Un espectáculo puede reiniciarse. Se llama blanquear, es decir, querer tapar el sol con un dedo. Hacer como que nada ha pasado y rescatar la calidad de lo que se ensayó. ¿Quieres? Mi buen amigo la escena puede manipularse, la vida no, así que aprovecha esta segunda oportunidad. (Él guarda su peine, busca el vaso, lo llena de coñac y vuelve con las pastillas) veo que no, está bien, lo retomaremos luego.
(Él va hasta el fondo, precisamente donde está la entrada, saca nuevamente el peine, y, de un bolsillo desenrolla un trozo de plástico con el que comienza, soplando, a tocar Sommertime. Ella bebe sus pastillas y todo el licor)
(Mirándolo fijamente) Desnúdame… (Se escucha al fondo Summertime con Janis Joplin. El le quita el vestido lentamente, lo pone respetuosamente sobre una silla. Ella queda con un vaporoso vestido negro, de seda, y medias negras. El mayordomo la observa de lejos, ella lo mira. Intenta acercarse pero da un traspié. El mayordomo la sostiene. Bailan. La música se aleja y llega el silencio).
(Bailan en silencio absoluto) ¿Es la soledad sabes? Es a ella a quien más temo. Hace rato vino a mi con su estupendo traje cortado a medida. Yo esperaba para entrar, y, ella, vino. Se empeñaba en hacerme compañía, en recordarme momentos que yo ya he olvidado. Se me hicieron eternos esos diez minutos. La gente pasaba y me miraba. La gente caminaba y sé que se interrogaban. Qué hace esa mujer ahí, sola, vestida así. (Ríe) Si no fuera quien soy, si no fuera yo, si no estuviese segura de quien soy, quizás, quizás me hubiera irritado ver ahí fuera a toda esa gente. A lo mejor, hubiera charlado un rato con la soledad, le habría entendido su lenguaje, y en este momento estaría en algún rincón donde no llega la luz de las velas, llorando, sola. Pero, sabes una cosa, miré hacia arriba, hacia el cielo y vi mi nombre en la marquesina y me dije, esa soy yo, sin duda alguna. Cerré los ojos y aun seguía viendo mi nombre escrito por millones de diminutas estrellas blancas. (Él la deja bailando sola, busca el vestido, abre la puerta y sale)
Dame un espejo. (Él no está, ella busca el espejo de mano en la maleta, se mira fijamente) Eres un desastre Norma, no sabes ni ponerte polvos en la cara. Ven acá Norma Jean, ven monada. Te voy a pintar como a las estrellas del cine, sí, esas que tanto admiras. Después voy a tomarte un par de fotos y te aseguro que las publicaré. Todos quedarán encantados, ganarás mucho dinero preciosa, Serás reconocida y amada Norma Jean, sí, ya lo creo. Serás un ser de esos raros, esos que solo viven por las noches. Un ser de gafas oscuras. Un experimento de la nocturnidad, un maniquí que duerme de día, mientras piensa su próxima coartada. Esos serás guapa, un depósito de anfetas, licor barato, sexo duro y cocaína.
No, no y no, me resisto a dejar fuera de este cuerpo la verdad. (Mirándose en el espejo) Eres una putita barata, una jovencita que se entrega por unas migas de pan, un esperpento del arte. (Buscando por todo el habitáculo)Maquillaje, necesito mi maquillaje. (Se coloca, sentada, diferentes tonos de maquillaje)
Parece sencillo pero no lo es, delinear las cejas lleva tiempo, es un trabajo de negros; marcar la línea, generar la distancia entre el parpado y el ojo, disimular el nacimiento del pelo. Texturizar las arrugas, mejorar la boca, iluminar los párpados, hidratar la piel. Un acto histérico para una pretenciosa reconstrucción (Se ha maquillado como un payaso, los dibujos que se ha hecho sobre el rostro le dan un aspecto lamentable. De repente, comienza a quedarse dormida, cierra sus ojos con lentitud).
No voy a obedecer, no obedeceré, no voy a caer de rodillas ante el señor tiempo. No caeré en su red generacional. Me parece estupendo que el reloj mantenga su tic tac con una constancia de tres pares de cojones, y que el día y la noche se compenetren de tal modo que todos sigamos sus indicaciones, muy bien. Sale el sol y nos levantamos a realizar actividades como autómatas, y con la luna, nos sometemos a ese recuerdo de la muerte; me parece estupendo que esa sea la línea marcada, el leve cordón del funambulita, genial, pero yo no soy una marioneta. No respondo a los criterios de esta sociedad mediocre. Detesto el sueño. Esa actividad cobarde, edulcorada e infantil. Odio cerrar los ojos para adentrarme a esos mundos de la oscuridad, suburbios que el onirismo convierte en poesía. Deseo enfrentar el destino así, despierta, con los ojos bien abiertos. (Escoge a un joven del publico, no lo tocara, tan solo se dirigirá a él) Dónde están mis pastillas, dónde diablos has escondido mis pastillas. Crees que no te conozco Joe, crees que no sé cuales han sido tus intenciones. Desde que me abrí de pierna ante tu musculatura de beisbolista sabía perfectamente que tipo de hombre eras Joe. No me mires con ese ridículo rostro de niño sorprendido Joe, sí que lo sabes, sabes perfectamente igual que yo que esta historia acaba hoy. Ya no puedo con el peso de este cuerpo que se delata en cada paso, me aturde el sonido de jazz, y, sabes que he amado siempre el jazz, he recorrido los mejores espacios de mi vida con su sordina y lamento negroide, pero ya me resulta repugnante. (Suena nuevamente Sommertime, leve, un piano) ¡Dame mis pastillas! (Va hasta la maleta busca el pastillero, sirve dos dedos de coñac y bebe. Luego encenderá un cigarrillo.
Quieres saber la verdad, no concedo entrevistas. He aprendido a valerme con el soliloquio, me pregunto y me respondo, así he resuelto el acertijo del periodista. Disfruto conociendo y desconociendo lo que soy. Nunca he podido resistir la mirada del que te interroga, ni ser sincera en una respuesta. Siempre opto por mentir, por manipular la realidad. Eso justifica esto de la escena. Soy, del público, soy quien enfrenta, quien interroga. El público es el verdadero experimento. Inconscientemente se deja someter, es una especie de rata de laboratorio y yo les pertenezco. (Va hasta el water a orinar)
A veces pienso, que muy probablemente, alguien como yo, con este mismo rostro y un cuerpo esculpido con el mismo plano, en alguna otra parte, otro país quizás, está disfrutando lo que yo siempre quise, ser feliz. Pienso en esa otra mujer, que en realidad soy yo, sin serlo realmente, y me pregunto si será posible que alguien, con tu rostro, vague en otro espacio, disfrutando de los tesoros que el destino tenía para ti. Hijos, calor humano, una familia. La ternura de una mano amiga, la misericordia de una sociedad que sonríe cuando pasas, la palabra sincera de un predicador de iglesia, el horizonte siempre despejado de un paisaje con mar. (Tomando una silla y subiéndose en ella)
Quien a robado mis tesoros, mi vida, quien se lleva lo que me pertenece… lo mío, mío. Quiero que se me devuelva, ruego se me reintegre lo que estaba destinado para mí. Por qué entre tanta gente fui escogida para vivir estas miserias. Quien dijo que era yo la más fuerte. Quien señalo mi humanidad para corroerme con míseras llagas venéreas. (Llora enérgicamente luego cae de la silla en una especie de paroxismo o ataque eléctrico, se retuerce como una serpiente moribunda y finalmente termina con la cabeza dentro de water, vomita estruendosamente) (Entra él, mayordomo. La recoge, limpia los restos de su boca y la coloca entre sus piernas) Ya pasará, estos ataques me acompañan desde niña, son la revolución de mi cuerpo. El cerebro se recalienta tratando de sintonizar con algo coherente pero no lo consigue, entonces estalla. Es cuando aparecen las pastillas. Siempre he dependido del maldito pastillero dorado, de sus cuentas contra la epilepsia, contra mis crisis convulsas e incoherentes. De todas formas no pretendo ser coherente o formal, soy una actriz. Mi madre decía, eres un monstruo atormentado, así que tan solo podrás aspirar a ser artista niña mía, artista. Tienes belleza, garbo, locura y talento. Te casarás con un escritor y tendrás un perro que cuidará de ti. Tan solo tengo el perro, carezco de lo demás. (Seca sus lágrimas) No debo llorar, (Se levanta), no debo permitirme este dramatismo. No pretendo conmoverte, no creo, y lo sabes, en el melodrama, soy enfática, directa y punzante. No me ando por las ramas con frasecitas edulcoradas, ni creo en escenas romanticonas para encantar a la audiencia. Debo marcharme, debo caminar las calles, necesito alcohol y sexo. Mi cuerpo está pidiendo calor humano y mi vagina busca ser penetrada. Me marcho. Necesito escabullirme entre la gente, buscarme entre las sombras. (Recoge todo, se pone un sucio abrigo ocre que saca de su maleta, también se ata un pañuelo a la cabeza y unas gafas negras) Vete, marcharte, eres libre… No creo que volvamos a vernos en esta pocilga. Aquí termina mi actuación y acaban tus buenos servicios. (Enciende un cigarrillo, bebe el resto de lo que queda en la botella. Él ha quedado en el suelo, mirándola fijamente, siguiéndola con los ojos). Todo es cíclico, viene y va, viene y va, hasta que de repente se aleja y ya no regresa con la forma en la que se envió, sino muy al contrario, luce diferente, más reluciente y pulido. La velocidad del destino ha podido con su herrumbre y ha limado sus impurezas. Pues así me siento dueño mío. De repente se han eximido mis culpas y me han nacido alas; me voy, quizás alcance a llegar al cabaret antes de que empiece a llover. Vete, no pretendas morir aquí, tu desahucio merece una buena cama. (Va a marcharse, de repente se detiene en el umbral de la puerta)(Suena Summertime de Ella Fitzgerald) Oh Dios santo, empieza a llover. (El busca una sombrilla y la abre sobre su cabeza, ella lo mira con ternura y lo besa levemente en los labios) Estamos muertos, simplemente no nos hemos dado cuenta. (Ella se marcha, él queda en el umbral mirando su huida, de repente se da cuenta que la luna atraviesa los cristales del ventanal, corre hacia dentro, abre las cortinas y deja entrar la luz azul de una luna inmensa, llueve torrencialmente, toma una silla y se sienta a contemplar como un niño la luz que lo traspasa como si no existiese otro ser en el mundo).
FIN

Nota:
Este texto viene acompañado de un segundo monólogo llamado ‘Concierto en la cañería del desagüe’ que completa el proyecto sobre el retrato informal del impostor.
Julio’08

Antonin Artaud

2008-04-05T12:05:00.000-07:00

No es que esté de cumpleños, ni que su muerte rompa un nuevo día, aunque, debo decirlo sin tapujos, murió un 4 de marzo, y no vi nada escrito, quizás es ya un muerto alvidado.
Precisamente por eso ó simplemente porque la memoria lo trae a cuento, les obsequio este escrito...

http://www.elmundo.es/elmundolibro/2001/10/26/anticuario/1004095910.html

Quelques histoires d'amour très très tristes...

2008-04-05T09:45:00.000-07:00

Por Héctor Armas.-

Revisando material de Internet buscando información sobre eventos teatrales,y, en definitiva, queriendo ampliar también los artículos que se presentan en esta página, hallé un documento lindo y humilde que me ha hecho recordar un pasado no muy remoto junto a un actor y director, entre otros talentos, que me acompañó durante aquella época teatral llamada: ACTOTEATRO. Se trata de Franco Olivarí, quien, en su deseo de querer siempre experimentar en lo no convencional y además, deseando combinar en su propuesta escénica teatro y rito, como Artaud, se encontró con un texto que firmó para amparar sus sueños Edgar Baruj Morón y que tuvo, en su nacimiento, el nombre paradójico de: ¿Cómo le llamas?

El video en cuestión, con el que me topé en la red, lleva por título: Quelques histoires d'amour très très tristes.('Algunas historias muy, muy tristes de amor), y cuenta de seguro, pues no hablo francés, algunas desgarradoras escenas de este delirio al que asistimos, al menos una vez, en la vida los seres humanos: el amor.

Pues bien, lo que me ha hecho recordar a Franco, y fundamentalmente aquel poema creativo del maestro, y amigo, Baruj, ha sido algo en la puesta en escena que de seguro me trajo lugares comunes del trabajo de José Francisco en aquel patio desgastado del Teatro Nacional Juvenil de Venezuela. Arena de mar en cantidad, sudor, lágrimas, trabajo físico, sonidos guturales, sexo sugerente, en fin, el uso de elementos naturales que quizás, en la puesta de mi amigo, no llegaron a cumplir su misión ó peor aun, quizás no estábamos a la altura para entender la labor de aquellas imágenes que venían a traducir la triste linea entre el amor y la muerte que separaban la vida misma de este magnifico ángel.

Franco deseaba,de seguro, realizar un poema inmenso dedicado al amor, cargado de imágenes igualmente claroscuras y esperpénticas. Un cuadro pintado con ácido que Baruj tejió con la habilidad de estar escuchando a un varón del olimpo y que hizo destacar con sendas frases que parecían extraídas de talentos del Peloponeso.

Los actores que vivimos aquellas jornadas junto al texto de Baruj y la propuesta de Franco, podemos dar fe de sus deseos. Los dibujos, poemas, fotos, tertulias y por supuesto ensayos hablaban mucho de su locura creativa y para nada ponen en duda su gran talento. Franco sufrió, y mucho, su derrota escénica. Lloró como un niño cuando vio su escultura desecha, su cántaro roto, sus peces asfixiados. La crítica destrozó su creación y enturbió sus bocetos y eso hizo que ya no volviera, al menos como director, a las tablas.

Franco y Baruj, crearon, (subrayado y en negrita), un poema a las tristes, muy, muy tristes tardes de amor, mortecinas de domingo. Baruj, siempre a pie, con su paso de dandy parisino, un chevalier de marché rythmique, propuso en su texto, de lirismo espeso, una vuelta a los versos perdidos de amor, a las calles despintadas de París, al gauloises cigaretes a medio fumar, a los besos de mujer, a las manos sin distinción que atan esas zonas que la religión cercena.

Y, ese lenguaje, tan solo descifrado por los dioses, no es una jugarreta baladí, ni mucho menos un truco a dedos vista, sino un compromiso, una deuda con el llanto, con la noche, con el alcohol y la soledad.

Ya de eso nos dio debida muestra Vicent Van Gogh, Lorca y el mismo Antonin Artaud en su vida y obra. Por eso me opongo a los ritos, a las fiestas dionisiacas donde fluyen las energías de confines no reconocidos por esta contemporaneidad tan funesta, hipócrita e ignorante. Los ritos forman parte de los genes de una civilización, son un agradecimiento sincero y una muestra de humildad que se desarrolla en un terreno desnudo y sin pretensiones teatrales. No son los ritos teatro, pero, sí es el teatro un rito que necesita, no solo de la atención de un publico que desea divertirse y ser servido, sino de la entrega de un espectador que se confunde con la acción buscando una respuesta a sus preguntas.

¿Cómo le llamas? es una obra de Baruj Morón que Franco Olivari inspiró y sufrió hasta su muerte, pues él mismo, era un personaje, paradójicamente vivo, que escapó de la sala para seguir con sus andrajos de amor hasta que su rito se esfumó.

'Quelques histoires d'amour très très tristes', es un texto del cubano Ulises Cala que con una propuesta muy interesante del director, también cubano, Yosvanhi Medina, me ha permitido recordar a Franco, amigo, y joven director venezolano y he conseguido con este video, indudablemente, colocar en el recuerdo esta corta obra de Baruj Morón, a quien vi en venezuela, y a quien guardo un profundo respeto.

Culmino con un trozo de un enfant terrible, Artur Rimbaud, quien en una de sus cartas ó poemas dijo:

'...Ses insultes l'ont perverti!

Dans le gouvernail ils(elles) peignent un frais Itifálicos et sorcheros.

Oh des vagues abracadabrantescas, Prenez mon corps pour qu'il(elle) se sauve...'(*)

Que aquí queden estas palabras, para la reinvindicación de un artista, para el recuerdo...

(*) ¡Sus insultos lo han pervertido!

En el gobernalle pintan frescos Itifálicos y sorcheros.

¡Oh olas abracadabrantescas,Tomad mi cuerpo para que se salve!

NOTA: Para disfrutar del video pueden acceder a él colocando el siguiente link en el buscador de internet: http://es.youtube.com/watch?v=3M6hAnE1Wsk

En tiempo de festivales...

2008-03-22T11:39:00.000-07:00

Por Héctor Armas.-

Vivo cómodamente, ya eso os lo he dicho antes. Pero ahora deseo remarcarlo, pues no son muchas las oportunidades que tengo para disfrutar de la escena. Vivo, no obstante, en un pueblo bello de la zona sur y en la isla de Tenerife; ya antes estuve en Madrid, y, debo ser sincero, no cambio esta paz.
Aunque, y para ir entrando en materia, persigo las formas para poder mantenerme haciendo teatro, aunque sea en mi casa como Edgard Guillén, un monologuista maravilloso, a quien lamentablemente dejaron los venezolanos de disfrutar durante la pasada III Muestra Internacional de Monólogos. Edgard envío los requerimientos pero misteriosamente, los papeles, se extraviaron, y, el maestro se quedó en Lima sin recibir respuesta. Zaida Belén con su trabajo, sin embargo, recibió un muchas gracias y otro día será.
Los festivales son en definitiva fiestas bacanales, en el sentido más griego de la palabra, donde grupos venidos de todas partes muestran, y no siempre es el caso, lo mejor, lo más novedoso, trascendental y experimental que producen cada año. Durante los festivales, se vive en fiesta. Y son estos encuentros los que también crean una crítica y por ende un público. Por ello su importancia: porque dentro de cada convocatoria, el espectador tiene la maravillosa oportunidad de encontrarse con las más diversas manifestaciones estéticas y conocer, de primera mano y muchas lenguas, las versiones más destacadas de la nueva y vieja dramaturgia.
Carlos Giménez creyó en ello y por eso creó en 1973 , junto a María Teresa Castillo,(ya quisieran muchos una madrina como esta), el Festival Internacional de Teatro de Caracas, uno de los cinco más prestigiosos de todo el mundo. Un festival que logró compenetrar a un público acostumbrado al cacareo payasesco de sus gobernantes con los directores, autores y compañias más controversiales de todos los tiempos: Brook, Pandur, Brecht, beckett, Artaud, Carbone14, Berliner Ensemble, entre muchos otros.
Pues, los encuentros, fiestas, tenderetes, festivales, templetes y demás jaranas han proliferado en todo el mundo, y ello ha servido, (muy a pesar de los barriales que algunos sin escrúpulos se inventan justificando un presupuesto), para olvidar las penas y también, en muchos casos, para encontrarse con esos otros mundos que con su pan y su circo invitan a soñar con un mundo mejor, donde el amor se entrega a chorros.
Estos días de marzo se celebra en nuestra Colombia, sí, la cercana, la hermana: El XI Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá con la participación de más de 200 compañias de todo el mundo y con una grilla que alberga unas 700 funciones de teatro de sala, calle y teatro infantil; sin dejar a un lado las manifestaciones dancísticas y los ya tradicionales cuenteros.

Este festival fue creado en el año 1988, (año electoral en Venezuela y jornada de jolgorio teatral que le diera la segunda oportunidad a Carlos Andrés Pérez). Y desde entonces ha estado en las manos de un matriarcado que lidera la actriz argentina Fanny Mikey, (es curioso pero a los argentinos les encanta un festival), quien junto a un importante equipo de gerentes y gestores han logrado durante este tiempo, y sin que me quede nada por dentro, llevarnos la delantera.
Desde mi atalaya canaria he podido divertirme viendo, a través de Internet, trozos de alguna de las más importantes representaciones que allí se darán cita y no puedo dejar de recordar las palabras de mi amigo Roberto Valecillos quien, sufriendo el último encuentro internacional en Caracas, se retorcía de dolor al comprobar que no solo había disminuido la calidad sino que la cantidad mermaba en un evidente cierre de chorro cultural y presupuestario.
Sin duda alguna contamos con excelentes equipos de trabajo que pueden hacer brillar nuevamente la más importante reunión teatral en Venezuela. Pero para ello se requiere, en principio, un cambio de actitud en las formas, ya no del festival de Caracas solamente, sino, de cada uno de los encuentros que desde el interior se producen.

El concepto de celebración, en este caso, debe estar ligado a la calidad con que se cofecciona la fiesta, y, no es la rumba, con su simpleza sancochera, la que deba enturbiar el objetivo fundamental de la ocasión que es El Teatro. ¡Que vuelvan los festivales, cargados de picardía y mágica atmósfera, que vuelva la fiesta del teatro en Venezuela con calidad en el concepto y el afecto, que vuelva el buen teatro!
Porque para teatro malo, mal planificado y destructivo, el que vemos cada día colgado en los insufribles programas de televisión y en las más que insípidas propuestas políticas. Para ver eso es mejor quedarse cómodamente en casa, como yo, con una mantita caliente, un perrito, una taza de té y buena música.

Todo lo demás, aunque lo tilden de encuentro teatral es mierda.

Para que disfruten del festival les invito a revisar el siguiente link:

http://www.festivaldeteatro.com.co./

Hechos de cuando el Juáres fue lecho.

2008-03-21T08:35:00.000-07:00

Por Héctor Armas.-

Antes de culminar este siglo, quizás podamos, y, si la gracia de Dios nos lo permite, mirar, la nueva tez de nuestro Teatro Juáres en Barquisimeto, provincia de la región centro occidental de Venezuela.
Ya han comenzado las obras para restaurarlo, una vez más, y marcar, con nuevas cicatrices, su estructura que tantas historias nos ha contado.

La construcción, que duró un siglo de no pocos problemas, data del XIX y lleva el nombre del entonces Presidente Constitucional del Estado Lara, General Aquilino Juáres. Un teatro que nos abrió, y nos cerró las puertas, según iban, como falsos amantes, entrando los seudo intelectuales, políticos, y armatostes todos que tenían la responsabilidad, a dedo, de dirigirlo.

I
Nadie, durante el tercer timbre, había reparado en los restos de semen y pelo sexual que se encontraban atrapados entre la felpa roja de los asientos y telones, hoy amontonados al fondo de una caja abandonada que años atrás sirviera de escenario a tan diversas escenas de la vida y de la ficción.
Nadie había percibido el fuerte olor a cloro empozado que despedían las paredes de sus camerinos ni se habían dado cuenta de las huellas sudorosas de aquellas manos que, dejándose amar, y penetrar por los nervios de un falo maquillado, habían quedado plasmadas como un tatuaje eterno que haría desandar fantasmas eróticos por los pasillos de aquel capricho romántico de Guzmán Blanco.
Fue en el Teatro Juáres, en las vísperas de un estreno y aquella tarde de mayo, cuando Marta, acomodó su pelo hasta su espalda para entregarse a la tarea de saborear, antes de la función, el pene erecto de aquel actor nóbel. Eran casi las 5 y la nena, una directora entrada en años, se apoltronaba en su oficina llena de retratos familiares, fotos incómodas y domésticas, tomadas casi todas, por una sencilla cámara polaroid, para fumar y despacharse una conversación con Coromoto, la acomodadora.

Mientras, en el salón de los espejos, una jadeante Amelia soportaba en su culo los fuetazos de un muy lubricado instrumento. Las palomas revoloteaban y Oscar, sostenía sobre el escenario manchado por un cenital azul, un candelabro de oro macizo.

José Pérez, invadía el ambiente de aquella tarde de teatro gratis, con los acordes de Rachmaninov, y el resto del elenco, entusiasmado por haber llegado a la meca del teatro de provincia, calaba porros de marihuana en los recovecos atiborrados por trastos y desechos de espectáculos del pasado.
Eran otros tiempos, eso está claro. La tarde tenia matices naranjas y el Teatro Juáres encandilaba con su incómodo traje de mármol la carrera 19, los faros inocentes de los autobuses llenaban de luz el cartel de cartón piedra donde, y con manchas de un pincel torpe, se podía leer: Esta noche se improvisa de Luigi Pirandello.

Eran otros tiempos, de eso no cabe duda. El arquitecto, amante de símbolos y misterios, dibujaba una plataforma negra para posar a Antígona y Amelia, la vestuarista, amarraba su cabellera con un pañuelo negro y perfilaba sus cejas mientras recordaba que una noche antes, Gualberto, un joven director, la había poseído a cielo abierto bautizándola como a Venus, con agua de manantial.

Gualberto, que estudiaba, por aquel entonces, para profesor, mantenía la tesis de que cualquier objeto, largo y prominente, podía producir el placer necesario para llegar al éxtasis. De tal manera que guardaba, en el armario, un bote vacío de desodorante de bolita para usarlo cuando hubiera ocasión. Un estuche cilíndrico de al menos unos 25 centímetros que Amelia recordaba mientras fumaba y se reía, una locura simpática de aquel creador, amante de juegos y cabriolas.

Pero el Teatro Juáres no estaba hecho a la altura de todos, era la pretensión de algunos pocos, que, en consecuencia, actuaban al son de un clan de facinerosos que sintiéndose con suficiente poder pasaban rozando los hombros y mostrando los dientes.
Una actual reflexión confirma que: el Estado Lara nunca fue plaza para el buen teatro, a pesar del gran esfuerzo que Carlos Denis, y, algunos otros, realizaron. Más allá de sus constantes luchas está el hecho de no haber logrado que los actores, y por ende el teatro realizado en el interior, tuvieran un espacio y peor aun ganaran un respeto. Muchas veces los actores, deseando ver alguna función en el Teatro Juáres, tenían que esperar en las puertas, siempre marrones, el final de la función. Más sin embargo, era paradójico que, al menos una vez cada año, esos mismos actores, a puertas abiertas y gratis, podían subir sus miserias al escenario inclinado.
Hoy, no obstante, el teatro soporta la entrada y salida de obreros, señoras obesas, algún político exaltado que ofrece, en cómodas cuotas, el uso popular del recinto y la típica modelo que, dejando ver los labios mayores y menores a través de su mínima falda, abandera una cultura de elites.
Por aquel entonces hubo quienes no pudieron hacer realidad sus deseos carnales en los distintos espacios del teatro, tal es el caso de Amada Sánchez, una joven promesa de las tablas y a quien desvirgaron ya no en los salones del teatro, sino en la sala misma del departamento de una conocida costurera italiana. Amada había mantenido una relación amorosa con Víctor Guerra años atrás, pero no fue sino hasta que se encontraron a las puertas del Juáres cuando el ardor del deseo los envolvió.

III

Apartaron del salón de costura la ropa a medio arreglar y seleccionaron una pequeña silla que usaron a su antojo. Ella destapó de su caja secreta toda la carne que deseaba comerse y engulló de un solo bocado la mitad del miembro hasta someterlo, en varias ocasiones, al calor de su paladar. Él, como pudo, encontró el camino para abrirse paso y clavó sus dedos índice y anular en la gruta del amor. Ella, sintiéndose especialmente húmeda provocó un primer orgasmo moviendo su cintura caribeña acompasadamente hasta que los dedos lograron extraer de su interior los estertores que hicieron que clavara sus uñas de niña en la espalda de aquella promesa masculina. La jornada se llenó de un olor espeso a sexo y ella dominó el encuentro cabalgando sobre la grupa de un brioso corcel negro que la hizo viajar, una vez, tan solo una vez, antes de separarse enteramente con una despedida de amigos y no volverse a ver ya más.

IV
El teatro había sufrido una remodelación, sometida por el mal gusto y el pretencioso diseño de un grupo de esnobistas del modernismo, ello lo condenó a convertirse en una caja gris, siniestra e impermeable. Las palas y martillos acabaron con los vestigios de la arquitectura que, años atrás, había sido símbolo de la cultura europea, y, a la fuerza, dieron paso a una época cancerígena que llevaría a sus paredes a sufrir constantes ataques.

V
Pero el teatro era buena celestina, a nadie le constaban los distintos desnudos y las vaginas repletas, los culos taladrados y las gargantas movedizas. Tan solo Evangélica tuvo que soportar el rubor de saberse descubierta. Para ella no hubo piedad, era demasiado dramática y sus expresiones y gestos acabaron con el secreto. Le gustaba cabalgar a cielo abierto, y su concha, más grande y húmeda de lo normal hallaba su orgasmo resbalando constantemente entre el pubis y el bajo vientre del macho. Se dejaba crecer la pelambre de su calvario para aprovechar mejor el masaje y encontrar éxtasis rápidamente con el frotis. Pero le traicionaban los sonidos, alarido, gritos y todo tipo de efectos guturales que producía al encontrarse tocando cielo.

Uriel supo de aquellos gritos, disfrutó del calor de sus carnes zampando con furia su mástil de hierro en su orificio recrecido e hinchado por el constante touché, pero no se percató que mientras más excitaba su clítoris más se acrecentaba el deseo de la fémina por gritar de placer. Fueron tan constantes aquellos relámpagos en su llano encendido que Evangélica rompió en llanto. Primero gimió silenciosamente. Luego, dándose masajes en su prominente punto y recibiendo una estocada feroz, gritó como un lobo herido, rechinó como una silla desgastada sobre el suelo y jadeó como un ogro encerrado. Todos acudieron hasta el sótano. Hubo quien se atrevió a llamar a los policías que aguardaban en un edificio contiguo. Otros, en un afán de salvadores del planeta se suministraron con palos y piedras y bajaron los escalones para enfrentar al delincuente. Allí encontraron, estupefactos como Dios los trajo al mundo, al galán y la doncella.

El Juáres aguarda una nueva remodelación. Quizás, como en otros tiempos, vuelva a revestirse para mofarse, una vez más, de los desposeídos marginales de la escena popular, y, también como en años no muy pretéritos abrazar a las estrellas de la televisión y la política con la vanagloria de un mortal al que se le ha prometido el olimpo. El Juáres es un universo, un mundo en sí mismo. Fuera del Juáres, de un tiempo a esta parte, cualquier espacio es teatro, cualquier bombillo luminaria y cualquier trapo telón.
Aunque, es menester reconocer que: durante estos años post cierre del teatro Juáres, han nacido, como fértil gramínea, toda clase asociaciones y grupúsculos, que sin poner en discusión la estética con la que enfrentan sus trabajos, han llenado de luz el basto silencio de Barquisimeto en materia de artes escénicas. Por ellos, y para ellos debe abrirse este edificio emblemático.

Los obreros y la argamasa borran cada día las huellas de amor y de odio que, años antes, vertieron otros transeúntes. Pero dejaran expuestas hojas en blanco para que otros amantes dibujen nuevos hechos en este lecho que otrora fuera teatro o viceversa.

Es de conocimiento popular el cuento aquel sobre seres o fantasmas que transitan por los pasillos del milenario teatro larense; más, nadie habla ya, ni hablaran nunca, de las historias suyas, eróticas, que como vanas sombras aun vagan por los aceitosos pasadizos esperando el retorno de sus antiguos protagonistas.

'Una Mujer Engorilada' el texto de Gilberto Agüero nueve años después

2008-01-09T12:08:00.000-08:00

El Melodrama Político volvió a escena en el marco del IV Circuito Regional de Teatro.
La Red de Teatro del Estado Lara presentó el jueves 22 y el día 28 de noviembre del pasado año el unipersonal ‘Una Mujer Engorilada’, escrito por Gilberto Agüero e interpretado por el actor Héctor Armas dentro de las actividades programadas para celebrar el IV Circuito Regional de Teatro.

Gilberto Agüero Gómez, dramaturgo venezolano, con la mordacidad que le caracteriza volvió a hablarnos, nueve años después, de política, y de amor con este texto. Justificó con el personaje de Princesa García López el modo de vida de algún personaje de la Venezuela añeja, de la política más marginal y corrupta, empobrecida en sus conceptos y harto conocida en Latinoamérica. Princesa es un personaje, que en la madurez de su vida, descubre a través de una serie de mensajes telefónicos la trampa que le ha estado tendiendo su amor, un joven diez años menor. Ella que ha engañado a mansalva escudándose en su integridad y en su círculo de poder culmina encontrando el abismo que deja el abandono, la soledad y la traición. El victimario se transforma en víctima porque compromete su corazón, eso que le ha hecho falta a la parlamentaria Princesa García para resolver los problemas de aquellos que hasta su oficina han ido solicitar ayuda.
El personaje se encuentra entonces con el terrible espejo de la verdad, con el más que inmisericorde fin: la soledad. Ya para nada han de valer sus discursos prestados, ni su soberbia masculina. Tan solo le queda el pasado que, en estas circunstancias en las que se pierde toda identidad, sobrevive para insuflar el ego.
El actor Héctor Armas, que está radicado en España desde hace 12 años ha regresado al estado venezolano de Lara con este texto del que considera no pierde vigencia ya que sus conceptos aun se manejan hoy día. La obra, según palabras de Armas, está íntimamente ligada con la realidad del mundo. Los elementos melodramáticos usados por los teleculebrones están, actualmente, en concordancia con los movimientos más destacados de nuestros políticos actuales.
El estreno de este unipersonal se llevó a cabo hace nueve años teniendo como punto de partida la estética del teatro de cabaret del que se ha desprendido este nuevo concepto estético para abrazar totalmente un trabajo más austero concentrado en el trabajo actoral. 'Era necesario rescatar el texto de la mujer engorilada porque particularmente sentía que el circulo no estaba cerrado. Así que, aprovechando la invitación de mí amigo Roberto Valecillos, que es además el director, me puse en Tenerife a trabajar para lograr rescatar el montaje y el texto, claro, con importantes cambios en la estética, que creo, era uno de los obstáculos que no logramos superar en el pasado', dijo Armas.
Gilto, que es como se conoce también al dramaturgo, nos habla con ‘Una Mujer Engorilada’ de política, de desintegración social y corrupción. Pero también nos muestra los últimos minutos de un amor que culmina, y de un despecho que comienza. Buena mezcla para retratar al país, a Latinoamérica y al mundo: un melodrama políticamente correcto.
El monólogo fue representado en Barquisimeto en los espacios del antiguo y extinto Teatro Nacional Juvenil de Venezuela, y en la antesala del Teatro Juares, un mítico teatro en remodelación, y contó con la colaboración del Ayuntamiento de Guía de Isora en Tenerife, Islas Canarias.

El Juares un teatro sin historia ó la triste historia de ver la luz en Barquisimeto

2008-01-09T11:43:00.000-08:00

Antes de que acabe este nuevo año dos mil ocho quizás vuelva a mostrar su cara de casa amable de las artes escénicas esta maravillosa construcción ubicada en Barquisimeto, Venezuela, y que data de principios de mil novecientos, y que, entre otros atributos históricos, vio la luz, presuntamente, junto a otras maravillosas construcciones como: el Teatro Colón de Buenos Aires, la Torre Eiffel y el Carneige Hall de Nueva York.

Pegado en mi computador redacto ahora, en homenaje a este recinto, un texto para recordar su historia, pero también para relatar las anécdotas eróticas y festivas que tras sus telones, camarines, salones y espejos se produjeron y de las que se tiene harto conocimiento por la voz de actores, actrices, técnicos y en fin todos los que formaron parte de las jaranas que este bello espacio les permitió vivir durante las más que diversas funciones que allí se produjeron. Pero además hago uso de la historia para denunciar los maltratos estéticos del que ha sido objeto una de las obras más que manoseadas por el esnobismo marginal de gobiernos anteriores. Ya obtendrán ustedes la crónica que les aseguro no tiene desperdicio.

EL COMANDANTE NO TIENE QUIEN LE VOTE

2007-12-14T01:25:00.000-08:00

Siendo que Hugo Chávez, presidente de Venezuela, a sido, como es además, un hombre dedicado a la milicia y que por otra parte esperaba, no la carta, sino el boletín del Consejo Nacional Electoral este pasado domingo 2 de diciembre, yo me he permitido escribir este cuento no exento de humor latinoámericano y que compara, con mucho respeto, al presidente con el coronel del maravilloso Gabo de Colombia. Porque además, nuestro comandante, en un estado de rara soledad, se atrevió a llamar 'mierda' al triunfo de aquellos que desde hace algún tiempo tienen como objetivo acabar con el proyecto que él defiende con dientes y quizás con espadas, tal cual el coronel amasando su última esperanza.

El pueblo venezolano le ha dicho `No´a la propuesta para reformar algunos puntos, nada claros, de la costitución bolivariana de Hugo Chávez, ha dado 'palo cochinero' a un capricho del comandante por cuidarse, o salvarse la espalda, en una alarde de creer que todo lo que no ha quedado claro en el pasado puede modificarse en el presente pulsando un 'Sí' o un 'No' en las más que cuestionadas máquinas SMARMATIC.

Nunca se imaginó el comandante que aquella tarde de domingo, despues de la misa y el café 'guayoyo', se convertiría en su primera pesadilla. Jamás dilucidó que aquel 'güisqui' con hielo se le 'agüaría' al recibir el primer boletín informativo del Consejo Nacional Electoral.
-Pero como coño va ser Dios mio, dijo, mientras colocaba sobre unas carpetas el ya goteante vaso.
-Llámate a Tibisay y dile que no abra la boca hasta que yo se lo diga, dile que estoy arrecho y que ella me conoce muy bien en estas circunstancias, manifestó despues, y se quitó la chaqueta roja con la que había entrado, hacía ya ocho horas, al palacio de Miraflores.
Pasaba yo unos días en Barquisimeto, en pleno centro del pais venezolano, cuando me enteré de que todo estaba listo, que el 'Sí' a la reforma era un hecho, y que los 'riales' estaban bien invertidos.
Más sin embargo al ir pasando los días un hedor a 'No' fue inundando las estancias de las casas. Los últimos discursos del presidente, quizás, y la poca información sobre las reparaciones estéticas a la constitución, tuvieron mucho que ver, para que aquel domingo la gente se quedara en sus casas comiendo 'sancocho'. Un 44% de la población bañandose en el patio con la manguera, comiendo arepas asadas y tomando cocuy de penca y Polar Ice.
Pero el pais no sabia a ciencia cierta lo que ocurría, a 38 grados a la sombra era muy dificil darse cuenta de que esta vez el presidente no encontraría la suficiente cantidad de votos para dar rienda suelta a su capricho. Las familias vencidas por las constantes apariciones del comandante haciendo campaña electoral: sosteniendo a su nieto mientras le cantaba una canción de cuna, mostrando la mini biblia, la más que achicada constitución y enviando mensajes de amor a María Isabel, su ex, que se encontraba por España, había acabado con la paciencia del pueblo que cambiando el canal de la televisíon prefirieron ver a Leopoldo y comerse el discurso sobre la perdida de la patria potestad de los hijos, el uso de la propiedad privada y la eternización del caudillo.
Van a tener que bañarlo con agua fria y ponerle hielo en las 'bolas' para que se le quite esa borrachera- increpó la presidenta del CNE a Gustavo Rangel, ministro de la defensa.Yo no soy ninguna india pemona para que quiera ponerme grillo. La gente quiere que demos ya el primer boletín y están con una llamadera y yo Gustavo estoy cansada y muerta de hambre, asi que dile que se tome un café cerrero y dé la cara.
Pero Tibisay ese hombre está como un 'tumbarrancho', saltando de un lado a otro y escupiendo por las esquinas.
Yo no soy culpable, Gustavo, de que la gente no haya salido a votar, de que tres millones de chavistas nos hayan dado la espalda, nos han traicionado los muertos de hambre.
Durante los días, anteriores al proceso electoral, el pueblo hacia largas colas para comprar a precio de oro un pote de leche. Escaseaba la carne, los huevos, el aceite y ya se hablaba de que el gas también desaparecería. Más sin embargo todo parecía transcurrir normalmente. El ambiente de fiesta y jolgorio electoral imperante despues de la caída del dictador Pérez Jimenéz cobraba más vida y no era extraño ver proselitismo de ambos bandos en un extremo y otro de calles y avenidas, siempre con música de fiesta, gaita navideña y cerveza fria.
El comandante se lavó la cara, se miró al espejo, sonrió con una sonrisa de cartel y volvió a humedeserse la cara para despertarse. Luego, al volver a su imagen vió claramente que una gota de agua le bajaba por el canal por donde acostumbran a caer las lagrimas y se la arrancó con la toalla limpia.
Las campañas por el 'Sí' y el 'No' a la reforma constitucional se confundian con los adornos de la navidad, la voz de los vendedores ambulantes y las sirenas de los carros. Las calles confundian su más que lamentable asfaltado con el paso de Hummers, Ferrari y Mercedes que paradójicamente aparecian como para hacer pensar que las cosas en el pais estaban mejorando, que los barriles de petroleo a casi 80 dolares, la mayor cotización en la historia del crudo venezolano, se estaban repartiendo como aguinaldo.
Pero en aquella sala de visitas del Palacio de Miraflores donde hace ya tiempo se había ocultado, al parecer, con una metralleta Carlos Andrés Pérez durante aquel fallido golpe de estado de 1992, se encontraba ahora el comandante, terminando de asicalarse, pensando en las frases celebres que utilizaría para enfrentar el primero de los triunfos de la otra clase, la de los escualidos:
Presidente no se ponga sentimental, no se me amilane que esta vaina es transitoria. Ya usted sabe que los venezolanos somos asi, nos cagamos por nada, y esta gente cree en todo lo que dice la mariquita de Leopoldo, dijo Iris Varela pasandole una servilleta por la frente. Ponte Hugo delante de las cámaras con serenidad, como en aquella escéna del golpe.
Que vaina chica, y yo que pensaba pasarme las navidades en la Habana con tranquilidad.
Vete sin problemas Hugo, arma un alboroto mediático, cierra por ejemplo a Globovisión y da a entender que tu tienes el coroto bien agarrao. De todas formas la ley habilitante te permite cambiar lo que se te antoje a punta de decretazos. Vamos, las cámaras te esperan...
Esta semana buscamos la manera Iris, aunque tengamos que gastarnos unos millones más.
¿Te pongo polvo?
No, salgo al natural.
Horas más tarde el comandante reconocía el triunfo de los opositores, arrugaba en su mano las notas que, de haber triunfado el 'Sí', usaría para ensalzar su típico discurso de tres horas y se aferraba a la esperanza de tranformarlo todo a decretazos.
"Sepan administrar su victoria, porque ya la están llenando de mierda. Es una victoria de mierda y la nuestra, llámenla derrota, pero es de coraje", dijo el comandante, dió la espalda y se marchó... por ahora.

Invocando a mis maestros desde el más acá

2007-09-09T12:08:00.000-07:00

Bocoyork Agosto de 2007

Hace no menos de doce de años peregrinos, mi compañero Pedro Pantich y yo, acudimos tardíamente al aula 24 del Extinto Instituto Universitario de Tecnología Isaac Newton. Movidos como siempre por la curiosidad formamos parte del grupo de teatro “Universitario “que luego de un concienzudo debate, bautizaríamos como Carlinga 69.

Bajo la joven dirección (mas no inexperta) de Roberto Valecillos

Gracias a nuestro indefectible sentido de la puntualidad, mi acompañante y yo JAMÁS cursamos como materia electiva y a su vez obligatoria EL TEATRO. Cuento todo esto, para que mis duendes echen mano de la DIVINA nostalgia y gocen la aventura del recuerdo, antes de que remuevan sus vísceras y se atrevan a responder este llamado que les hago desde mi consabida cotidianidad. Ellos, todos los genios que moran en los laberintos de mi insomnio creen a pies juntillas que el germen que sembraron en mí, debe en algún momento producirles el placer (al menos) de morder una pecaminosa manzana.

Como dije anteriormente, desde el inicio de esta historia…Hace no menos de doce años… me fue impuesta la mágica y primigenia tarea de acudir al Museo, a presenciar, digamos para el momento: La NO - CONVENCIONAL puesta en escena de “Relaciones Postales o Pretextos para desnudar mujeres”, (detonante absoluto por demás de la baja pasión que desde entonces llevo tatuada en el alma, a la cual muchos llaman TEATRO). Este periplo de cuatro mil trescientos ochenta días, reconcilia mi existencia con la “realidad” verdad del sueño y la sórdida aventura de pasear por las calles de un pueblo ajado por el cósmico polvo del olvido. Me esfuerzo desde la indisoluble maldición del escenario, para no enfilar mis cañones a un incierto objetivo.

Volviendo a la no intención del manifiesto…. cercano a aquellos días del Museo Barquisimeto, en el aula 24, prontamente LOS CARLINGAS gozamos la oportunidad de tener en el recinto, a un hombre que ya conocíamos en absoluta desnudez.: Héctor Armas, trayendo consigo entre otros válidos artilugios el surrealismo : Almita mía !!!! en mi pueblerina y no por menos audaz ignorancia continuará siendo impagable aquella tarde, aun cuando mi nimia “INFORMALIDAD” se topara con las premonitorias palabras de Miguel Ángel Asturias, desde que en el setenta prologando a Pietri decía a causa de Las Lanzas Coloradas … “Así teníamos que hacerlo , de paso y con nuestras palabras. Fábula y epopeya. Descubrirnos nosotros, en medio de las más demoledora revolución literaria de los últimos tiempos – El SURRÉLISME- , apresuradamente, para salvarnos con lo propio, con lo nuestro .Hablando y andando, por el temor de quedarnos en un sitio y volvernos árboles. Literatura de árboles humanos. Millones de lenguas verdes hablando un nuevo idioma. Y el temor de perder el juicio de tanto desentrañar palabras”

De mí, puedo dar fe (que me registren), también puedo ser clave testigo de la suerte que corrieron el resto de los Carlingas… fuimos “TODOS” (los que se atrevieron) a caer – por bien o por mal- en la mayestática (EXTÁTICA), aventura de ACTOTEATRO. Allí si fue verdad que terminamos pagando el tributo a los dioses para que nos permitieran ser acólitos de la enorgullecedora sarta de maestros que aprendieron haciendo. Allí nos marcaron ciertos “códigos“estéticos que fungen todavía como estigmas. Marcados por el desamparo, no fuimos capaces de admitir la mediocridad en nuestro entorno. Todo en nuestra filosofía de vida a partir de ACTOTEATRO, tendría su justa razón de ser. He cortado mucha tela, desde esos inolvidables momentos; lejos de las tablas he vendido sardinas enlatadas en mi pueblito y atún al natural a orillas de la encantadora costa falconiana. Pero insisto, nunca me han abandonado estos códigos.

A titulo personal y luego de “corregir” (discúlpenme el DIVISMO), un manifiesto que me ha enviado Héctor desde Canarias, en el que se devana los sesos intentado justificar para si, las huellas que ha dejado en el vampiresco mundo del teatro, surge desde mi caótica conciencia una interrogante (que raya en la súplica, por una pronta respuesta de mis maestros) ¿dónde carajo fue a parar nuestra esencia? , por Dios!!!! NO, no puedo conformarme con este eco desfigurado del teatro que llega a las salitas convencionales de este mi MACONDO particular, donde asumo el portentoso cargo de Ciudadana.

¿Tenés lector conciencia de lo aproximado qué son "DOCE AÑOS"? a mí y a mi consorte, nos han pasado como agua (bien es cierto que al espejo no lo engaña nadie), limpiándonos cuanta porquería estorbe. JAMÁS!!!! dejaran de aludirnos. Entonces, ni queriendo negarlo, Pantich desde su fabrica y yo, hoy día desde mi Bocoyork seriamos capaces de inventar una fabula plagada del ayer, pero lamentablemente el ayer nos sabe también al inescrutable mañana.

.
Sí, Carlinga 69, fue un experimento indiscutiblemente “Contra-Académico”,
( me ahorro el cometario que implicó (ca): ACTOTEATEATRO.) Pero ¿qué está pasando en el universo TEATRO? Ejeleee AMIGOS no está pasando nada extraño, NADA!!! De nada de nadita…. Seguimos siendo los mismos (no los MESMOS) , Tú y yo, seguimos teniendo el pleno e inmaculado DERECHO a ser aprendices de actuación.

Vuelta desde el más acá, a la MAL – DECIDA pregunta a mis maestros, insisto: ¿Qué pasaría en Venezuela si a Barquisimeto VOLVIERAN LOS DRAGONES?, se los dejo de tarea, en mi ojo algo quedó del Olivari. En mis ansias el querer ser de Valecillos, de Héctor: el fragante deseo por el protagonismo, pero de ACTOTEATRO heredé el tatuaje que encarece mi existencia.
Yetza.

Carta por Franco Olivari

2007-09-09T11:55:00.000-07:00

Esta carta fue escrita por FRANCO OLIVARI, hoy entre tanto pensarlos en mi sopa de plaquetas, la recordé la transcribí y la colgué en mi espacio.
Yetzania Briceño

A veces,
comenzar nos cuesta
detenernos y darnos cuenta
de que naufragar no es cosa fácil
A veces,
iniciar lo que simplemente
deseamos es a veces repetir
nuevamente la escena que
otros maestros lograron

Hoy, aquí, mirándonos
y sintiéndonos
con tan solo cerrar los ojos…
Sí, vale la pena salir,
caminar, cruzar la avenida
y encontrarnos, sentir,
plasmar sobre nuestra conciencia
esa huella única que nos permite
regalarnos un poco de nosotros mismos

Un simple y transparente detalle
que deseemos alcanzar
Reír, danzar sobre repetidas
horas para no olvidar un gesto
un movimiento marcado, esa voz
silente que nos recuerda que en
el fondo somos más que un cuerpo
desnudo vagando en soledades
que con tan solo gastar el tiempo justo
podemos descubrir en nosotros
más allá de lo que imaginaremos.

De algo estamos seguros
que juntos nos hemos burlado
de la línea exacta para seguir el texto
de acotaciones que jamás nos permitirían
dibujar a ese KLEIMAN verdadero
o la suave piel que hemos descubierto
en nuestra inimitable GINA,
notas deslizándose sobre un pentagrama
que fue escrito para ellos.

¿Un KLEIMAN verdadero o de cartón?
de carne y huesos, que padece
siente y ama como todo creador… y
MI GINA, mágica seducción hecha mujer,
nostalgia y niña
suave como Mi única historia de encontrarnos
en un hermoso sueño llamado TEATRO.

¡Vamos, busquemos el Plan!
dibujemos sobre lienzos rotos
el código perfecto para hacer Armonía,
donde no existirán almohadas;
para así encontrarnos en un punto estratégico,
en algún escenario abandonado, en cualquier café
o simplemente en los recuerdos,
sabiendo que:
PEDRO, YETZANIA y FRANCO
bajo un ritmo desconocido
emprendieron su búsqueda
sobre fragmentos de un cuento
que apenas hoy comienza…

Concientes de que cada uno
es la pieza justa para alcanzar la victoria
que tomaremos las espadas
para demostrarnos que ganar
a veces es cosa fácil

Simplemente dibujaremos
barcos de papel
para emprender aquel viaje
largo e infinito…
para vivir en la búsqueda
del arte, nuestro arte
nuestro único y verdadero duende
porque sin nosotros
jamás podrán sonar los cascabeles
del Espectáculo

GRACIAS Y BUENA SUERTE

YO, ESTUPIDO Y GILIPOLLAS DEL TEATRO

2007-09-09T11:34:00.000-07:00

Desde Canarias.
Héctor Armas.-
‘Contra la estupidez, hasta los dioses luchan en vano’.
Johann Wolfgang Goethe

No dejo de someterme, cada cierto tiempo, a reflexiones sobre el teatro, aunque entiendo que podría pensar en otra cosa o simplemente pasar un kilo del tema como dicen por acá los chavales adolescentes. Pero no, cada cierto tiempo, como lo dije antes, me someto a la terrible tortura de preguntarme el por qué fue el teatro lo que elegí y no otra cosa: los negocios, la política o el uso de la burrundanga, económicamente más rentable, menos penosa, según el relato de algunos millonarios y menos miserable dada la calidad del púbico e impúdico público nuestro.

No pretendo hablar del espectador en realidad, sino de la idiotez o para ser exactos sobre mí estupidez, pero deseo dejar claro que es la mirada del que está en el patio de butacas, o en la platea y sus posteriores comentarios lo que eleva hasta el olimpo la calidad de los actores y actrices, el recuerdo permanente de la dirección, el engorde de la taquilla, y el éxito en fin de los espectáculos mostrados en nuestras ciudades, las de aquí, llámense europeas, y las de allá, las del tercer mundo como se nos conoce por estos patios.

Así que seamos francos, no hacemos teatro para el público. Muchas veces dirigimos para nosotros, para el espejo que somos y no para el público que espera impaciente, algunas veces, tras la puerta improvisada de los roñosos ‘teatros’ y recintos incapacitados para la digna ejecución de las voces y los textos, aunque hay quien sigue hablando de rictus, rito y refritos experimentales a partir de la gotera del techo y de la línea de mierda que baja por la pared enmohecida, muchas veces remaquillada por mil brochazos de pintura negra.
Siempre tomo como ejemplo, la experiencia de mis compatriotas ( algunos más compas que patriotas), a fin de darles a entender mis jeroglíficos y testarudeces sobre el insoportables esperpento teatral que semos y hacemos en esta era, que aun pintamos de platino para hacerla parecer galáctica y más inmisericordemente futurista. Así que me voy a la página en la que mi gran amiga Yetzania Briceño me contaba el como ella, junto a otro grupo de castigados, intentaban ver culminar una representación de no sé ya que insoportable grupo de los nuestros, de esos que se cuentan a miles para cobrar la mesada maniobrada del estado aunque no todos lleguen a disfrutarla, en fin, que amparados en un tema, nefasto si mal no recuerdo, intentaban cumplir con los tres cuartos de hora en la más que desértica playa teatral boconesa.
Pues bien, Yetza, que es como llamo a mi amiga en la intimidad, sostenía aun, días después, una depresión feroz dado el tiempo que tenía sin ir al teatro, y resumía la falta de creatividad para engañar que tenían los diletantes.
Y es que es eso y no otra cosa lo que hacen los verdaderos magos de la escena: mentir. Los que llenan desde tiempo inmemorial los grandes recintos teatrales, cubiertos de dorados querubines que mean insaciablemente sobre nuestras calvas, aunque el teatro Juares, añejo teatro de mi Barquisimeto, de manera paradójica sea meado por faunos insoportables amantes de potajes y potingues.
Es decir precisamente que actuamos como idiotas, estúpidos, gilipollas y mentecatos al querer prescindir de los elementos que ilusionan, y encantan al espectador, en un alarde de investigadores profusos o chamanes desvalidos, sin pensar que el espectador acude en busca de la maravillosa impresión de la escena : una buena puesta, sostenida por puntos rítmicos concretos, un vestuario adecuado, unos elementos perfectamente seleccionados bien iluminados, al mejor estilo Kantor, por supuesto unas adecuadas, naturales y bien acopladas actuaciones.

El público paga bien lo que bien se promocione, asiste, cansado de las horteradas pseudo intelectuales, a los trabajos garantizados, respaldados por una buena sala de butacas aunque no siempre por excelentes actores. Paga una genial producción, y una bien urdida promoción, sin pensar, en muchos casos, el precio de la entrada. Vale más, en ocasiones, el precio de la salida.

Sin embargo, mis amigos, que de seguro negarán estas letras, han mantenido sus trabajos siempre en el terreno de lo artesanal. Para ser exactos, unos pocos han disfrutado del teatro como profesión. Pocas veces han pagado a sus actores ó casi nunca han trabajado para una producción decente. No porque no lo hayan querido, ni porque no se hayan planteado proyectos creativos ansiosos de una economía digna, sino porque esta sociedad rancia y pacata, entre la que nos contamos y se cuenta la gran cantidad de responsables culturosos, se rinde a los pies del buen vestir.

Sin ir más lejos, cuantas personas conocen o recuerdan a Yosmar Yánez, maravillosa actriz larense que huyó en búsqueda de otro horizonte, ó a Franco Olivari, actor, bailarín, médico, fotógrafo y cantante fenomenal a quien, aun hoy, no se le ha dedicado ni medio festival. Nadie les recuerda ya, muy pocos, no tuvieron la suerte como Aquiles, el tenor, de alguien que les apadrinara. Pero quizás cualquiera pueda cuantificar la cantidad de público que llenó las salas con Mimí Lazo y su Aplauso ó la versión curtida y demodé de Tú país está feliz por la Fundación Rajatabla.

Siendo que Yosmar ni Franco poseían menos talento que la reconocida actriz, cómo es que no tuvieron la misma suerte. Nada, ellos estaban destinados como muchos otros grandes talentos de nuestra provincia a ser los idiotas funambulitas de las temporadas torturales. A ser, como yo y muchos, los lameculos a las puertas del teatro Juáres durante aquellas jornadas festivaleras. Siempre formaron parte de los asistentes a la procesión de pasillos intentando asirse a los calzones del doctor ó la doctora, administradores estos de las partidas presupuestarias culturales.

Un día de junio Roberto Valecillos en un batir de capa zahorí me dijo, leyéndome la mano, que perdería el pelo, algunos dientes, aquella novia bonita pero que seguiría haciendo teatro, y, añadió eso sí, que no sería famoso pero que viviría cómodamente, yo no le creí como era de esperar. Años después debo confesar que efectivamente las predicciones se han cumplido: tengo mucho menos pelo, algún diente de falso marfil, hago teatro para una minoría pueblerina sin dejar de ser simpática y vivo cómodamente, pero, era esto lo que buscaba, NO, sin duda alguna.

Asumo que soy un gilipollas un tontonelo del teatro actual, un sin suerte en la escena, uno que se ha mirado poco en los escenarios y ha vivido de fatuas glorias. Lo digo sin tapujos, la pantalla es diestra y el talento brilla por su ausencia con lo cual mi realidad es un calco de la tes del país en materia artística. De las peores chisteras salta una estrella, y los aturdidos por lo reflectante de las pantallas de la tele se rinden como cochinos al barro por decir algo poco escatológico, eso habla mucho del esfuerzo que hemos hecho todos estos años de supuesta labor cultural.

Reivindico en este escrito un espacio para que podamos crear algunos idiotas, un espacio para que puedan hacer realidad los sueños estos gilipollas de la cultura teatral larense, siempre en pie a pesar del puntapié de las administraciones, siempre limpios de vestido y calzado muy a pesar de las puertas cerradas de los recintos. Porque harto ya de actuar en el patio del desagüe y hastiado de la pobre producción se hace menester una seria confección de lo que ha de ser esta profesión en el futuro, una noble y seria distribución de los dineros y un respeto por el trabajo creativo de los artistas de provincia. Hay una lista de talentosos idiotas que esperan su turno en la cola para el beneficio cultural venezolano, yo… sólo deseo saber cual es mi número.

La asociación Manifeste presenta en el Auditorio de Guía de Isora el espectáculo ‘Avoir’

2007-06-07T07:28:00.000-07:00

Dirigida por Isabelle Saulle y Adolfo Vargas la danza contemporánea se convierte en Avoir, una herramienta para reflexionar sobre el deseo de poseer.

Este viernes 8 de junio de 2007 a las nueve de la noche el Auditorio de Guía de Isora recibe, dentro de la programación del centro organizada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento isorano, a la asociación Manifeste de danza contemporánea con su espectáculo Avoir. El verbo avoir que en francés significa ‘tener’, ‘haber’ o ‘poseer’ sirve a la compañía francesa para reflexionar sobre una de las grandes obsesiones contemporáneas: el sentimiento de posesión.
Bajo la dirección de Isabelle Saulle y Adolfo Vargas, en una interpretación a la que se suman Alessandro Sabatini y Michel Verges, el grupo de danza contemporánea insiste en Avoir en la fórmula que las ha permitido cosechar importantes éxitos en toda Europa, a saber, la multidisciplinaridad, la paradoja, la broma, el dramatismo.
En esta ocasión, y en colaboración con actores, coleccionistas, escritores.. se aborda el tema de la posesión como una de las obsesiones contemporáneas que más afectan a la vida cotidiana de occidente.
Isabelle Saulle escribe en la presentación de la obra: “Con Philippe Artaud —artista, coleccionista fantasioso y compulsivo: es coleccionista de matamoscas, de agujeros, de milagros— imaginamos una enorme televisión que estaría constantemente encendida, como una vanidad, como un contrapunto a todo aquello que los intérpretes intentamos transmitir en el escenario”.
La formación Manifeste está integrada por bailarines y coreógrafos de muy diversa procedencia, tiene su sede en Toulouse, y ha producido a lo largo de los últimos años hasta cinco grandes espectáculos, entre los que cabe destacar Generosa destrucción que ya fue programado, hace casi un año, en el auditorio de Guía de Isora.
Por su parte, Adolfo Vargas, fundador del grupo junto a Isabelle Saulle y nacido en Guía de Isora, posee ya una importante carrera como bailarín y coreógrafo. Se formó en la Escuela de Arte Dramático de Tenerife y continuó su formación en el Instituto de teatro de Barcelona, y en el Mudra, école de Maurice Béjart, de Bruselas. Ha trabajado para la compañía Maguy Marin, Balanza Danza, Gelabert-Azzopardi o la de Lindsay Kemp —con quien colaboró en Sueño de una noche de verano o Alicia en el país de las maravillas.
En Guía de Isora a jueves, 7 de junio de 2007.
Jesús M. Mora Romero
JEFE DE PRENSA DEL AYUNTAMIENTO DE GUÍA DE ISORA

Una Asociación con historia

2007-06-03T16:10:00.000-07:00

Las componentes de la Asociación de mujeres 'Arcoiris', en Guía de Isora, Islas Canarias, han culminado de estructurar lo que será el primer texto de teatro escrito a partir de historia recabadas de entre sus familiares y al que Héctor Armas ha dado cuerpo dramaturgico.

Se trata de la obra: Habitación para señoras o pequeños recuerdos de familia, comedia nostálgica para ocho mujeres una bruja y un espíritu burlón', que se estrenará en diciembre de este año.

Las jornadas de trabajo de cada viernes lograron agrupar interesantes historias que conformaron cuerpos de mujer, espacios y simpáticas escenas que son las que se cuentan durante los dos actos de la obra.

Relación entre mujeres que viven juntas y separadas, vivas y muertas, encerradas todas entre paredes, viviendo de historias del pasado es la que se cuenta. Una especie de casa de Bernarda donde el matiz lo pone un deseo por convertir el drama en comedia pura, comedia nostálgica como lo definieran ellas mismas.

Para presentar este guión la asociación de mujeres Arcoiris ha preparado un performance titulado: Sola en casa el día de fiesta, con el que este miércoles 13 de junio entregarán a un grupo de 40 invitados una copia del texto, antes de lanzarse al montaje del mismo.

De estreno...

2007-04-19T05:53:00.000-07:00

Máquina Real presenta Sobre Zapaterito Punzón y un terrible dragón en el Auditorio de Guía de Isora

Se trata de un espectáculo de títeres que se representará el próximo domingo 22 de abril a las 12 del mediodía, cuya recaudación será destinada a la compra de material escolar para los niños saharauis que visitarán el municipio en verano.
El Ayuntamiento de Guía de Isora y la compañía de títeres Máquina Real, que recientemente presentó a los escolares isoranos su espectáculo Punto y Raya, han llegado a un acuerdo para que el reestreno de su producción Sobre Zapaterito Punzón y un terrible dragón tenga lugar este domingo, día 22 de abril y víspera de la celebración del Día del libro, en el Auditorio del municipio, a las 12 del mediodía.

La institución isorana, a través de sus Concejalías de Educación y Cultura y Servicios Sociales, y Máquina Real han acordado, así mismo, que el total de lo recaudado en esta función dominical sirva para la compra de material escolar destinado a los niños saharauis que, como cada año, visitarán el municipio en verano y quedarán al cuidado de varias familias de acogida isoranas.
En esta ocasión, la propuesta de la compañía es la obra Sobre Zapaterito Punzón y un terrible dragón, obra que ya estrenaron en 1997 en Tenerife, y que surge a partir de una idea original de los directores checos Lech Chojnacki y Marcin Ryl-Krystianowski y texto de Pola Izuña.

Esta obra, interpretada por los titiriteros y actores Anna Dragow y Héctor Armas, es una propuesta de teatro de objeto y actor en la que a través de la relación entre la persona y diversos elementos se va forjando la historia. La idea se basa en que a todos los niños les encanta recibir regalos, pero esta vez, de los paquetes dispuestos en el escenario no va a surgir otra cosa que materiales invisibles, con los que los actores acuerdan contar una historia, una fábula clásica en la que no faltan ni los dragones, ni las brujas ni las princesas. Un juego a través del cual la imaginación de los niños demuestra que es infinita.

La compañía Máquina real fue fundada en Barcelona en 1992 por Anna Dragow —formada en la Facultad de Arte del Títere de Bialystok de la Academia Teatral de Varsovia— y Ángel Brito, —que había fundado con antelación otra compañía de títeres, Konik en 1985, con la que recorrió festivales de toda Europa—, en homenaje a las “máquinas reales”, pequeños teatros portátiles con los que los grandes maestros del títere de los siglos xvii y xviii recorrían los pueblos de España presentando sus espectáculos.

La compañía Máquina real ha visitado Tenerife durante largas temporadas, sobre todo con sus producciones Caperucita roja que alcanzó los 17.000 espectadores y ésta Sobre Zapaterito Punzón y un terrible dragón que en 1997 alcanzó, en sólo tres meses, 2.400 espectadores.

Jesús M. Mora Romero
JEFE DE PRENSA

Alquimia de los Sentidos

2007-03-10T12:08:00.000-08:00

(X ANIVERSARIO de una BOFETADA)

Guión para una performance
Personajes: Los expuestos
La acción trancurre en dos sitios necesariamente distintos, él ataviado como un normal hombre de hogar, de esos que ya no hay. Está delante del ordenador y alrededor de su cuello, atada, una muñequita que dice mecanicamente 'Papi te quiero, Papi caca, Papi pipi, Papi ven'. Ella por el contrario viste una bien diseñada ropa interior blanca. Una lámpara de mesa sobrevalora el color miel de sus dos grandes tetas, bebe ron y escucha a Joaquin Sabina, fuma de vez en cuando.

(La muñequita llora, él la sienta en sus piernas y le da su biberón)

HECTORARMAS dice:
Hay un cuento basado en un consejo de alguna amante que gustaba de enjugar el miembro con golosinas y almíbares
briyet@hotmail.com dice:
hummmmmm golosa la chica
HECTORARMAS dice:
yo era amante de encajar en la chochita una barquilla de vainilla y crema...
briyet@hotmail.com dice:
a mi ese tipo de patuques y merulas no me gustan, una vez dejé que me pusieran helado en los pezones y se me quemaron!!!! ju e puta frío lo recuerdo y ardeeeeeeee
briyet@hotmail.com dice:
no señorrrrr
briyet@hotmail.com dice:
tardé quince días en curarme, las quemaduras se me pelaron
HECTORARMAS dice:
...y es verdad, aunque produce en el clítoris un escozor raro, da placer, pero lo viví en propias carnes y que va...
HECTORARMAS dice:
...sali por patas a darme una ducha...
briyet@hotmail.com dice:
prefiero licorrrrrrrrrrrrrrr
HECTORARMAS dice:
...Mi amada quiso comerse media lata de melocotones en mi vientre...
briyet@hotmail.com dice:
arde pero es calentito ron o brandy
HECTORARMAS dice:
...al principio lo acepté...
HECTORARMAS dice:
...pero cuando el almíbar me calo en el culo, salí derechito a la ducha con las nalgas encharcadas.
briyet@hotmail.com dice:
jajjajajjaj en aquel pelambre tipo afro ascoooooooo
briyet@hotmail.com dice:
jajajajjajaja
HECTORARMAS dice:
Si, era como darse un baño de crema o ponerse gel
HECTORARMAS dice:
nop, no que va
briyet@hotmail.com dice:
pero melcochoso, porque las cremitas si van
HECTORARMAS dice:
a mi me van las grabaciones en video, las palabras altisonantes
HECTORARMAS dice:
los aromas
HECTORARMAS dice:
los sabores
HECTORARMAS dice:
pero los menjumbres en el cuerpo, los acidulantes y más que diabéticos jarabes, que va, quita, quita

(Ella se levanta, va hasta el fondo y se perfuma, es probable que se mire en un espejo tamaño natural que descubre repentinamente)

briyet@hotmail.com dice: (Sabina canta 'La bien pagá)
estamos de acuerdo, pero qué no se inventa uno para volver a mirarse
briyet@hotmail.com dice:
a mi me piden que me ponga de cabeza y aunque pierda la nuca lo hago!!!! muero en el intento al menos
briyet@hotmail.com dice:
yo creo que con lo único que no estaré de acuerdo es con niños, animales, y excrementos
briyet@hotmail.com dice:
de resto hasta que me pisen en tacones, si les provoca
briyet@hotmail.com dice:
juego!!!! auque sea primera y última
HECTORARMAS dice:
Si, yo tambien, pero la verdad es que a veces hay inventos que sobrepasan los limites, que hablan más bien de aburrimiento más que de creatividad, porque
HECTORARMAS dice:
...a decir verdad
HECTORARMAS dice:
...cuando un amor te excita, tiras, follas, haces el amor, simplemente...
HECTORARMAS dice:
...y no te pones con tantas mariconadas.
briyet@hotmail.com dice:
pues sí, venga, pero de que hay que echar mano de cualquier apoyo extra es bien valido, tirar un colchón en una azotea y maullar como gata en celo
briyet@hotmail.com dice:
mientras me aman bajo la lluvia
briyet@hotmail.com dice:
de vez en cuando hace picante la relación
briyet@hotmail.com dice:
enamorarse esta bien, pero con el tiempo la pareja debe aprender a mirarse y a sorprenderse de lo que ve
briyet@hotmail.com dice:
sino se pierde la magia
briyet@hotmail.com dice:
si bien rico follar y follar pero luego esto se vuelve mecánico
briyet@hotmail.com dice:
aja en la mañana montamos el madrugador, si hay tiempo en el almuerzo una calentadita y si en la noche no estamos agotados vamos a encamarnos! TODOS LOS DIAS
briyet@hotmail.com dice:
en la misma casa al final se vuelve sórdido
HECTORARMAS dice:
Ya
HECTORARMAS dice:
lo sé
briyet@hotmail.com dice:
sobre todo cuando pasas del tercer año
HECTORARMAS dice:
pero echar mano de cosas creativamente aceptables
briyet@hotmail.com dice:
se acuerdo, pero por naturaleza a mi lo que quieran yo lo intento
HECTORARMAS dice:
o aceptarías que te quemaran el culo con un cigarrillo en plan humphrey bogart
briyet@hotmail.com dice:
Aunque resulte un desastre como el helado
briyet@hotmail.com dice:
no creo que un cigarrillo pero gotitas de una vela sí, y hasta 3 azotes con un fuste o una correa
HECTORARMAS dice:
joder
briyet@hotmail.com dice:
lo que no permitiría son bofetadas
HECTORARMAS dice:
como a una vaca malcriada
HECTORARMAS dice:
o como a una perra desobediente
briyet@hotmail.com dice:
yo creo que el UNICO hombre que a mi me ha dado una bofetadada a parte de mi papá, eres tú

(El ha logrado quitarse la muñequita, va y la coloca delante de una pantalla por donde comienzan a emitirse dibujos animados)

briyet@hotmail.com dice:
eso jamás se me olvidará
briyet@hotmail.com dice:
esta perdonado, más no borrado
briyet@hotmail.com dice:
realmente esa noche estabas muyyyyyyy borracho
briyet@hotmail.com dice:
recuerdo que fue un 8 de marzo
HECTORARMAS dice:
dia de la mujer???
HECTORARMAS dice:
yo no recuerdo nada
briyet@hotmail.com dice:
sip
HECTORARMAS dice:
dime, recuerdame eso
briyet@hotmail.com dice:
estábamos en un performance de franco por el día de la mujer
briyet@hotmail.com dice:
y tú en medio de tu borrachera
briyet@hotmail.com dice:
se lo cagaste saliendo a escena
HECTORARMAS dice:
Vivía el desamor (La pantalla reproduce con inmensas letras las últimas frases, muestra detalles y close up de ambos rostros)
briyet@hotmail.com dice:
en esos días tu y yo intentamos jugar a algo
HECTORARMAS dice:
una borrachera para apagar mi sufrimiento
briyet@hotmail.com dice:
yo me fui un rato con pedro a buscar licor
briyet@hotmail.com dice:
y cuando regresé me tomaste por el brazo y salimos a la puerta del tnj
HECTORARMAS dice:
aahhhhhhh, no me digas, un ataque de celos?
HECTORARMAS dice:
ah jajajajajaj
briyet@hotmail.com dice:
allí me dijiste un montón de mariqueras
briyet@hotmail.com dice:
jajajajaj
briyet@hotmail.com dice:
y me diste un bofetón
HECTORARMAS dice:
que lástima recordar esas cosas
briyet@hotmail.com dice:
del tirón que te empujé te caíste
HECTORARMAS dice:
No me veo, en realidad, pegándole a nadie, aunque si, reconozco que lo he hecho...
briyet@hotmail.com dice:
fue una noche pateticaaaaaaaaaaaa
briyet@hotmail.com dice:
gracias a dios nadie se dio cuenta
briyet@hotmail.com dice:
creo que Maria luisa me ayudo
briyet@hotmail.com dice:
a levantarte
briyet@hotmail.com dice:
y si mal no recuerdo Gerardo te llevó a tu casa
HECTORARMAS dice:
joder, la verdad es que yo vivía una noche rara, porque tambien me daba los besos con Marielena y ella había decidido culminar con el grato juego
briyet@hotmail.com dice:
por supuesto
briyet@hotmail.com dice:
así era
briyet@hotmail.com dice:
es más mientras hablabas, parecía que era con ella
HECTORARMAS dice:
por eso me emborraché, era una borrachera cobarde, quizás por eso también quise destruir lo que había construido
briyet@hotmail.com dice:
esa MARRANAAAAAAAAAAA
HECTORARMAS dice:
por eso mis fallos, por eso, quizás, mis interrupciones groseras en el trabajo de mis compañeros
briyet@hotmail.com dice:
yo recuerdo la cara de francoooooooo
HECTORARMAS dice:
pobre
briyet@hotmail.com dice:
dios el tan lindo vestido de blanco
HECTORARMAS dice:
un bello ángel
briyet@hotmail.com dice:
con alas y todo
briyet@hotmail.com dice:
y tu borracho de mierda!!!!! jajajjajajja
HECTORARMAS dice:
un Hamlet mal herido
briyet@hotmail.com dice:
bah!!!!! igual lo pasábamos muy bien
HECTORARMAS dice:
yo no recuerdo si canté bien o fue una cháchara de borracho
briyet@hotmail.com dice:
HORRIBLEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE
briyet@hotmail.com dice:
fue espantoso
HECTORARMAS dice:
Recuerdo si, que un marico me sacó a bailar y me quiso meter mano, me salvó mi muy querido Raúl
briyet@hotmail.com dice:
para variar nadie nunca entendía nada
briyet@hotmail.com dice:
esa noche también yo muy borracha
HECTORARMAS dice:
ah jajajajaj, creo que era lo de menos, el performance estaba asegurado, los cadáveres exquisitos estaban servidos, jejejej
briyet@hotmail.com dice:
aposte con Sergio quien de los dos se levantaba un tipo
HECTORARMAS dice:
ah jajajajajjaja, esa noche él no durmió en su casa
briyet@hotmail.com dice:
Seguro! pero yo gane 2 tragos porque la cosa era
briyet@hotmail.com dice:
a cual de los dos abordaba primero
briyet@hotmail.com dice:
y yo serví de anzuelo
briyet@hotmail.com dice:
total lo que iba a sacar de allí era eso
briyet@hotmail.com dice:
2 tragos de ron que le gané a Sergio y dos que me brindó el tipo
briyet@hotmail.com dice:
más de ahí, tendría que tener paloma
briyet@hotmail.com dice:
y con eso no se puede competir
HECTORARMAS dice:
Oiga, estimada y muy querida amiga, me imagino que podrá perdonarme
briyet@hotmail.com dice:
jajajaja
briyet@hotmail.com dice:
tonto
briyet@hotmail.com dice:
yo te amo tanto como el primer día que te vi
briyet@hotmail.com dice:
en un performance en el patio del museo...

( Ella bebe el último sorbo, se toca suavemente los pezones, se quita el sujetador, se excita con su figura duplicada en el espejo, se desnuda suavemente va y apaga su lámpara. Él por el contrario busca nuevamente a la muñequita, se la cuelga al cuello, juega con ella mientras se oye la repetición mecanica de su voz de juguete)

(Regio final con acordes de guitarra y la voz de La Lupe cantando Puro Teatro)

YORK (sexo entre Ego y Locura)

2007-03-08T00:15:00.000-08:00

La popularidad del actor es efímera
Edwin Forrest

A Yetzánia Briceño

Soy York , el bufón muerto y hecho cenizas de Elsinor y de cual cráneo Hamlet rey de Dinamarca, de un soplido le ha hecho sonar como si fuera una flauta.-

Soy un bufón, un anillo nupcial de payasos y cómicos, la unión de Dios y Satán en una fiesta de exclusivas voces.
-Ahh!!! Hasta aquí llega el perfume, el delicioso aroma a lavanda que los barberos derraman, sobre las cabezas lavadas de los idiotas, cabezas fálicas, como nidos de babosos espermatozoides.

Antes amaba el día, porque el día tenía un respeto a mi voz, a los textos que con profunda garganta eran lanzados desde la torre. Corrían de oído a oído. Como sangre se coagulaban en la faz sonriente de un provinciano. Ahora es distinto, todo es distinto en este país.

Para mí la noche guarda secretos de cercana lejanía, Ahh… Ese perfume de desconocida feminidad, me transporta sobre los aires de oníricas beldades, a besar labios; mi voz se proyecta en el silencio del negro profundo, dejándome caer… sin prisa, ya sin prisa… miembro sobre miembro, vida sobre vida y muerte sobre muerte…

El Perfume; caída de interminables cabellos blancos, sobre la falda de onduladas mareas… un soplido, un hálito, una voz de aliento fértil, un añejado jarabe de profunda atracción … el enceguecimiento del amor, la anulación de Dios, el final indescriptible, el adiós, la falsa y abierta dicción , el follaje otoñal que corta la carne a pedazos proporcionados. El sonido y el crujir del invisible cristal, el soplido del fantasma perdido en un libro de idioma execrado…

Vaginas, vaginas que gritan, vaginas cantantes, vaginas que hacen vibrar sus himenes como tambores japoneses, vaginas que despiden fétidos olores a olvido y encubren crímenes. Vaginas, vaginas vírgenes que mueven su prurito en un baile de inocente intención.
Todas las noches, todas las noches. Llena está mi cabeza de imágenes, imágenes…tan solo eso.

Me gusta la noche porque bajo los gritos de esta ciudad de cuadras, carreras, calles y veredas yo puedo oírme. Soy un actor, soy un actor de provincia, un payaso del tercer acto sin escena definida, la voz de un animal abatido en la tristeza- y ahora- ¡DISUELVASE EL PERFUME EN EL OLVIDO!

Ya no volverá la voz de Atenea en su imperfecta forma de Julieta, tan solo su perfume permanece como un fósil, enmarcado en los alveolos, como un daguerrotipo familiar de olvidada trascendencia; ya la soledad como el perfume del adiós nos muestra su danza macabra con risita de niña.

Su espalda y su pecho son el plástico negativo de fotografías desechadas, la alquimia de Jean Paul Gouttier convertida en mujer y millares de sombras percibiéndola en los pasillos, bajo el sudor de todos los mediodías; en el sin fin de cabezas que se buscan unas a otras, tratando de encontrar el elemento: eso llamado amor, de piel escamosa y cortante como ave de plumas vidriosas, afiladas navajas que alzan su vuelo a cielos bermejos.

El delirium tremens, la caricia hecha pedazos sobre el rostro, el aplauso, el fin de la tragedia , los nombres y las publicaciones de escandalosas noticias, la figura ondulante del amor que se pierde en la simpleza; el amargo estilo de vivir así , acompañado de tantas máscaras … la caída del telón y el silencio.

Soy York…el nombre de un impostor de teatro… el amante desapasionado con apasionada locura, la bocina por donde un locutor de radio anuncia el acorde final con incoherentes palabras. Soy un fractal, el rezo silencioso en pilares bizantinos, la figura aplomada de un tonto que pasa desapercibido en la historia; el grito del último texto, la voz que besa, el perfume que ambienta los cuellos de tantos espectadores impolutos como frías estatuas, esperando de Shakespeare ese textillo de locura: “La vida es solo una sombra que pasa, un cómico que pavonea una hora sobre la escena y nada significa, un cuento narrado por un idiota con gran aparato y que ya no se le oye más”

Conversación con Asly o Diálogo entre dos que no han nacido

2007-03-07T09:56:00.000-08:00

Se habían vistos doce, trece, catorce o quince veces, más bien trece, para ser exactamente fatalista; no habían formado lo que en realidad pudiera llamarse un lazo amistoso, pero lo que sí es seguro, es que desde el primer encuentro sus cordones de plata o sus cordones umbilicales - como prefieras llamarlos - , se conectaron, tal como están conectados el día y la noche, la semilla y la vaina.

En esta ocasión ella lucia el sudor de todo un día de trabajo; al detenerse a mirarla uno adivinaba fácilmente que se había maquillado muy temprano en la mañana; a no ser por mí convencimiento de que ella aún no nacía, casi me atrevo a jurar que de la mañana a la noche su rostro había envejecido.

Él (Asly), estuvo nadando toda la tarde, en la materia etílica de que esta llena la placenta que lo envuelve. Regresaba como siempre al restaurante, para recibir su comida, un plato que siempre es obsequiado por caridad disfrazada de amistad y la volvió a encontrar allí, bajo la luz tenue de la bombilla que le daba un a un aire de madame o matrona de burdel , aire que a él le producía una sensación de estar y no estar , de rechazo y aceptación al mismo tiempo, de querer huir o decidirse de una buena vez a sentarse en la silla que después de saludarlo ella le ofrecía con un vago gesto. Ella continuaba tratando de crear con trocitos de papel un concepto innovador para lucir en las carátulas de los libros.

Luego de ordenar licor seco y cigarrillos, Asly propició un diálogo:

- Nunca conocí a papá, se marchó sin conocerme, ahora canto “Oye cucú papá se fue”… con la diferencia de que papá nunca estuvo antes de acostarme, ha de ser por eso que jamás he sentido miedo, porque papá nunca apagó la luz de mi habitación, ni me dio el beso de buenas noches.

- Papá siempre ha estado a mi lado, cubriéndome de regalos –suspiró- como para aliviarme su ausencia.

- Yo no valgo nada, debería estar en ese algo que hay después de la muerte. Ayer jugué a la ruleta rusa y ninguno de mis turnos se topó con un golpe de suerte.

- Yo en cambio valgo demasiado (desbordaba una dulce ironía al pronunciar estas palabras), pero no concibo las razones que me obligan a continuar aquí. Antes de ayer pellizque tanto mis antebrazos, deseaba hacerlos llorar lo suficiente; hasta que no hubieran lágrimas, hasta que no hubiera sangre, hasta que no hubiera NADA NI NADIE; pero estaban secos, tan secos como mis ganas de vivir, te juro que están más secas que el desierto.

- Ya no deseo molestar a mis amigos contándoles mis dolencias, prefiero estar solo, continuar marcando un solo par de huellas en la anchura del camino, seguir aislado, completamente abstraído en mis GANAS DE NO EXISTIR.

Los conocidos se acercaban silenciosos, movidos por la curiosidad: ¿De qué pueden hablar dos seres de naturalezas antagónicas?, era la pregunta que retumbaba en las entrañas de los que ocupaban el salón, pero la fuerza de la mirada concentrada en 2 X 2 los hacía retroceder, sentirse fuera del lugar y terminaron por rehacer sus deberes, resignados a reunir los fósiles de sonido que el aire les llevaba, imaginándolos ya amantes.

Con un brillo instantáneo en los ojos, ella agrego:

- Tengo un amigo que es como un bosque púrpura, siempre escudriña mi silencio y no se cansa de escuchar mi repetido lamento, alegando que no siempre tendrá la misma intensidad. El pobre no ha caído en cuenta que mi lamento es omnipotente, no es ni alto ni bajo, ni gordo ni flaco, es preciso, justo. Simplemente es a mi medida.

- Sólo conozco el afecto de La Pitia. Esa que soporta sobre sus caderas el peso de mi silencio, siempre me excusa, se consuela pensando que sigo siendo un niño MAL CRIADO. Ella, ella todo el tiempo desea construir con mi esperma y sus óvulos un sueño, que sin importar el sexo debe llevar por sobre todas las cosas, mi nombre. La muy ingenua, a pesar de los cuatro siglos que lleva unida a mi trasero no se ha dado cuenta que yo AUN NO HE NACIDO y mi esperma no puede engendrar otra cosa que no sea odio.

- Yo he conocido el sudor y el semen de dos transeúntes. Uno me despertó al AMOR-DOLOR y el otro me durmió con el AMOR-AZUL-LIGERO. Soy estéril…AUN NO HE NACIDO.

- Creo que no hemos nacido –dijo Asly riendo a carcajadas- porque no soportamos la vida.

- No. Estoy absolutamente segura de que no hemos nacido porque es la vida la que no nos soportas.

- Me voy, Buenas noches – beso la otra frente, su frente en el espejo –

- Cuídate por favor

El se fue a volar cual mariposa nocturna en una noche de carnaval, ella se quedó ensimismada dándole forma definitiva al puzzle.

Jessica Drew

Comunicación celular con la luna

2007-03-07T09:47:00.000-08:00

Una historia cualquiera.-

El tiempo es demasiado lento para aquellos que esperan... demasiado rápido para aquellos que temen.... demasiado largo para aquellos que sufren.... demasiado corto para aquellos que celebran...pero para aquellos que aman, el tiempo es eterno.
(Henry Van Dyke)

1.-

Digo que esta historia es cierta, con un ella y un yo, calle arriba, arropados por el frío de Parque Central en el mayestático centro residencial caraqueño, sentados sin mirarnos y sin hablar, en un banco de mármol. Habíamos hecho el amor horas antes en una habitación alfombrada, llena de discos en francés, con la boca irritada de besos y atún natural al tomate ketchup.
Nos amábamos la actriz y yo. Siempre a ratos, nos veíamos para cenarnos, almorzarnos o algunas veces, desayunarnos el uno al otro.

2.-

Ya no recuerdo los discos, tan solo una melodía en francés. También por aquellos días estaba Goyeneche, pero Goyeneche no era francés.

3.-

Y pensar que todo aquello se debió a un mal de voz de una actriz primitiva y desvalida, un mal de voz que culminó en un beso con mordidas y lamentos de perro nocturno, una batalla que libré abriéndome paso entre la poca tela de su faldita hindú de muchos colores, en su sonrisa burlona, en sus versos de regalo copiados siempre de otro libro con letras en bloque. Batallas de amor que derrumbaron mi lecho, mis ojos y me dejaron siempre danzando con la muerte a orillas de una solitaria cama dúplex. A veces pienso que fue más feliz que yo.

Claudia, los cuerpos desnudos pensando maldades, con el agua al cuello.
Bajando con discreción la mirada, veíamos más y más abajo, intentando ahogar los ojos en aquel monte negro que yacía al fondo de la bañera. Nos buscábamos.
Nos tocábamos una vez más, nos abrazábamos, intentábamos
de nuevo visitarnos por dentro, nos reíamos, y salíamos. Nos amábamos en aquellos pisos rodeados por libros del marxismo leninismo, llenos de un polvo asqueroso que no dejaba percibir otros olores, y así una vez más lo hacíamos incansablemente.

4.-

Pero era el final. Ahora sí, le damos paso a Goyeneche que canta ‘pobre, solterona te has quedado sin ilusión sin fe…’

Ella vestida de rojo y blanco, me pide que salgamos, que su ensayo, su madre, que es tarde. Yo escucho a Goyeneche ‘En tu cuarto de soltera está el dolor triste realidad’, apago el tocadiscos, me visto y salgo.

5.-

El sol desciende, dos hojas de papel vegetal llenas de puntitos y líneas como un mal dibujo cinético salen de su cartera, este es un mapa del universo, dice, alguna noche de estas te enseño a leer las estrellas. El sol se apaga al frente, detrás salta una luna blanca mientras nosotros, tatuados en la plaza, fotografiados por ese plato blanco de porcelana, sin nada que decir ya, inventamos palabras para tener con ellas alguna razón para huir.

Sabes una cosa, ha dicho, cuando los amantes no están cerca pueden verse a través de las manchas lunares. Yo pienso en eso tratando de entender. Sí, la liebre lunar los une de cielo a cielo, dice enfática.

Mira, me toma del hombro y nos damos vuelta al sol que se oculta, ves aquellas manchas negras que se van uniendo hasta formar una liebre echada en la base de la luna; sí digo, bueno, dice ella mirándome a la cara, (nunca he podido sostener la mirada del otro tanto tiempo), esa liebre es la mensajera de los amantes que no pueden estar juntos, cada vez que él desee tenerla y ella a él se encontrarán con la luna y se amarán en un solo cielo y en cualquier parte del mundo. Entonces sin pretexto levanta su vuelo como una garza, me da un beso frío y vuela. Desaparece con su traje de saltimbanqui veneciano tras el humo que despide la chimenea de un sótano.

6.-

Ahora que ya no estamos cerca, que no lo estaremos al menos como antes, pienso en los textos teatrales que cubrieron tantas pausas en nuestras conversaciones, en las promesas bajo el mantel, en la ensalada César y la copa repleta de sangría, en el viaje a París que no cumplimos, en el aroma de su sexo, en sus braguitas color café, su desnudez echada sobre la moqueta verde, en el por siempre de aquellos amantes del Barroco y en la clase de voz que nunca fue.
Sobre las ceibas del Edificio Nacional, en otra ciudad otra construcción, y a kilómetros de distancia de esta historia, aparece una luna grande de febrero, blanca como un plato de porcelana y te recuerdo Claudia, hago, y ahora entiendo, una conexión a larga distancia contigo, una comunicación celular con la luna y hasta ti, pequeño cervatillo con piernas de juncos, melodía discordante en francés, bandoneón solitario.

Héctor Armas

Teatro escrito y hecho por mujeres Canarias

2007-02-27T05:59:00.000-08:00

Las mujeres de Guía de Isora y Chio, al sur de la isla de Tenerife en Canarias vienen desde hace un año manteniendo contacto con el teatro, que ha pasado del simple coqueteo a convertirse en una importante herramienta expresiva para las diferentes labores que realizan.

En el caso del grupo de mujeres que conforman la Asociación Arcoiris en Guía de Isora casco, desde hace dos meses vienen disfrutando de entrenamientos y asesorías teatrales para hacer posible el montaje de: 'Habitación para Señoras o pequeños recuerdos de familia', una comedia con dramaturgia propia que cuenta los enredos de un grupo de señoras que para darse a conocer ante un posible reconocimiento que le ha de entregar el propio alcalde deciden montar un pequeño acto cultural en el patio mismo de la antigua casa donde, hace ya 80 años, se fundó la Asociación cultural de señoras católicas y cultas de Cueva del Polvo,(nombre este que realza el paisaje de una linda zona del municipio de Guía).

Mientras preparan la actividad reciben la llegada de Lourdes una artista gallega venida a menos quien cambiará el orden de las cosas en la confortable casa del siglo XIX donde conviven los recuerdos y el fantasma de La Niña Virginia, una cupletista que murió después de una actuación por atracarse de carne de cabra, papas arrugadas y mojo cilantro en cantidad.

Los enredos y las controversias serán los ingredientes que nos permitirán conocer cada una de las interesantes vidas de estas mujeres durante el final del mes de mayo en el Auditorio de Guía de Isora.

En otro orden, pero sin variar el tema, las mujeres de la asociación ASMUDECHI, del vecino pueblo de Chio preparan con fines lucrativos la puesta en escena de dos sainetes, uno firmado por Coralia González denominado 'El Embarazo de seña María' y otro ' Los amores de Don Rufino y seña Rosita' de autoría propia.

Dicho evento tendrá lugar este venidero abril en la plaza misma del pueblo, donde se dispondrá de un 'atrezzo', que nos invitará a reír y a disfrutar con la actuación de este importante colectivo isorano.

Un maravilloso duende llámado Edgard Guillén

2007-02-19T08:20:00.000-08:00

"Todos sabemos que este país no tiene política cultural pero no todos saben que en esas condiciones ser actor es simplemente una desgracia. Luego de 45 años de actividad me doy cuenta de eso. Es dramático. Sin embargo, esta situación me ha llevado a descubrir los verdaderos móviles por los cuales me sumergí en el teatro: la inseguridad, la falta de aprobación, el rechazo".

Edgard Guillén

Conocí a Edgard cuando contaba con unos 28 años por allá por los ochenta.

Me quedé maravillado de su aporte físico a un teatro que aderezaba melodramas bien vestidos pero faltos de riesgos.

Edgard cumplía en aquel entonces 51 años, lo dijo inmediatamente después de dejarnos perplejos con aquella 'Mirada al jardín de los cerezos', que presentó en el teatro juares, que reitero con amargura, hoy en día abandonado, meado y hasta cagado, me apresuro, sin que esto despoetice el relato que hoy nos interesa que nos es otro sino el de ensalsar la figura de uno de los grandes actores de nuestra América latina.

Edgard que es nombre y Guillén apellido de un profesional en toda la extensión de la palabra, que ha entregado a su público de Lima, en Perú títulos tan fenomenales como: Shakespeare, Chejov, Lorca, Goethe con una dramaturgia propia en casi todos sus trabajos, vuelve años después a mis historia por esas cosas del internet.

Nos encontramos gracias a su página a sus fotografías cargadas de recuerdos, a su carta de despedida, a sus tristezas, y fundamentalmente, y esto sobrepasa cualquier inquietud, a su lucha apasionada por mantenerse, vivo o muerto, pero en el escenario, adentro o fuera, alto o bajo, en la calle o en su casa como hace desde hace algunos años cada sábado a las siete.

Delicado, intenso, enérgico, entregado en fin a su arte, entre las fotografías de viejas glorias, los muebles inmensos de salón de casa y sobre un escenario mesa, centro neurálgico donde cada fin de semana nos sorprende, quizás, un renovado Fausto,(espectáculo unipersonal que ojalá podamos tener en España este año), vuelve Edgard a pasarnos su sombrero de viejo York, a hipnotizarnos con su sonrisa de Rey Lear, de ensombrecida Lady Macbeth, una vuelta a la chistera donde el eco de viejos fantasmas agitan las almas que dadivosas, entendiendo o no lo que acaban de ver, pagan con poco o mucho los sudores del maestro que saluda a los asistentes con Oso en los brazos de seguro, su viejo, blanco y sin par amigo.

Grita, habla, susurra, agita, avanza, vuela y levita este ángel, que como muchos, pensó un día en claudicar pero que una nueva jornada de luz lo devuelve a su público entre las cuatro paredes de su casa encierro, camerino de soliloquios nocturnos.

Éxitos envueltos, y nunca mejor dicho entre el pan y el circo. Vuela finalmente el ángel exterminador para demostrarnos que un serafín no muere facilmente, porque para seguir agitando las alas de actor tan solo se requiere un espacio vacío... un sombrero y un perro amigo de ser posible.

Les invito a leerle y conocerle visitando la página: http://www.geocities.com/edgardguillen/

Textos y recuerdos de Jessica Drew, la mujer araña

2007-02-10T15:06:00.000-08:00

Un escenario vacío…
…. ciclorama bañado de luz

Shakespeare, armas, Stanislavski, valecillos, Calderón de la Barca, Goethe, olivari, San Juan de la Cruz, Benedetti, barú

Tu , Yo…
… nuestro sueño

Sí, nuestro sueño
árbol alado que crece en el aire
y se alimenta de nubes
pompa de jabón juguetona de brillantes colores

Nuestro sueño
voces adultas-infantiles, negras-blancas
que llegan de arriba y de abajo
para juntarse en mitad del corazón.

Nuestro sueño
fuego – aire – tierra - agua
tambor – flauta – guitarra - triangulo
voz - lamento – baladro - risa

Nuestro sueño
ángeles y demonios
brujas y hadas, vestido y desnudo
alma y cuerpo, ojos y estrellas

Nuestro sueño
es sal mezclada con la sangre
que corre dentro de tubulares abadías
a punto de estallar

En fin ….
….nuestro sueño: EL TEATRO

Jessica Drew

Sobre las soledades de Zaida

2007-02-04T13:22:00.000-08:00

Zaida Belén ha vuelto a Venezuela, su terruño, nuestro. Ha vuelto con sus maletas cargadas del texto que en otra ocasión Flora Ovalles le escribiera y que por esas andanzas nuestras, de trashumantes de la vida, roedores, imitadores y demás infecciones llegamos a montar a finales del dos mil cinco. Se trata del monólogo 'A veces me siento sola' que en varias funciones ya han podido ver públicos de España y Venezuela, especificamente de Guanare, San Felipe, Barquisimeto y algún otro escenario. Se ha ido de mis rincones canarios, digo, esta actriz que huyendo de sus temores interiores, fantasmas de carromato y bocinas, un día llegó pidiendo posada y auxilio para un alma que poseída por los subtextos de un personaje urgía del sacramento de la puesta en escena y del exorcismo del aplauso.
Ya no huelen a café mañanero los domingos, ni se acaban las botellas de ron miel, ya no se hace mi negrita lenzy la terapia 'peeling' que las destrezas de mi amiga, amante de la buena máscara, le enseñó.

Ni ventea por las mañanas esa descarga de guitarras y cuatros que Mario Suarez desataba, inmediatamente después del 'play' que Zaida, y no otra, la de los bostezos, y no otra, presionaba.

Digo entonces que mi amiga, actriz de teatro, soñadora de la escena, amante de entre telones y diablas, se ha marchado al Festival Internacional de Occidente que dirige mi buen amigo Carlos Arrollo, mago de las fachadas teatrales del llano Guanareño en Venezuela. También se ha encontrado con Roberto Valecillos, noble terrateniente del teatro larense quíen y muy a pesar de las circunstancias sigue luchando por 'revolucionar', desde la conciencia, a un grupo de apasionados histriones agrupados en un circuíto recolector de frutos para el drama.

Zaida busca ahora hacerse con su manojo de textos un espacio en el teatro de la , a veces, disecada, carpa teatral venezolana.

Espero para ti mi buena amiga la mejor de las travesías, y las más diversas emociones, convicciones, alegrias, risas y confictos que ese texto ya tan tuyo pueda provocar en cada uno de los espacios vacios que te reclaman, te aclaman...

¡Merde!

A Propósito de Carlos Giménez

2007-02-03T14:02:00.000-08:00

¿POR QUE CARLOS GIMENEZ?Miriam Pareja (1998)

Carlos Gimènez, importante hombre de teatro, fundador del Grupo Rajatabla, del Festival Internacional de Teatro, Taller Nacional de Teatro (TNT), Teatro Nacional Juvenil de Venezuela (TNJV), Centro de directores para el Nuevo Teatro (CDNT), ASITEJ (Asociación Internacional de Teatro para la Juventud) y el IUDET (Instituto Universitario de Teatro) y de Rajatabla Danza, y los que se quedaron en el papel esperando ser aprobados. Tiene en su haber más de 60 montajes en el país como en el extranjero.
Desarrolló una de las actividades más sobresalientes del teatro latinoamericano. Entre sus trabajos de mayor proyección internacional están, "Señor Presidente", versión teatral de la novela de Miguel Angel Asturias, "Bolívar" y "La muerte de García Lorca" de José Antonio Rial y "El Coronel no tiene quien le escriba" adaptación teatral de la novela de Gabriel García Màrquez, Premio Nobel de Literatura. Montó obras de Shakespeare, Calderón de la Barca, Lope de Vega, Valle-Inclàn, García Lorca, Beckett, Durrenmatt, Brecht, Tolstoi, Chejov, entre otras.
El teatro de Carlos Gimènez ha sido siempre un teatro polémico. Por todo lo expresado anteriormente, y por la siguiente afirmación hecha por el periodista venezolano Edgar Moreno Uribe, en el libro CARLOS GIMENEZ, TIEMPO Y ESPACIO, que "se quiera o nò, la historia del Teatro en Venezuela se divide en antes y después de Carlos Gimènez", me apasiona estudiar un poco la obra de este hombre de teatro y de esta forma poder esclarecer cuales son sus aportes a nuestra cultura en general.
Comúnmente se ha oído hablar de un estilo y de una estética gimeniana. En este trabajo pretendo vislumbrar una investigación, como ha sido el teatro de Carlos Gimènez, como ha sido su dirección teatral.
Al respecto, Javier Vidal, Profesor de la Escuela de Comunicación social de la Universidad Católica Andrés Bello y director de Teatro, afirma que "en 20 años muchas fueron las obras que montó sobre la escena. El rango internacional que acaparó Gimènez lo estrelló hacia una estética muy particular y difícil de confundir" (18-4-93). El Universal, Cuerpo 4, p. 2.
Además, daré a conocer el trabajo y por lo tanto algunos de los aportes que Carlos Gimènez dio al teatro venezolano a lo largo de veinte años de trayectoria.
No pretendo hacer un análisis de las obras dirigidas por Carlos Gimènez, ni definir la especificidad de su teatro, ya que no me siento capacitada en el área de la critica teatral, entendiendo esa área como el conocimiento de la historia del teatro, sus movimientos, sus tendencias, sus autores, el teatro contemporáneo mundial y la semiología, entre otras cosas; o como dijo Carlos Gimènez: "La crítica es como la cátedra en donde debe discutirse el camino del teatro en su más alto nivel. Fija precedentes en lo estético, en lo artístico, en lo social y en lo político. Es la crónica que hará la historia de nuestro trabajo, por eso le exijo rigor."
El motivo por el cual seleccioné el tema "¿Por qué Carlos Giménez?", visto de una manera general, responde a la gran admiración y respeto que me inspira el talento creador y la capacidad de trabajo de este insigne maestro. Participé en el Primer Taller de Formación Teatral del Grupo Rajatabla, antes de que se convirtiera en Taller Nacional de Teatro, en el año 1977 y fue el propio Carlos el que me inscribió, ya que el encargado de hacerlo que era Francisco Alfaro, se encontraba de gira por el interior, con el Grupo Rajatabla.. Fui la primera secretaria de Gimènez, y aquí empecé a conocer y a admirar a este incansable trabajador teatral. Luego participé en la obra "Señor Presidente", y en algunas otras que hizo para la Televisión, y por motivos personales que no vienen al caso, me retire, pero nunca me desligue del Grupo. La recopilación de este trabajo lo vengo haciendo desde hace años, a través de documentos, de sus escritos, programas de mano, entrevistas, críticas, videos y demás datos recopilados, los cuales no tendré la oportunidad de expresar en su totalidad ya que se extendería a más de las páginas requeridas para este trabajo.
En su oportunidad, hice especial énfasis en las entrevistas realizadas de figuras relevantes en el área de teatro, principalmente en críticos de este arte, como Rubén Monasterios, Edgar Moreno Uribe, quienes son para el momento los especialistas más autorizados para generar una reflexión de lo que fue el teatro de Carlos Gimènez, y en personas involucradas en el quehacer teatral y en la cultura en general como el dramaturgo Isaac Chocrón, la periodista Miriam Fletcher, y los directores de teatro Javier Vidal y Virginia Aponte y a los actores, Francis Rueda, Natalia Martínez, Francisco Alfaro y Daniel López. EL ARTE DE LA CREACION
"…Lo que me interesa como director ycomo hombre de teatro es poder llevarlos grandes textos con un preciso criteriode la contemporaneidad, basado enen una lectura múltiple y que, justamenteen esa universalidad de la lectura,el público se conmueva, se emocione, se altere… cuando haya que reír,irrumpa en llanto cuando los personajes lloran."Carlos Gimènez.
Desde la creación del mundo y a lo largo de toda la historia, el hombre ha buscado la manera de expresar sus emociones, deseos, necesidades y transmitirlas a otros, y para esto necesitaba un medio. A nuestro parecer, el teatro es el medio a través del cual muchos creadores han manifestado los sentimientos de la humanidad. Es la forma vivida de contar y hacer sentir algo por medio de una representación, es crear una realidad dentro de otra realidad.
"Pretender dejar al teatro en el ejercicio verbal es negarle toda su capacidad de integración, de recuperación e interpretación de los actos de la vida, que se nutren palabra y gesto, de luz, de color de olor, de acciones en silencio, de gritos y pausas. De inmensa quietud o revoluciones insondables. El teatro se parecería más a un relato oral, o en el caso de los ejercitantes de la lectura al disfrute del drama como género literario". (Carlos Giménez. 1991. Ensayo sobre teatro),
Esta afirmación hecha por Carlos Giménez, guarda relación con la del crítico teatral Rubèn Monasterios, quien piensa que el teatro, en toda su historia, ha tenido que ver con el show, con el asombro, con el truco. Giménez creía y admiraba este teatro, donde de repente, por intermedio de artificios teatrales, el público podía ver y disfrutar algo que estaba sugerido en la escena.
Según el dramaturgo Isaac Chocrón, "a Carlos le interesaba muchísimo el espectáculo, esto no quiere decir que el omitía el texto, sino que lo enriquecía con imágenes. Aquellos que prefieren el teatro espectáculo, lo hacen porque les gusta presentar más que texto, imágenes que comuniquen tanto como las palabras puedan comunicar". (1993. Entrevista).
Para Monasterios, el teatro de Carlos Giménez se basa en dos ideas: espectacularidad combinada con profundidad en determinados conceptos claves.
A Gimènez "siempre se le criticó que tenía un teatro basado en la espectacularidad, lo aparatoso, el espectáculo espectacular, valga la redundancia, donde había un deliberado propósito de realizador de originar una suerte de fascinación en el espectador". (1993. Entrevista).
Consideramos que esta fascinación y este asombro tiene por finalidad involucrar al público en la realidad creada en escena, en esa que viven los personajes de la obra. Al respecto. Carlos Giménez sostiene que "la base de una dirección teatral está signada por algunas pautas que he intentado desarrollar, casi siempre contra una corriente que califica mi trabajo como efectista, espectacular, reñido con el trabajo interno de los actores a los que transformo en marionetas, según ellos, de mis objetivos puestistas. Creo que es imposible hablar de crear el cuerpo teatral sin haberle creado el alma. Ese alma necesita un paisaje, una geografía, unos límites que desaparecen en la medida que la obra crece por la voluntad de los artistas. Por ello busco, en primer lugar, las contradicciones, las líneas enfrentadas que surgen del teatro y las traslado al seno del elenco. Para que éstas contradicciones produzcan un efecto provocador, incisivo, que abra heridas y construya cicatrices, es imprescindible un elenco sensible, un actor que se aleje del oficio para alcanzar la interpretación, el temblor auténtico de la creación. Ello es inventar un alma más que un cuerpo. Lo que llamo paisaje es en el orden práctico la escenografía o el dispositivo como se prefiera llamarlo". 1991. (Ensayo sobre la dirección teatral, pág. 6).
El teatro no se puede quedar sólo con el texto, descartando el resto de los recursos. Gimènez creaba una atmósfera teatral utilizando todo lo que tenía a su alcance para justificar y repotenciar el texto según su óptica y su forma de interpretarlo. "Descartar todo esto es disminuir al teatro, intelectualizarlo, y en consecuencia hacerlo distante de un público tendencialmente más masivo". ( Rubèn Monasterio. 1991. Entrevista).
Esta reflexión se apoya en la afirmación realizada por Jaques Copeau la cual dice que la estructura física del teatro puede mejorar el concepto intelectual de la obra, o en su defecto destruirlo. De esta forma, una obra que por si sola no es atractiva, con la creatividad del director teatral puede convertirse en una excelente pieza, o de manera inversa.
Carlos Giménez mantuvo un inteligente equilibrio entre la propuesta intelectual para una élite pensante y la propuesta espectacular que cautivaba a un público multitudinario, lo que caracterizo el clima teatral de sus montajes. "Su teatro atrapaba amplìsimos sectores, entre ellos el juvenil, que se deslumbraba ante aquello pero que también recibían un planteamiento conceptual en medio de aquel despliegue escénico". (Rubèn Monasterio 1991, Entrevista).
El espectador era sumamente importante al momento de crear su puesta. Le preocupaba llegar tanto a su mente como a sus sentidos. La presencia del público para Gimènez era "energía modificadora. Acción viva que se proyecta sobre el trabajo del actor y el mundo creado por el director".
Es por esto que se puede entender, cómo un montaje se ganaba la atención de un público campesino como de uno cosmopolita, de pronto gustaba tanto en Venezuela como en Argentina, en Australia, en Italia o en la ex-Uniòn Soviética. El clima de sus montajes generaba un especial fervor en el público.
Como ejemplo tangible está el artículo publicado por José Antonio Rial en El Nacional, en el cual refiriéndose a la visita de "Bolívar" a la ex-Uniòn Soviética, expresa: "Carlos había aproximado mi Bolívar al sentir de aquella gente… Esta aproximación de la obra al público de cualquier raza, país o idioma, era instinto infalible de Gimènez. Gracias a esa virtud, a ese adivinar el estado de espíritu de gente cuya habla ignoraba, pero no su angustia colectiva, logró que Carlos obtuviera que nuestro teatro venezolano fuese invitado a Florencia, a Nueva York a Berlín…a España." (El Instinto de lo teatral". El Nacional. Cuerpo A. pàg. 5).
La magia de Carlos Gimènez consistió en universalizar sus montajes, hacerlos comprensibles para todo el mundo, que el público lo sintiera y se identificara con ellos, Ese era su objetivo y no le importaba lo que dijeran o pensaran los dramaturgos al respecto. Tal aseveración se puede ilustrar en el artículo antes mencionado donde Rial comentó que "Gimènez tenia su creación montada sobre la creación del autor -mejor si estaba muerto y no podía intervenir- y él sabía equivocarse o desbordarse a su placer, pero el público enloquecía". Al principio Rial no estaba de acuerdo con el montaje de "Bolívar", pues no era su Bolívar. Pero al ver el éxito de la pieza, entendió la intención y la creación de Giménez.
Esa característica de Giménez, que para muchos es no respetar el texto, es el resultado de múltiples lecturas las cuales llevan intrínsecas: imaginación, creatividad y teatralidad. "Sostengo que la gloria mayor de una obra está en sus infinitas lecturas. Ellas la mantienen en el tiempo, la hacen provocadora, incitan la imaginación y amplían el horizonte de los personajes que por ella existen. Creo en la teatralidad, y la defino como el don de inventar la poesía de la escena". (Carlos Gimènez. Ensayo sobre la dirección teatral, pàg. 5).
Un ejemplo claro de lo que es una lectura múltiple lo constituyen los dos montajes de "La Tempestad" de William Shakespeare que fueron dos propuestas diferentes. El primero en 1987 con la Compañía Nacional de Teatro, y el segundo con Rajatabla en 1991, presentado en el New York Shakespeare Festival.
La primera oportunidad permitió que "un director, torpemente calificado de frívolo y de ser únicamente un puestista, haya dado una lección de cómo se debe llevar a la escena un clásico, sin destruir la esencia de la pieza y acentuando aquellos aspectos por los cuales, precisamente, una obra puede tener vigencia a pesar del paso de los años". Giménez llevó a las tablas un clásico con un enfoque moderno.( Moreno Uribe. (13-3-87). "La Tempestad tiene un mensaje político". El Diario de Caracas, p. 30).
En la segunda propuesta, por ser estrenada en el mencionado festival, la intención del director fue mostrar cómo un latinoamericano podía ver a Shakespeare. El montaje hacia referencia a un paisaje tropical, insinuando un lugar latinoamericano. Esto se puede observar en la escenografía donde el laboratorio de Próspero era una cabeza tolteca enterrada en la arena, y en los guayucos de los personajes.
Rubèn Monasterios señala que en la mayoría de sus obras "Giménez plantea la acción escénica en un espacio tendencialmente abstracto, en el sentido de no encontrarse en ella un señalamiento exacto de país ni de época, pero numerosos datos en sus puestas teatrales hablan de Latinoamérica". ( La estética del poder, Periódico del teatro. pàg. 8)
Giménez pretendía crear un paisaje teatral y que el público lo aceptara y disfrutara porque era poesía dentro del teatro. El no aceptaba que el actor se moviera en un espacio no creado, que el espectador tuviera que imaginárselo sólo porque el personaje lo dice. "…Debo aceptar que el mismo espacio, con la misma luz, la misma textura visual, es primero palacio, luego campo de batalla, costa de mar? Debo aceptar ésto sin ninguna transformación visual?…" (Carlos Gimènez, s/f Ensayo sobre la misión del director teatral). Gimènez consideraba que de esta forma la acción se convertía en una narración insípida carente de poesía. LA ESTETICA GIMENIANA
Su obra creó lo que comúnmente se denomina "Estética Gimeniana". Entendemos por estética el concepto esencial que se maneja en función de una creación (antiguamente de la belleza), mientras que el estilo es el filtramiento personal de aquellos conceptos, es decir, detalles particulares que cada creador le imprime a esa estética. Por lo tanto, de una misma estética surgen muchos estilos que son variantes particulares de esa estética.
Quién mejor para hablarnos de una Estética Gimeniana que el propio Giménez, que consideraba "que el principio básico es que el teatro debe intentar interpretar y poetizar la vida, no copiarla. Poetizar la vida desde el escenario quiere decir extractar los temas que son importantes para el hombre y hacerlos ver desde una perspectiva del arte… Nosotros intentamos interpretar la vida y sobre todo trabajar con ciertos signos que determinan la permanente traslación de la geografía teatral sobre el escenario… Sentimos también una necesidad imperiosa de relacionar, de manera cruel si se quiere, el tiempo y el espacio, porque el espacio es para nosotros una geografía definida: el país, la familia, la ciudad que habitamos. En cambio, el tiempo es una mentira, una ficción; este momento que vivimos ya pasó, nosotros somos el pasado de los que van a nacer mañana…" (Carlos Gimènez. 19-5-1991. Diario La Prensa. Bogotá Colombia).
La geografía teatral es lo que ve el espectador, es el espacio en el escenario. Dentro de este ámbito, Gimènez creaba una atmósfera escénica que involucraba al público. El negaba la existencia de un paisaje teatral estático. Consideraba que el espectador para convencerse del paso del tiempo o cambio de lugar, debía percibirlo.
La escenografía es el marco documental de la obra. Su finalidad primordial es la de situar la acción y crear el ambiente en que la misma se desarrolla, sitúa al espectador en tiempo y espacio. "La mayor preocupación de Carlos dentro de su trabajo era resolver este problema. Lo primero que él se preguntaba era dónde sucede la acción, en que espacio y tiempo". (Daniel López, 1993 . Entrevista). Por lo tanto, trabajaba para que la escenografía y el dispositivo escénico lo ayudaran en ese objetivo. Estos dos parámetros, tiempo y espacio, juegan un papel importante en lo teatral, por lo tanto todos los códigos deben manejarse dentro de ellos.
Cada creador inventa su lenguaje, crea unos términos, los combina y los genera de una manera muy particular. Esto forma su código.
Carlos Gimènez inventó términos y los combinó de manera particular, le dio significados diferentes. Es una simbología que tiene un sentido, no es mera espectacularidad sino que simboliza algo en la pieza, y en cada pieza será diferente. Como ejemplo podemos mencionar el fuego de "La Celestina", y el fuego en "La vida es sueño", que es el mismo recurso utilizado para expresar diferentes sensaciones; la campanita en "Señor Presidente", la maqueta en "La honesta persona de Sechuan"; la música en "Bolívar"; la luz en "La muerte de García Lorca"; la arena en "La Celestina"; el agua en "El Coronel no tiene quien le escriba"…
En el caso de "El Coronel…" el elemento del agua es de vital importancia, es como el aire, como la tierra. Gimènez hubiese querido hacerlo más persistente, "que llegara un momento en que la gente no soportara la presencia del agua, porque creo que es un elemento obsesivo, y que así como lo percibe el coronel debería percibirlo el espectador…" (Carlos Gimènez . 2-12-1990, Rajatabla es una familia mafiosa. Feriado. Magazine de El Nacional. Pàg. 12).
Una constante en el trabajo de Giménez es recurrir a los elementos de la naturaleza como elementos escénicos, así, la arena, el agua, la tierra, el fuego, constituyen una forma de crear poesía en el escenario con elementos vivos. En el montaje de "La vida es sueño" se prescindió de la luz de los reflectores del teatro para utilizar solamente la luz que produce el fuego. Estos elementos adquieren tanto valor dentro de la puesta que constituyen un personaje más de la obra. "es como si hubiera un diálogo entre los actores y los elementos que utilizan, los actores y la luz, los actores y la música. Inclusive entre la música y la luz y los elementos escenogràficos". (Carlos Gimènez. 19-5-1991. "Carlos Gimènez". Diario La Prensa Bogotá. Colombia).
En "Señor Presidente", la luz no era un simple elemento de iluminación, sino que buscaba a los personajes para intensificar un momento. Es lo mismo que la escenografía, la cual sirve para definir un espacio y es un elemento vivo, dinámico. La escenografía no es un decorado, es un ambiente, un color; participa en la obra y de la misma forma que la luz, es prácticamente un personaje más. Estas características son casi permanentes en los montajes de Carlos Giménez. Como la interpretación y el texto, la luz y la escenografía tienen que ser elementos integrados a la totalidad que es la puesta en escena.
Siguiendo con la importancia de la luz cabe señalar la opinión de uno de los representantes más importantes de la corriente simbolista en el teatro: Adolpho Appia, para quien la iluminación "es en si, un elemento cuyos efectos son ilimitados y una vez que se libera, llega a ser lo que la paleta es para el pintor. Todas las combinaciones de colores se vuelven posibles. Mediante reflectores simples o complejos, estacionarios o móviles, mediante obstrucciones parciales, o mediante diferentes grados de transparencia, etc., podremos lograr modulaciones infinitas… El actor ya no camina entrente de las luces…se sumerge en una atmósfera que está destinada para él". (Adolphe, Appia. Luz espacio y tiempo. pàg. 176).
Pero no es sólo el agua o la luz. Para Gimènez los símbolos tenían que ser claros; los actores los conocían y sabían por qué los utilizaban o por qué estaban allí. "Nada estaba porque sí, cada cosa tenía su significado. El hacía que el actor se relacionara con el objeto sabiendo lo que ese objeto significaba para el personaje. Tú no tenías un vaso en la mano porque era un vaso, tu tenías un vaso porque significaba algo, tu le estabas diciendo al mundo algo". (Natalia Martínez. 1993, actriz. Entrevista).
Otro personaje dentro de la puesta es la "música", la cual crea pautas, perceptivas que involucran al espectador en la acción que se desarrolla. Cada puesta exige un tipo de música particular. Así en "Fuenteovejuna" por ejemplo, "la columna musical era más ostentosa en comparación con otros montajes de Rajatabla hasta reducirse a lo esencial: el repiqueo de campanas y las vocalizaciones de uno de los personajes; mientras que en "La Tempestad" -presentada en Nueva York- se creò música de una exuberancia impresionante, ya que el montaje así lo requería." (Federico Ruiz. (2-3-1991)."Lo mío son las partitutras y los escenarios". Periódico del Teatro pàg. 2).
En "Bolívar, el elemento musical cobra mayor importancia. En esta obra la síntesis de música, texto, elementos plásticos, actuación y acción escénica forman un conjunto indivisible que le da fuerza y calidad al discurso, generando emoción, desesperación y agresividad.
La propuesta estética de Gimènez no está disociada en su propuesta ideológica. El consideraba que debía enfrentarse al texto abiertamente aportando elementos creativos a la obra del dramaturgo. "Este es el principio básico de la libertad creadora: si ésta no existe, el creador desaparece y le hace un flaco favor a su colega dramaturgo". (Carlos Gimènez. (5-11-1979). El teatro y la vida. El Universal Cuerpo 4, p. 1).
Giménez no escogió sus obras al azar. Siempre mantuvo una coherencia intelectual en su programación, lo que le permitió su desarrollo estético. Un rasgo resaltante en la carrera de este director es que junto a su grupo Rajatabla, trabajó temas que se desarrollaron dentro de la estructura de la trilogía.
Revisando la cronología de los montajes de Giménez, podemos mencionar la trilogía de Miguel Otero Silva que comienza en 1974 con "Fiebre", adaptada por Napoleón Bravo; "Casas muertas" en 1987 adaptada por Carlos Fraga. Este montaje introdujo nuevos elementos en el trabajo del director en cuanto a dispositivos escénicos se refiere. La escenografía subía y bajaba simulando una especie de zoom in y de zoom back utilizados en el cine. Eran aparentes planos cinematográficos. "Oficina número uno" de Larry Herrera, en 1992 completó esta trilogía, llamada por Carlos Gimènez "trilogía de la venezolanidad" que era una reflexión que hace el grupo sobre el país a través de la historia nacional de principios de siglo.
"La muerte de García Lorca", en 1979; "Bolívar" en 1982; y "Cipango" en 1989, las tres piezas pertenecientes a José Antonio Rial, conforman la trilogía sobre la soledad del hombre ante el poder.
El poder fue una suerte de fascinación persistente dentro de la creación de Carlos Gimènez. "Señor presidente" de Miguel Angel Asturias, en 1977; "El candidato" de Larry Herrera en 1978 y "El héroe nacional" de Friedrich Durrenmattr en 1980, forman la trilogía sobre el poder.
José Vicente Rangel y Rubén Monasterios coinciden en que "Carlos Giménez trató el poder político de tal forma, que nos lo hizo sentir como un fenómeno al mismo tiempo repulsivo y fascinante". (Las cinco patas del gato. Diario de Caracas. 31-3-93) El problema del poder, el poder político, el poder corrupto, ese poder lleno de maldad, está presente en todas las puestas de Giménez, aun en las que podían parecer más lejanas al problema político.
Según Rubén Monasterios, Carlos Giménez adoptó una Teoría del Poder Político de la cual se puede extraer la hipótesis de que el poder no es del todo gratrificante para quien lo ejerce, ya que debe pagar una cuota de dolor. Cuando mayor es el poder mayor es el distanciamiento con las personas. Una segunda hipótesis dice que el poder envilece y que esto se extiende a todo el sistema de relaciones sociales. "En la obra de Gimènez la acción escénica discurre como un ritual del poder, liturgia misteriosa, plena de símbolos que ponen de manifiesto la dinámica de la dominación absolutista". (2-3-1991. La estética del poder. Periódico del teatro. pàg. 9).
Giménez muestra en sus montajes los mecanismos del poder. Estos contenidos conceptuales nunca se expresan verbalmente, muy por el contrario, lo hace a través de símbolos. Trata de penetrar en la conciencia del publico y a través de un lenguaje simbólico propio.
Espacio, tiempo y poder son constantes que forman la estética gimeniana, junto con los recursos escénicos mencionados anteriormente, la actuación, el lenguaje y el texto, entre otras cosas.
Como había mencionado, la estética es el concepto, mientras que el estilo es el filtramiento personal de aquellos conceptos, que organizados y coordinados por el director, le dan un sello personal al montaje, es algo así como la firma del director.
Isaac Chocròn afirma que "el estilo no se muestra en el primer montaje dirigido, sino que a lo largo de una serie de puestas el publico y los interesados se van dando cuenta que esa persona tiene una manera particular de ver el mundo, y en la medida que esa persona haga más y más cosas su apellido se va convirtiendo en un adjetivo: Gimeniano" (1993. Entrevista).
Ejemplificamos la estética y el estilo gimeniano con un montaje realizado por Rajatabla pero dirigido por Raúl Brambilla "Las triste historia de la cándida Erèndira y su abuela desalmada". Las personas que asistimos al teatro pudimos apreciar la similitud en algunos aspectos de la puesta con los montajes de Giménez.. El público salió de la sala comentando que la obra pertenecía a la estética gimeniana. Podemos decir que el concepto utilizado para la creación de la puesta era el de Gimènez, pero había una diferencia, notable para algunos, y era el tratamiento que le dio el director, que es su estilo. De esta forma podemos llegar a la conclusión que "La cándida…" tenia una estética gimeniana con el estilo de Brambilla.
La estética gimeniana es una "estética que ha girado invariablemente (ascendentemente) en dos direcciones: como la lectura critica de lo polìtico-social latinoamericano y como percepción y expresión de lo puramente formal; es decir, una propuesta ideológica fuertemente imbricada a una forma de resolución escénica que logra combinar armoniosamente, a veces brillantemente, forma y contenido". (Ricardo Torrealba (1-4-1993. Carlos Giménez in memoriam. El Nacional Cuerpo C. pág. 14).
A pesar que los montajes de Carlos Giménez no se ceñían literalmente a la pieza del autor, mantenían un equilibrio entre la propuesta escénica y el texto. "Unir el concepto y la plástica. La idea y la forma en un equilibrio del cual y sobre el cual surge la obra de arte. Esta es para mí la tarea del director. Como afirma el estudioso Andrè Gervais: el director es esencialmente el lazo entre estos dos polos: la creación espiritual y su traducción escénica, si desaparece el uno, arrastra necesariamente la desapariciciòn del otro". (Carlos Gimènez. s/f. Ensayo sobre la misión del director teatral).
La misión del director teatral constituye una suma y coordinación, es el equilibrio entre la obra y la realización, donde se armoniza la palabra, el movimiento con las tonalidades, las atmósferas luminosas y sonoras, los fondos musicales etc.
El director es el interprete y el organizador del pensamiento del autor y la plástica del montaje. Debe traducir plásticamente en el escenario el concepto de la pieza para que llegue al publicó como una obra de arte.
"El Coronel no tiene quien le escriba" es considerada por muchos como la puesta "más redonda", término utilizado por Miriam Fletcher e Isaac Chocròn, de Carlos Gimènez.
Para Daniel López "El Coronel… es el espectáculo más logrado de Carlos, en todos los sentidos. La síntesis escénica que logra Carlos en esta pieza, con tan pocos elementos escenogràficos, contar una historia tan complicada y hacer sentir al público esas sensaciones… para mí es una obra maestra, magistral". (1993. Entrevista).
El montaje de Carlos Gimènez logra trasmitir el mensaje del hombre latinoamericano al punto de hacer llorar al público, aun en países que desconocen nuestro idioma.
En esta puesta, el compendio de recursos son la tierra, la lluvia, los gallos, el órgano, el piano, la armónica, los truenos, la procesión, los paraguas, la imagen de la muerte. "El personaje de la muerte es más que un sueño, es como las viejas fotografías de personas que murieron y siguen habitando en nuestras casas en el recuerdo, en el pensamiento, en los insomnios", definió el director. (Moreno Uribe. 1993, Carlos Gimènez, tiempo y espacio. Pàg. 102).
La versión realizada por Carlos Gimènez de "El Coronel no tiene quien le escriba" es una notable traslación desde la literatura de García Marques hasta el lenguaje dramático teatral. El mismo Gimènez consideraba que dicho cambio generaba limitaciones pero a la vez abría nuevas posibilidades.
Cuando el montaje de Carlos Gimènez se presentó en México, Gabriel García Marques asistió a la función, y declaró en el diario Las Jornada de México: "No reconocí a los personajes, los conocí ahora. Yo imaginaba como eran, pero nunca los había visto. Ahora los vi de veras". (Pablo Espinoza. 24-8-89. "Complace a García Marques la versión teatral de El Coronel…" La Jornada México. Cultura. Pàg. 20).
"Carlos dirigía el alma de los actores"
Frecuentemente Giménez era acusado de prestar poca atención a sus actores, al trabajo de ellos, al punto de considerarlo un "puestista", pero las entrevistas dijeron otra cosa. Las actrices Francis Rueda y Natalia Martínez coincidieron en que Carlos Giménez era un director preocupado por el trabajo del actor. Para la preparación del montaje de "Hamlet", que no llegó a efectuarse, los actores realizaron un taller muy interesante y completo, con charlas dictadas por Giménez sobre el autor y su obra. También trabajaron ejercicios puros para el actor y ejercicios físicos como gimnasia y esgrima.
En la investigación previa, Giménez realizaba un trabajo de análisis muy profundo. Analizaba todo el libreto, texto por texto, frase por frase, tratando de entender todo su significado. De esta forma, ningún actor se montaba en el escenario sin saber lo que estaba haciendo y por qué.
Los actores debían investigar su personaje, estudiarlo, indagar sobre su contexto, ya que lo que el deseaba era tener a su lado un actor que participara, que fuera capaz de proponer, y de esta forma lograr juntos el personaje. "En La Tempestad de Nueva York, yo le propuse la idea de hacer una Miranda diferente a la que todos conocen, que fuera una especie de India. A Carlos le encantó, la tomó y la enriqueció. Cada ensayo era una aventura nueva". (Natalia Martínez (1993). Entrevista).
Como dijo Daniel López, "Carlos dirigía el alma de los actores". López y Martínez comentaron que Giménez establecía relaciones muy especiales con cada actor, tenía habilidad para conocerlos, los analizaba y sabía como era cada persona, como reaccionaba, y los dirigía dependiendo de la personalidad de cada uno. El indicaba, señalaba, dejando un margen de libertad para la creación del actor.
Carlos Gimènez podía pasar horas dirigiendo a un solo actor en una sola escena, guiándolo hasta que el personaje le aflorara. Al finalizar cada ensayo hacía una reunión con todos los actores, planteaba su visión de ese ensayo y le decía a cada actor lo que le había parecido su trabajo. Lo hacía en público para que todos lo escucharan ya que era una enseñanza para todos. Decía tanto las cosas buenas como las malas. Era un trabajo en equipo pero personalizado. Personalmente, afirmo que Carlos le sacaba a una piedra lo que esa piedra pudiera tener de sensibilidad en su alma, y la hacía aflorar. Además era muy intuitivo, él sabía que tu podías dar más y hasta que no te liberaras totalmente y surgiera lo que había en el fondo de cada uno, no se quedaba tranquilo, lo digo por experiencia propia. Era una sensación mágica, como si te rasgara las vestiduras de la personalidad y dejara a tu ser desnudo, puro, limpio, para que se manifestase. Eso hacía, y para lograrlo a veces, nos decía del mal que íbamos a morir, pero era infalible su táctica. Recuerdo que a Pepe no le salía el papel del Coronel, y se llevó no sé cuantos gritos, improperios y regaños, hasta que sacó ese personaje con el cual se inmortalizó.
Giménez era un director muy apasionado, y esa misma pasión lo llevaba a ser un director integral. Cuidaba todos los detalles de su puesta: desde e l protagonista hasta el personaje de menor peso en la obra, desde el dispositivo escénico hasta el último elemento de la utilería.
Carlos Giménez era un creador de proceso, es decir, a medida que iba creando iba cambiando. Una puesta de escena de Gimènez comenzaba triangular y podría terminar cuadrada, y al paso de los años si esa misma pieza se reponía, podía ser rectangular.
A Giménez le preocupaba mucho el aspecto de la intemporalidad del teatro, ya que éste no es un video ni es una película, más bien, es algo transitorio. Sabemos que cuando termina el espectáculo, esa función no volverá a repetirse nunca más.
Creación y pasión van de la mano.
Como dijo Manuel Malaver, "Querido, odiado, abucheado, aplaudido, alabado, injuriado, rechazado, solicitado, pero nunca ignorado". (2-12-1990. Rajatabla es una familia mafiosa. Feriado, Magazine de el Nacional. Pàg. 10).
Referirse a la labor de Carlos Giménez y no tocar aspectos de su vida personal es inevitable. Muchos lo veían como un tipo dominante, como el característico director déspota, gritón, histérico. "Lo vi tirar patadas, alaridos, era el director que perdía los estribos cuando las cosas no iban saliendo. El trabajaba con el actor, lo guiaba, le indicaba una, dos, tres veces lo que tenía que hacer, pero ya a la cuarta se arrechaba y empezaba a vociferar". (Rubèn Monasterios. 1993. Entrevista).
Son comunes y bien conocidas por todos las historias del carácter de Giménez, de sus impulsos incontrolados, de las tiradas de máquinas o teléfonos por las ventanas. A Giménez le desesperaba la apatía y la perdida de tiempo, cosas que lo podían sacar de sus cabales.
Para la dramaturga Ethel Dahbar, Carlos Gimènez fue un hombre que nació para el teatro "igual que se nace para ser orfebre o poeta, y como tal era un creador. Llevaba el teatro en la sangre y en el pensamiento, y se movía y manejaba su vida al son de él. Como todo creador fue un hombre polémico, tuvo críticos furibundos y muchos que lo ensalzaban. Algo que siempre admiré en él, además de su gran capacidad para el trabajo, era verle resurgir al día siguiente de alguna critica demoledora, reuniendo a su grupo y pensando en el nuevo montaje que allí, ya en ese momento, se comenzaba a crear". (1993. Entrevista).
Giménez era un director creativo, un hombre de ideas. Para Isaac Chocrón era muy emocionante ver sus montajes porque estaban llenos de sucesos, de una serie de cosas que pasaban todo el tiempo; era una dirección que asombraba porque estaba llena de ocurrencias. La periodista de el Nacional. Elizabeth Araujo apoya la idea de Chocròn pues a su parecer, este director transformaba el escenario en una tribuna para la reflexión, sin dejar de invitar al publicó a recorrer el difícil camino de la imaginación.
Armando Gotta, director de teatro, define a Carlos Giménez como un creador. "Aparte de sus grandes valores gerenciales, organizativos, de su increíble capacidad de trabajo, lo que lo hacía único era su loca e inacabable posibilidad de crear, hasta de la nada. Utilizando un lugar común, era una maquina de producir ideas. Conversando con él, surgían mil ideas, proyectos, formas de concebir y realizar las cosas" (1993. Entrevista).
A Giménez no se le escapaba un sólo detalle. Era un hombre de teatro integral. La dirección no era su única preocupación, pues además como productor general cuidaba y supervisaba permanentemente todo su equipo. Su creación no sólo fue artística, también fue un creador de estructuras administrativas, gerenciales, promocionales. Alrededor de él giraron numerosas instituciones. Entre ellas está la creación, organización y dirección de las primeras nueve ediciones del Festival Internacional de Teatro de Caracas.
El Festival Internacional de Teatro de Caracas es un evento en el cual trabajan miles de personas con el único objetivo de lograr el disfrute de un publico masivo. "es una retribución al cariño que Venezuela me ha dado a mi". Carlos Gimènez.
Hablar de Carlos sería no terminar de hacer nunca este trabajo, para mí Carlos Giménez es un "Creador de Imposibles" y para las personas que tuvimos el honor y la gran suerte de conocerlo y más aún trabajar con él, con seguridad permanecerá su recuerdo por siempre vivo en nuestra mente y corazón. Te quiero mucho Carlitos...

Un Vistazo a una levedad angélica llamada Pina

2007-02-03T13:49:00.000-08:00

Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico_____________________
Adolfo Vásquez Rocca

Pina Bausch1 –1940– es quien revive el espíritu de la danza alemana al crear el teatro-danza. De su mano y del trabajo de sus bailarines han surgido piezas tan emblemáticas como Ifigenia en Táuride, Café Mueller (1978), Bandoneón (1987), y muchas otras, tan discutidas como admiradas en todo el mundo. Tras formarse con Kurt Jooss2 en Alemania y pasar una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el hoy mítico Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973. Allí, muy pronto se convierte en la creadora de ese rico y extremadamente complejo territorio que se ha denominado Teatro-Danza. Pina Bausch precozmente rupturista, testigo de una época desgarrada, donde con la devastación de los cimientos desaparece también el suelo de nuestras certezas más sagradas, se sitúa en la primera fila de la escena de avanzada, desde donde, reinventando el movimiento primigenio de la danza, reducida a los pocos movimientos posibles para una época crítica, actúa impulsada por un afán de acotar —en un ajuste de cuestas con las categorías impuestas del buen gusto y la belleza— los modelos canonizados del «cuerpo ideal» para mostrar una realidad heterogénea en la que el movimiento adquiere un enorme poder trasgresor. Pina Bausch, que ha sido distinguida con numerosos premios de danza de todo el mundo, nunca se pronuncia en forma pública sobre sus obras, porque esta mujer parca en palabras prefiere que hablen sus obras. En las fiestas después del estreno, la fumadora empedernida Pina Bausch prefiere mantenerse en segundo plano. Excepciones han sido hasta ahora dos apariciones en el cine con los directores Federico Fellini y Pedro Almodóvar.2. La danza corre el riesgo de disolverse si continúa narcisistamente contemplándose a sí misma. La danza contemporánea ha encontrado una renovadora vertiente abstracta y expresionista, ampliando así sus fronteras, dejando de ser un género teatral diferenciado, para constituirse en una manifestación más de los procesos de hibridación propios de la sensibilidad postmoderna. Las fronteras entre teatro, plástica, danza y literatura se difuminan en un espejo que le devuelve su imagen ampliada y, hasta cierto punto deformada de sus propios orígenes siendo y no siendo ballet, siendo y no siendo teatro, plástica, danza literatura e incluso filosofía. La danza expresionista, también llamada danza abstracta, nace en el contexto de la agitación de las grandes vanguardias europeas de comienzos del siglo XX. La danza tradicional, vinculada al ballet clásico, fue transformada mediante una nueva estética de movimiento corporal donde no impera ya el valor de la métrica, el ritmo, los saltos y pasos previamente establecidos. En la danza expresionista se recupera el movimiento libre, una interacción más dinámica con el espacio, y la posibilidad de la autoexpresión corporal.
El concepto de «ballet postmoderno», que apareció en los círculos especializados a fines de los años setenta, refiere a un conjunto de rupturas estético-expresivas, entre las que se cuentan —entre otras— la eliminación de la perspectiva unidimensional en provecho de un espacio abierto, ampliado, que responde en cierto modo a los descubrimientos de la física moderna; la revalorización de la dimensión cotidiana, el continuo de lo humano, en sus manifestaciones aparentemente triviales y pedestres, incluyendo en esta apertura la palabra, el ruido ambiente, en lo que constituye la irrupción de la música concreta al servicio de la danza; el abandono del entablado clásico por superficies naturales como el césped, la tierra, hojas secas, flores, e incluso el agua, son parte del estilo que alcanza su más plena expresión en las obras de Pina Bausch. Las obras de Pina Bausch no siguen una estructura narrativa ni una progresión lineal. Se construyen más bien a partir de una serie de episodios. Múltiples acciones escénicas simultáneas, imágenes impactantes, la utilización de las experiencias específicas de sus bailarines, de actividades cotidianas, de textos dirigidos a menudo al público y de una gran variedad de músicas en la banda sonora son elementos que llevan el sello reconocible de Bausch y que han pasado a formar parte de un léxico de la danza-teatro en Europa. Las bailarinas y bailarines de las obras de Pina Bausch no guardan relación con el ideal de belleza de cuerpos o vestuarios; trozos de música de ópera o rock interfieren con lo que está ocurriendo en el escenario; y su estilo de «collage» hecho de fragmentos recuerda más bien al cine o a las bellas artes que a la danza. Generalmente los bailarines actúan sobre superficies cubiertas de agua hasta los tobillos o lodo o entre un mar de claveles de plástico. En lugar de la música convencional de ballet, el Teatro de Danza de Wuppertal ofrece historias profundas de la existencia misma que son creadas en largas y estrechas discusiones entre la jefa y los integrantes del cuerpo de baile. Su carácter nómada y su enorme curiosidad por las diferentes formas de vida conducen a Pina Bausch, desde los años ‘80, a realizar distintas «residencias» en algunas de las grandes capitales del mundo. Roma, Madrid, Lisboa, Estambul u Hong Kong han sido algunas de sus sedes. Todas sus obras se realizan con la ayuda de bailarines de diferentes razas y países, que, siguiendo el peculiar método de trabajo de la directora, se implican con sus propios miedos, sus propios deseos, sus complejos y, en suma, con su propia vulnerabilidad. Esto lleva a la utilización de toda la gestualidad del comportamiento cotidiano, tanto en lo íntimo como en lo social; un aluvión de gestos físicos y emocionales que la sabia mano de Pina Bausch recicla y reintegra en composiciones llenas de originalidad, ternura, irónica crueldad y, sobre todo, de una viva y cruda humanidad. En la cartografía de los comportamientos humanos agresivos y potencialmente destructivos, latentes en la naturaleza humana, uno de los elementos que concurre en la configuración de las artes escénicas contemporáneas —entre ellas la danza— es la dialéctica defensa-agresión. La expresión corporal escenifica la agresión ritualizada como campo de enfrentamiento en el que comparece la tensión, la competencia y el origen genético del comportamiento teatral, de la puesta en escena de nuestras pulsiones eróticas y thanáticas, de nuestras estrategias representacionales y modelos de seducción y agresión litúrgicos. A este respecto el Psicodrama Analítico ofrece no sólo la metodología adecuada de sublimación, socialización y producción de subjetividad singular y colectiva, en orden a redirigir el potencial thanático-agresivo del comportamiento humano, sino la estrategia más efectiva en la prevención de la violencia social. Pina Bausch trabaja con sus propios miedos, sus deseos y complejos, su vulnerabilidad. Esto la lleva a emplear gestos desgarrados en sus coreografías, escenificando nuestra fantasmagórica intimidad y, en un registro de «lo terrible», al modo de los expresionistas, sus obras se pueblan de crueldad e ironía, atravesadas por la fragilidad de las inseguridades identitarias, aforadas de sentimientos humanos tan elementales como la necesidad de ser amados o, al menos, odiados. El espectador se convierte, también en el organizador de sus impulsos y de su experiencia estética. Por medio de la catarsis moviliza internamente la agresión no ejercitada o el erotismo anestesiado. 3. El éxito alcanzado por la artista no ha estado desprovisto de violentas controversias sobre su obra. El público de Wuppertal, por ejemplo, se encontraba dividido: por un lado, un grupo compacto de admiradores; por el otro, un frente de detractores convencidos, del que los más violentos cubrían a Pina Bausch de insultos y escupidas e intentaban arrancarle los cabellos, mientras otros la despertaban en la mitad de la noche con llamados telefónicos en los que la conminaban a dejar la ciudad.
La recepción de sus obras continuó siendo objeto de controversias en los ‘90. Así como en Roma algunos fanáticos pagaban diez veces el precio de una entrada, poco después, en Londres, un crítico abandonó la función y escribió al día siguiente: «Es mejor pasear por la desapacible noche londinense que sufrir los suplicios de un espectáculo de Pina Bausch en el Sadler's Wells». Pina Bausch ha explorado el lado más despiadado y desesperado del ser humano, por ello no es casualidad que Pina Bausch y sus obras hayan provocado reacciones tan extremas y tan antitéticas; tampoco es casual que reclamen tomas de posiciones inequívocas. Todas sus piezas tratan sobre cuestiones fundamentales de la condición humana y obligan al público a confrontarse con estos problemas: el amor y la angustia, la nostalgia y la tristeza, la soledad, la frustración y el terror, la infancia y la vejez, la muerte, la explotación del hombre por el hombre, la memoria y el olvido.

NOTAS
1 Bailarina, coreógrafa y directora de ballet alemana, está considerada como la creadora del teatro-danza en su país. Sus coreografías retratan al ser humano con todos sus defectos y virtudes, y confiesa no sentirse interesada por el movimiento de las personas sino por lo que las mueve. Comenzó sus estudios en 1955 en la Folkwangschule de Essen, donde fue alumna de de Kurt Joos y Sigurd Leeder. Tras el examen de graduación en 1959 obtuvo una beca para ampliar estudios en la Juilliard School of Music de Nueva York. Bailó en las compañías de Paul Sanasardo y Donya Feuer, Paul Taylor, con quien estrenó el Ballet Tablet (1961), el New American Ballet y el Metropolitan Opera Ballet. Pina Bausch hoy se encuentra retirada de la danza activa, salvo excepciones como su participación con el cineasta Almodóvar en la película Hable con ella.
2 (Wasseralfingen, 1901-Heilbroom, 1979) Bailarín y coreógrafo alemán. Formado con R. von Laban, desde 1924 montó sus propios espectáculos vanguardistas, caracterizados por la ausencia de protagonistas individuales.
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Adolfo Vásquez Rocca es Doctor en Filosofía por la P. UCV., Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, Estética y Pensamiento Contemporáneo.

Algunos otros Actoteatro

2007-01-29T14:31:00.000-08:00

Actoteatro y contacto
Héctor Armas.-

Después de algunos años tratando el tema de la originalidad como si fuera una ‘novedad’, termino por darme cuenta que en realidad reinventamos, copiamos sobre lo ya escrito. Sin culpa alguna vivimos de desempolvar los sueños que ya otros han abandonado. Retornamos a las vitrinas para buscar la joya perdida, y la hacemos brillar cual piedra preciosa, y una vez más caemos en el viejo truco del espejo. Más, sin distingos de ninguna clase, me digo que celebro el que en otras latitudes alguien, con nuestras mismas intenciones o sin ellas, haya querido dar forma a esto que nosotros también llamamos Actoteatro. Solicito permiso para ofrecer a ustedes estimados de siempre parte de esta historia que sin ser la nuestra mucho se le parece. He aquí el testimonio:

La tradición artística
EN 1978, Roberto y Naara Salomón adquieren la antigua casa de la familia Oppenheimer para establecer allí un centro cultural independiente al que bautizarían como casa “Actoteatro”, como el grupo teatral de Salomón.
Querían ofrecer teatro, galería de arte, librería, talleres de creatividad y restaurante; pero debieron solucionar las múltiples goteras del techo, reemplazar las viejas puertas de madera siempre respetando el estilo original, y readecuar el patio para utilizarse también como escenario. La principal renovación fue la construcción de la sala de teatro.

Fotos de los inicios de Actoteatro, en 1980: “El zoológico de cristal” y “Auto-DA-FE” del dramaturgo estadounidense Tennesse Williams fueron algunas obras montadas por “Actoteatro” no sólo en su local, sino en el Teatro Nacional y hasta en Guatemala.
De acuerdo con Roberto Salomón, durante la primera temporada se realizaron 150 funciones que incluyeron obras teatrales como “El zoológico de Cristal”; de Tennesse Williams, espectáculos de rock con Luis López y otros músicos, títeres para niños, música folclórica y servicio de café con el restaurante “Los entremeses de Federico”.
Pero tener un centro cultural en el centro de San Salvador no es fácil.
Fachada de la casa durante la década de los 80.
“Aunque muchas cosas han mejorado, nuestro ambiente siempre se ha mostrado inhóspito a las artes”, dice Salomón.
El factor económico encabeza la lista de dificultades que enfrenta un centro cultural independiente.
El grupo Actoteatro clausuró sus funciones teatrales en 1980 pero la casa continuó funcionando como el café-restaurante “Los entremeses de Federico”.
El lugar trató de mantener el concepto de centro cultural, pero poco a poco, se le conoció más por sus servicios de comida.
Durante los años 80, civiles celebraron fiestas rosas, bodas, almuerzos, miembros del CICR (Comité Internacional de la Cruz Roja) celebraron sus actividades muchas veces escuchando los tiroteos del centro de San Salvador de esa época.
Está previsto que la sala teatral en donde el público y el espectáculo podían cambiar de posición, sea utilizada durante el próximo Festival Internacional de Teatro a realizarse en julio.
Los 90 y el nuevo milenio
Durante la década de los 90, José Amaya, titiritero salvadoreño, ofreció un espacio de este arte escénico para niños y adultos en la sala Actoteatro con su grupo Ocelot.
Sin embargo, la clientela de los “entremeses” escaseaba por la falta de parqueo en la Primera Calle Poniente, debido a la transformación a eje preferencial de dicha vía.
De acuerdo a fuentes allegadas a los entonces encargados del lugar, desde ese instante empezó a sentirse el descenso de las ventas y la clientela.
A mediados de los años 90, “Los entremeses de Federico” también cerró.
Cuatros años después, la antigua casa volvió a abrir sus puertas cuando albergó a “La Luna del Centro”, pero al cabo de siete meses también eclipsó.
Durante la década de 1980 y parte de los 90, la casa funcionó como “Los entremeses de Federico”, un lugar donde los empleados del centro de San Salvador encontraban un oasis durante los almuerzos.
Beatriz Alcaine, promotora cultural y fundadora del proyecto, explica que aunque se tenían dos actividades a la semana que tuvieran éxito “el proyecto no podía generar suficientes recursos para mantenerse”. Además de necesitar más iluminación, requería parqueo y pagar vigilancia. “Había que sacrificar esa idea (La Luna del Centro) o todo el proyecto (La Luna de la colonia Buenos Aires)”, dice.

La fundación de “Actoteatro”
La segunda etapa de la vida de Isabel Dada se inicia con la decisión de integrarse a otro grupo fijo, el que formaba parte del proyecto de Roberto Salomón con la creación de Actoteatro. “Fue un proyecto muy corto, una cosa efímera, una llamarada tan linda, tan creativa y tan buena, pero se tuvo que interrumpir porque en el 80 se inició la guerra, y Roberto, Naara y Tily (fundadores) se fueron a Suiza”.
Actoteatro era un proyecto ambicioso para la época, que funcionó de 1978 a 1979. Era un local en donde se impartían clases, de pintura, teatro y música, una sala de teatro en donde se presentaron algunas obras teatrales, y un pequeño café que era como un “convivio artístico”. Estaba ubicado en el local que hoy ocupa la Casa de la Cultura del Centro.
Dada recuerda que debido a la guerra muchos emigraron. ¿Y Ud. porqué se quedó?, preguntamos. Se ríe. “Es muy buena pregunta”. En la época en que se cerró Actoteatro a esta actriz salvadoreña le salió un contrato en México, con una compañía de Teatro fija. “Yo dije ‘ésta es la oportunidad de mi vida, me voy a quedar y después voy a mandar a traer a mis hijos’. Hablé por teléfono, le supliqué a mi papá que cuidara a mis hijos, y que a los tres meses yo iba a venir por ellos… A los tres meses regresé, pero a quedarme aquí”. En esa época ya se había divorciado la segunda vez.
Ya ven ustedes mis estimados amigos o amigas, que una vez más debo utilizar para culminar este texto uno del maravilloso Eugéne Ionesco que dice: ‘ya no hay nada nuevo debajo del sol, ni siquiera cuando no hay sol’ (Víctimas del deber)

Héctor Armas
Textos originales extraídos de Internet escritos por Adda Montalvo Fotos: Ulises Rodríguez/ Félix Amaya/ Cortesía de Roberto Salomón

Fotografías de Franco Olivarí 'El Incierto Señor Don Hamlet' y 'Sudor de Luto'

Algunas añoranzas.

2007-01-28T15:05:00.000-08:00

Y es que por esas cosas del destino, esas que uno no logra descifrar y que suelen ocurrir, al menos muchas de ellas, a las doce de la noche en pleno invierno y en domingo hoy he recordado aquellos días.

Me he dispuesto sobre el taburete de madera y he repasado los segundos, minutos quizás, en los que fuimos felices. Aquellos instantes que perpetuó el maravilloso Franco Olivarí en cada una de sus fotografías. Momentos que reproduzco a continuación acompañados de algunos otros textos que también conforman el legado de esas escenas de soledad en las que la memoria se resiste a morir.

Detalles de ciertos unicornios…

Carta para un Dios Baco con vagina

(Escrito a Yosmar Yánez, actriz fundadora de Actoteatro actualmente radicada en Nueva York)

Jazmín:

Y yo que pensaba que aquella noche te ahogarías en la bilis, aquella empozada laguna de líquidos que habías dejado derramar en el granito que Raquel, horas antes y con un desdén sureño, había limpiado.
En verdad me creí que detrás de aquella cabellera morena había una niña que pintaba a calco una borrachera feroz, una sin par embriaguez que hizo que Francisco el joven enmudeciera mientras los demás reíamos.
Te pasaste al otro lado, recuerdas, al del sueño. Me mirabas sin reconocerme y te reías, ¿aun te ríes así?
Mostrabas todos los dientes como masticando el aire; mientras y en un rincón absurdo, Francisco el joven, ahora llorando, tatuaba su columna en el plano del espejo de bailar.
Jazmín, aquella tarde sabias que amanecería y ya nuestra historia tendría ese sabor amargo de la partida, ¿Te supo igual?
Las manzanas quedaron regadas, como los cabellos de aquella Ofelia que jugaba con jabones de lavar, las mandarinas se mezclaron con los tragos de un ron calentito que Fabiola compartía, adjuntando en cada sorbo una loncha de un pan duro y queso agrio, y eso que entonces todo comenzaba, apenas descorchábamos las primeras botellas, pero tú, entrando y saliendo, cebaste la última gota, hasta desfallecer sobre la osamenta del joven Francisco que perdía en ti su musa, su amor, todo aquella noche.
Pero Jazmín, tenías que ser tan directa, tan fulminante como un viejo rifle. Tenías así que despeinar a aquel espíritu que posado entre tus brazos mamaba de tus pechos de vino como un niño. Todo acabó afortunadamente.
La mañana vino con somnolencias y mutis por la derecha; recuerdo tus moretones, el sonido de cachetones al aire y los ojos enrojecidos de Fabiola que cabalgando condujo el carromato hasta no sé que rincones para escondernos como muñecos de feria.
Lo sabías pequeña mía, por eso me negaste el beso, por eso juraste, riéndote recuerdo, que el ‘nunca’ era valor para aquel ósculo que no vendría jamás, por eso.
Ahora me abate el sueño, cómo aquella noche en la que llena de meados tú, envuelta en ese traje de Dios Baco con vagina vaticinabas el final de lo que fuimos y nos dejabas sumidos, embriagados, sin saber el juego, curiosos de los detalles de ciertos unicornios que aun no ven sus reflejos en el agua.
Beso.

Angelina Márquez, 10 de agosto de 2001

Cuestión de estéticas

2007-01-26T14:55:00.000-08:00

Actoteatro y contacto.

“El teatro lleva en crisis desde los griegos y aún sobrevive”.
Andoni Olivares

Continuamente me hago preguntas sobre la estética, repaso el éxito que visualmente algunos espectáculos han causado en mí; no obstante propongo en algún foro el tema y observo también el trabajo de talentosos y bien formados e informados compañeros de las tablas y siempre, debo decirlo como quien habla de Dios, quedo con serias dudas.
Simpatizo con la belleza, con lo atractivo de los movimientos, con los efectos de la buena luz, las atmósferas sensibles, y no con los fogonazos sorprendentes que solo adjudico al cabaret, al circo y a los conciertos de rock; digo entonces que admiro lo que me hace mirar, observar, conmover; amo en fin esos lugares recreados sobre el cuadrilátero de tela negra. Eso para mí, y lo digo a boca llena, es lo que justifica mí entrada al teatro, al recinto, al espectáculo; hoy en día plagado de trabajos malos, empobrecidos no en lo estético, que también, sino en el concepto.
Mi buen amigo Román Denis, director y dramaturgo, quien defiende a ultranza un teatro fundamentalmente de texto y bien austero o pobre en toda regla, se molesta cuando las compañías profesionales se muestran ante el publico con un diseño que ostenta desde el programa de mano una buena presentación,(amparada por fotos, currículo y críticas especializadas); tal situación con una posterior conversación, o casi debate, fue la que mantuvimos ante la puerta del Cine Teatro Auditórium de Guía Isora, aquí en Canarias y antes del estreno de "Huérfanos", original de Lyle Kessler y protagonizada por Thomas Schumann, Jorge Armas Davara y José Manuel Segrado Fraile, bajo la dirección de Alberto Omar Walls.
Pues bien, Román arremetía con un desprecio feroz la labor de la producción y el empeño de prologar la entrada a la obra con un programa, lindo de verdad, lleno de información sobre el elenco y de criticas, presuntamente, digo de paso, aparecidas en los medios impresos; mas tarde y cuando ya el telón había subido le vi profundamente interesado en la obra, centrado en el tema, creo que hasta admirando el espacio, convertido en un decrépito departamento de algún suburbio norteamericano. No culminó de ver el espectáculo porque sus labores de padre se lo impidieron pero al día siguiente me comentó que aquello que admiraba prometía, habló de la profesionalidad de los actores, de lo bien que ‘masticaban’ el texto y dejó caer una que otra ‘pildorita’ en pro del tema que ahora me interesa comentar.
He dicho, sin tapujos, en alguna tertulia que a mí Peter Brook, a quien pude ver en el Teatro nacional de Caracas por allá por los noventa, no me gustó, no lo entendí, me aburrió, no reflexioné ni me emocioné con aquellos dos negritos africanos que saltaban de un lado a otro en un ‘espacio vacío’, y con una iluminación blanca, de trabajo. Más, sin embargo lloré con la versión de ‘El coronel no tiene quien le escriba’, representada inolvidablemente por la agrupación Rajatabla dirigida por Carlos Jiménez, quien transformó el espacio en una inmensa casa de hojalata, que se caía a pedazos y desde donde, un coronel, flaco cual quijote, y su mujer, esperaban la carta que nunca habría de llegar. La iluminación ambientaba con bellos claros oscuros blancos, una impecable música _ recuerdo los grillos sonando durante toda la función _ un vestuario cuidadísimo, y, un sistema de tarimas de madera y tierra por donde se movían los actores empapados por ráfagas de agua, que nos recordaban las trombas de lluvia de nuestra latinoamérica fueron los instrumentos que me hipnotizaron y lo hicieron con el público que logró verles en cada uno de los mundiales escenarios donde se presentaron.
Tal situación me ha pasado en varias ocasiones_ con directores de importancia acoto_ con espectáculos o más bien ritos, que generan bostezos constantes e incomodidad en el ‘culo’ del que está sentado, poniendo a prueba su cortesía y paciencia. No justifica esto la huida del espectador de las salas, pregunto; no es esto lo que hace que sean las mismas caras las que se encuentren, algunas noches, en las desérticas convocatorias teatrales de nuestra provincia.
Hay quien achaca la culpa, sin querer reconocer la paja en su propio ojo, al espectador inculto, a la producción deficiente, a la carencia de espacios; más sin embargo, añado con rotundidad, que no solamente es el dinero el que genera espectáculos de éxito, de público, el gran faltante. El fracaso, en muchos casos digo, esta centrado en la estupidez retórica de aquel que cree que lo que hace como teatro, merece la pena de ser visto; peor aun oído, y si me apuran alabado.
Una afirmación seudo intelectual que genera que esta actividad cultural no sea minorista, dada la histórica apreciación, sino sectaria, egoísta y radical; con lo cual admitiría, imagino, incluso como premisa, mediocre y trasnochada, el hecho de que el teatro alberga solo a maricones y prostitutas. Conceptuar el teatro malo como experimental, sincero y/o austero es ponerse a disposición de la mentira, una doble máscara que instruye, en el nuevo talento un falso concepto de lo que han de entender como teatro.
Es importante no confundir lo estético con lo ético, ni determinar que en este escrito se desea valorar la escena edulcorante y operística, (con un gran respeto para la opera que no tiene culpa alguna). La estética es ética, desde una óptica sin parangón, del teatro bien resuelto desde la selección del tema, del texto, incluso del elenco; es moral desde la sorpresa más simple, es bella a partir de los elementos sinceros y sensibles _ muchos de ellos deambulando por las calles en forma de papel, ya sin valor en la razón pero si en la imaginación de la dirección atrevida y versátil_ es en si misma aplaudible desde la destreza para plasmar en el espacio,(paisaje mental importantísimo para el que actúa), geografías y arquitecturas inimaginables. Para amparar este dictamen recuerdo al actor cubano Joel Angelino, hoy en día cosechando éxitos en la televisión española, representando una versión de Fresa y chocolate, la película de Tomas Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabio, en nuestro destrozado Teatro Juares; pues bien Angelino con comodidad y tentáculos nos atrapó con este monólogo tan solo con su talento y un espacio lleno de periódico rotos, a tiras, una sombrilla y poco más, una iluminación que rasaba sobre las biznagas de papel y una silla; estos fueron sus elementos propuestos y el experimento se llenó de belleza; de aquel escenario nacieron calles, nieve, lluvia, dinero. Aquellos papeles recortados a mano fueron suficientes, no simplones, ni estéticamente estilizados y usados a modo de las tiras de papel de los actos culturales, tan de moda en estos tiempos; fue un arma fulminante para atacar nuestra, a veces, estítica capacidad de creación.

"Si la gente quiere ver sólo las cosas que pueden entender, no tendrían que ir al teatro: tendrían que ir al baño”, dijo el maravilloso Bertolt Brech apresurando un concepto sobre el vodevil imbécil y sin compromiso. Nuestro teatro está lleno de intención, de la buena, la poderosa intención de la palabra comprometida, de la imperiosa necesidad de contar cosas; más sin embargo carece de las imágenes y sugerencias coreográficas para plasmar esas historias; Brech, (Alemania 1898-1956), director de la palabra, amante del mensaje hablado en fin, aderezó sin embargo con impacto alguna de sus obras, plegó sus textos en las tablas con mucha creatividad, algunas escenas de sus obras más lacerantes, (vease ‘Madre coraje’ o ‘El circulo de tiza caucasiano), sorprendieron a la sociedad alemana no solo por lo directo de sus textos, sociales y políticos, sino por lo impresionante de las imágenes; ya tuvimos una muestra de ello los venezolanos en la sala Rios Reina, si la memoria no me abandona, del teatro Teresa Carreño con la puesta de ‘la ópera de tres centavos’, creación del propio Brech para el Berliner Ensemble.
Entiendo que estas reflexiones quizás puedan ir en contra de la premisa de alguna agrupación que se arrodilla ante la _detestable_ malla negra y la mascarilla blanca; o los guantes a la usanza de Marcel Marceau, que tampoco me gustó dicho sea de paso, pero que respeto y conservo como quien guarda una foto antigua o aquel resto reseco de cordón umbilical. Pueden quizás ser urticantes para aquellos que, sintiéndose adepto a los clásicos se hayan atrevido a mostrar espectáculos aderezándolos con satén y fieltro, pero honestamente es verdad.
Todos hemos sido victimas de nuestras incipientes puestas en escena, nos hemos colocado iluminadas coronas envueltas en frágil papel de aluminio y en más de una ocasión hemos reincidido, por pereza mental quizás, con lo cual se perdona el pecado o peor aun por una situación incuestionables de estética teatral, lo que inevitablemente ha de llevar a quien incurra en el error a ser el colectivo olvidado de algún salón parroquial.
En una sociedad que marcha a pasos agigantados, donde la decisión del primero en unos segundos ya no será la de los terceros, se hace necesaria una inminente reflexión sobre este tema, la estética teatral, que abandera una necesaria utilización de todos los recursos a nuestro alcance, la radio encendida, esa imagen grabada en un informativo, la voz en off mil veces oída, la puerta abierta, un desnudo al trasluz.El director vasco Andoni Olivares ha anunciado que a pesar de la crisis del teatro _en busca de la verdad definitiva_ siempre mantiene su vigencia; es una suerte para todos porque eso significa que aun nos dan los dioses la oportunidad para reconstruir nuestros emplastos, hagámoslo con ahínco, con férrea convicción y harta belleza porque, como dicen los vascos también: Non gogoa, han zangoa, o lo que es lo mismo, "Donde el corazón se inclina, el pie camina", intentémoslo al menos.